La artesanía estadounidense es el trabajo artesanal realizado por artistas de estudios independientes que trabajan con materiales y procesos artesanales tradicionales. Algunos ejemplos son la madera ( ebanistería y fabricación de muebles ), el vidrio ( soplado de vidrio y trabajo con lámparas ), la arcilla ( cerámica ), los textiles y el metal ( metalistería ). Las obras de artesanía de estudio tienden a servir o aludir a un propósito funcional o utilitario, aunque con la misma frecuencia se manipulan y exhiben de manera similar a los objetos de arte visual.
El movimiento de artesanía de estudio estadounidense es un sucesor de los movimientos artesanales europeos anteriores. Las artesanías de estudio modernas se desarrollaron como una reacción a la modernidad y, en particular, a la Revolución Industrial . Durante el siglo XIX, el historiador escocés Thomas Carlyle y el crítico social inglés John Ruskin advirtieron sobre la extinción de las artesanías en Europa . El diseñador y teórico inglés William Morris continuó esta línea de pensamiento, convirtiéndose en el padre del movimiento Arts & Crafts de Inglaterra . Morris distinguió al artesano de estudio de esta manera: "[N]uestro arte es el trabajo de una pequeña minoría compuesta por personas educadas, plenamente conscientes de su objetivo de producir belleza, y se distingue del gran cuerpo de trabajadores por ese objetivo". Tanto las tradiciones artesanales europeas como las estadounidenses también han sido influenciadas por el Art Nouveau . Ambos movimientos influyeron en el desarrollo del movimiento de artesanía de estudio contemporáneo en los Estados Unidos durante fines del siglo XIX, durante todo el siglo XX y hasta la actualidad.
A principios del siglo XIX, se hizo popular entre los estadounidenses rurales de medios modestos encargarse de la decoración de sus hogares y muebles. El artista Rufus Porter fue uno de los primeros defensores del movimiento artesanal estadounidense. En 1825 publicó A Select Collection of Valuable and Curious Arts, and Interesting Experiments Which are Well Explained, and Warranted Genuine, and May be Prepared, Safely and at Little Expense (Una colección selecta de artes valiosas y curiosas, y experimentos interesantes que están bien explicados, y justificados como genuinos, y pueden prepararse de forma segura y con poco gasto) , un libro de instrucciones para las artes decorativas domésticas, que incluyen la pintura de paredes, suelos y muebles.
A finales del siglo XIX, los oficios artesanales preindustriales habían prácticamente desaparecido. La expansión industrial y el desplazamiento hacia el oeste habían separado en gran medida la cultura estadounidense de las raíces artesanales de la época colonial y de los nativos americanos. En este contexto, Louis Comfort Tiffany fue un pionero del movimiento artesanal estadounidense y abogó por la colocación de objetos bien diseñados y elaborados en los hogares estadounidenses. Las elegantes creaciones de vidrieras de Tiffany estaban influenciadas por los valores de William Morris y se convirtieron en la principal encarnación del Art Nouveau en Estados Unidos .
Gustav Stickley , el ebanista , fue uno de los primeros líderes en el desarrollo de los muebles de estudio y del movimiento artesanal estadounidense. Los diseños de Stickley se distinguían por su simplicidad y por su armonía entre el arte decorativo de interiores y la arquitectura . La revista de Stickley, " The Craftsman ", fue un foro para este movimiento desde 1901 hasta 1916. Originalmente centrada en exponer ideas del movimiento Arts and Crafts de Inglaterra , "The Craftsman" desarrolló cada vez más los conceptos artesanales estadounidenses a lo largo de los años de su publicación. Las ideas de Stickley influyeron más tarde en Frank Lloyd Wright y en las futuras generaciones de artesanos, artistas y arquitectos estadounidenses.
El movimiento Roycroft fue una adaptación estadounidense del movimiento de artes y oficios británico fundado por Elbert Hubbard y su esposa Bertha Crawford Hubbard en la pequeña ciudad de East Aurora, Nueva York, en 1895. Su objetivo era escribir y publicar libros ornamentados, pero también fabricaba muebles y productos de metal. Roycroft estaba organizado como una comunidad de artesanos que vivían y trabajaban siguiendo los lineamientos de un gremio europeo medieval .
El movimiento de artesanías de estudio fue impulsado por el establecimiento de programas de artesanía dentro de las instituciones educativas postsecundarias. En 1894, por ejemplo, el primer departamento universitario de cerámica de Norteamérica comenzó a funcionar en la Universidad Estatal de Ohio en Columbus, Ohio . A esto le siguió en 1901 la creación de la primera escuela de arte de cerámica en la Universidad Alfred en Alfred, Nueva York . De manera similar, la Escuela de Diseño de Rhode Island en Providence, Rhode Island, estableció la primera clase de artes del metal en 1901 y la primera clase de textiles en 1903.
Después de la Primera Guerra Mundial, un espíritu internacionalista de posguerra influyó en la creación de otras instituciones artesanales importantes, como la Academia de Arte Cranbrook en Bloomfield Hills, Michigan . Los artesanos de Cranbrook trasladaron las formas orgánicas y geométricas al estilo que se conocería como Art Decó . En Cranbrook, profesores como Maija Grotell produjeron obras importantes por derecho propio y, al mismo tiempo, enseñaron a una nueva generación de jóvenes artistas de la artesanía de estudio.
Durante los años de la Depresión , la Administración de Progreso de Obras del gobierno federal financió proyectos de artesanía, así como obras públicas y murales, como una forma de mantener a los trabajadores trabajando y de aumentar la moral nacional. Esto permitió que la artesanía floreciera a nivel local. Al mismo tiempo, los programas de arte estadounidenses comenzaron a incluir estudios de artesanía en sus planes de estudio.
La Segunda Guerra Mundial trajo consigo una afluencia de artistas y artesanos europeos. Estos exiliados europeos trajeron consigo una serie de tradiciones históricas que incluían no sólo prácticas artesanales europeas, sino también conocimientos de culturas asiáticas y otras no occidentales. Un ejemplo de esta afluencia es Tage Frid, un fabricante de muebles danés, que estableció la reputación del programa de Fabricación de Muebles en la Escuela de Diseño de Rhode Island, y sin duda hay otros. También durante el período posterior a la Segunda Guerra Mundial, una insatisfacción general con la sociedad industrial comenzó a impulsar un mayor apoyo a los objetos de arte hechos a mano. En 1943, se fundó el American Craft Council para apoyar a los artesanos y cultivar el aprecio por su trabajo. La fundadora del ACC, Aileen Osborn Webb, era una alfarera interesada en crear oportunidades de marketing para los artesanos de estudio. La organización finalmente creció hasta incluir la revista American Craft y el Museo de Artes y Diseño (entonces llamado Museo de Artesanía Contemporánea y en un momento conocido como Museo Americano de Artesanía). Como resultado de estos fenómenos, la artesanía estadounidense de posguerra se volvió estilísticamente más refinada y técnicamente más competente.
Durante la década de 1950, algunos artistas recurrieron a la doctrina de la verdad de los materiales . [ cita requerida ] Este movimiento implicó un énfasis en la producción colectiva de trabajos artesanales. Los artesanos a veces trabajaron juntos durante este período para desarrollar proyectos más ambiciosos. A lo largo de la década de 1950 y después, el alfarero Peter Voulkos desarrolló obras de cerámica cada vez más grandes y no tradicionales , influenciado por el expresionismo abstracto , que transformó las concepciones tradicionales de los medios artesanales . Al igual que los expresionistas abstractos , Voulkos enfatizó la actuación, el proceso y la expresión primaria en sus formas cerámicas. En algunos casos, Voulkos deconstruyó y reconstruyó formas tradicionales de vasijas de cerámica como platos, cubos de hielo y tazones de té. En otras obras, Voulkos creó nuevas formas no utilitarias, como sus "pilas" cilíndricas puramente escultóricas a gran escala.
Voulkos también se vio influenciado por el budismo zen después de un encuentro en 1952 con el alfarero japonés Shoji Hamada . Hamada animó a Voulkos a adoptar un enfoque zen de la cerámica basado no solo en la competencia técnica sino también en una unión mental y espiritual entre el creador y el objeto artístico. Voulkos citó más tarde la declaración de Hamada de que "le llevó diez años aprender a usar el torno de alfarero y otros diez años olvidarlo", una idea que inspiró los primeros intentos de Voulkos de formar por completo una tetera en dos minutos. [1]
Voulkos enseñó en el Black Mountain College en 1953, donde se familiarizó aún más con los movimientos de vanguardia . En 1954, fundó el departamento de cerámica en el Otis College of Art and Design (entonces llamado Los Angeles County Art Institute). En California , la cerámica de Voulkos rápidamente se volvió abstracta y escultórica. Voulkos luego se trasladó a la Universidad de California, Berkeley , donde fundó otro departamento de cerámica y enseñó desde 1959 hasta 1985. En Berkeley, Voulkos se hizo cada vez más famoso por sus enormes vasijas agrietadas y cortadas.
La cultura de la década de 1960 fue aún más propicia para el desarrollo de artesanías de estudio. Este período vio un rechazo del materialismo y la exploración de formas alternativas de vida. Para algunos, la creación de artesanías proporcionó precisamente esa salida. En 1962, el entonces profesor de cerámica Harvey Littleton y el químico Dominick Labino comenzaron el movimiento contemporáneo de soplado de vidrio . El impulso para el movimiento consistió en sus dos talleres en el Museo de Arte de Toledo , durante los cuales comenzaron a experimentar con la fusión de vidrio en un pequeño horno y a crear arte de vidrio soplado. Así, Littleton y Labino fueron los primeros en hacer que el vidrio fundido fuera factible para los artistas en estudios privados. Harvey Littleton extendió su influencia a través de sus propias e importantes contribuciones artísticas y a través de su enseñanza. [2] A lo largo de los años, Harvey Littleton formó a muchos de los artistas de vidrio contemporáneos más importantes, incluidos Marvin Lipofsky , Sam Herman (Gran Bretaña), Fritz Dreisbach y Dale Chihuly . Estos estudiantes de Littleton a su vez desarrollaron el nuevo movimiento y lo difundieron por todo el país. Por ejemplo, a Marvin Lipofsky se le atribuye ser uno de los fundadores de la Sociedad de Arte del Vidrio y haber introducido el vidrio de estudio en California. En 1967, Lipofsky fundó el programa de vidrio en el California College of Arts and Crafts , que dirigió durante dos décadas.
En 1971, Dale Chihuly y Ruth Tamura fundaron la influyente Pilchuck Glass School cerca de la ciudad rural de Stanwood, Washington , con el apoyo financiero de John y Anne Hauberg , quienes apoyaron la idea de un programa de verano de soplado de vidrio en el noroeste rural. El desarrollo posterior de este programa se convirtió en la Pilchuck Glass School . Influenciada por la Haystack Mountain School of Crafts (la primera escuela en tener un horno de vidrio) y la Penland School of Crafts , la Pilchuck Glass School se ha convertido en un centro del movimiento contemporáneo del vidrio de estudio estadounidense , del que Chihuly es una figura destacada. El artista Toots Zynsky , un pionero de Pilchuck, observó que la elección de una ubicación occidental para la escuela reflejaba un rechazo consciente del establecimiento artístico oriental. El nombre de la escuela también reflejaba la atracción contracultural de los fundadores por la cultura nativa americana . Chihuly eligió el nombre "Pilchuck", derivado de las palabras chinookan para "rojo" y "agua", en alusión a las aguas ricas en hierro del cercano río Pilchuck .
En 1972, se fundó la Galería Renwick del Instituto Smithsoniano como departamento de artesanía de estudio del Museo Smithsoniano de Arte Americano . Ubicada en el edificio original de la Galería de Arte Corcoran, frente a la Avenida Pensilvania de la Casa Blanca , proporcionó un entorno distinguido para los objetos de artesanía de estudio estadounidenses en Washington, DC.
En 1992, el presidente George H. W. Bush firmó una proclamación que designaba 1993 como el Año de la Artesanía Estadounidense . Como parte de esta conmemoración, el director de la Galería Renwick, Michael Monroe, seleccionó setenta y dos obras de setenta artesanos estadounidenses que fueron donadas a la Casa Blanca para que sirvieran como la Colección de la Casa Blanca de Artesanía Estadounidense. Esta colección se exhibió durante cuatro meses en el Museo Nacional de Arte Estadounidense en 1995.