Thomas K. Wesselmann (23 de febrero de 1931 - 17 de diciembre de 2004) fue un artista estadounidense asociado con el movimiento Pop Art que trabajó en pintura, collage y escultura.
Wesselmann nació en Cincinnati .
De 1949 a 1951 asistió a la universidad en Ohio; primero en el Hiram College , y luego se trasladó a la especialidad de Psicología en la Universidad de Cincinnati . Fue reclutado por el ejército de los EE. UU. en 1952, pero pasó sus años de servicio en Estados Unidos. Durante ese tiempo hizo sus primeras caricaturas y se interesó en seguir una carrera en el dibujo animado. Después de su licenciamiento, completó su título de psicología en 1954, tras lo cual comenzó a estudiar dibujo en la Academia de Arte de Cincinnati . Logró cierto éxito inicial cuando vendió sus primeras tiras cómicas a las revistas 1000 Jokes y True .
En 1956 Cooper Union lo aceptó y continuó sus estudios en Nueva York. Durante una visita al MoMA se inspiró en el cuadro Elegía a la República Española de Robert Motherwell : “La primera experiencia estética… Sintió una sensación de gran excitación visceral en el estómago y parecía como si sus ojos y su estómago estuvieran conectados directamente”. [1]
Wesselmann también admiraba la obra de Willem de Kooning , pero pronto rechazó la pintura de acción : “Se dio cuenta de que tenía que encontrar su propia pasión; sintió que tenía que negarse a sí mismo todo lo que amaba en De Kooning e ir en una dirección lo más opuesta posible”. [2]
Para Wesselmann, 1958 fue un año decisivo. Un viaje para pintar paisajes al Green Camp de Cooper Union, en la zona rural de Nueva Jersey , le hizo darse cuenta de que podía dedicarse profesionalmente a la pintura, en lugar de a la caricatura. [3]
Después de graduarse, Wesselmann se convirtió en uno de los miembros fundadores de la Judson Gallery , junto con Marc Ratliff y Jim Dine , también de Cincinnati, que acababan de llegar a Nueva York. Él y Ratliff mostraron una serie de pequeños collages en una exposición de dos personas en la Judson Gallery. Comenzó a enseñar arte en una escuela pública en Brooklyn y más tarde en la High School of Art and Design . [7]
La serie Great American Nude (Gran desnudo americano) de Wesselmann (que comenzó en 1961) fue la que le hizo llamar la atención del mundo del arte. Después de soñar con la frase "rojo, blanco y azul", decidió pintar un Gran desnudo americano con una paleta limitada a esos colores y a cualquier color asociado con motivos patrióticos como el dorado y el caqui. [8] La serie incorporaba imágenes figurativas con un tema patriótico, como fotos de paisajes americanos y retratos de los padres fundadores. A menudo, estas imágenes eran collages de revistas y carteles descartados, lo que exigía un formato más grande que el que Wesselmann había utilizado anteriormente. A medida que sus obras comenzaron a acercarse a una escala gigante, se puso en contacto directamente con los anunciantes para adquirir vallas publicitarias.
A través de Henry Geldzahler , Wesselmann conoció a Alex Katz , quien le ofreció una muestra en la Galería Tanager . La primera muestra individual de Wesselmann se celebró allí más tarde ese año, representando tanto los collages grandes como pequeños de Great American Nude . En 1962, Richard Bellamy le ofreció una exposición individual en la Galería Green . Casi al mismo tiempo, Ivan Karp de la Galería Leo Castelli puso a Wesselmann en contacto con varios coleccionistas y le habló sobre las obras de Roy Lichtenstein y James Rosenquist . Wesselmann las vio sin notar ninguna similitud con las suyas {S. Stealingworth, p. 25}.
Aunque no se trataba de un movimiento cohesivo, la idea del Pop Art (nombre acuñado por Lawrence Alloway y otros) se fue extendiendo gradualmente entre los críticos de arte internacionales y el público. Como observó Henry Geldzahler: "Hace aproximadamente un año y medio vi las obras de Wesselmann..., Warhol, Rosenquist y Lichtenstein en sus estudios (era más o menos julio de 1961). Trabajaban de forma independiente, sin saberse el uno del otro, pero recurrían a una fuente común de imaginación. En el espacio de un año y medio organizaron exposiciones, crearon un movimiento y ahora estamos aquí discutiendo el asunto en una conferencia. Ésta es la historia instantánea del arte, una historia del arte que tomó tanta conciencia de sí misma que dio un salto que fue más allá del arte mismo". [9]
En noviembre de 1962, la galería Sidney Janis albergó la exposición Nuevos Realistas , que incluía obras de los artistas estadounidenses Jim Dine , Robert Indiana , Roy Lichtenstein , Claes Oldenburg , James Rosenquist , George Segal y Andy Warhol ; y de europeos como Arman , Enrico Baj , Christo , Yves Klein , Tano Festa, Mimmo Rotella , Jean Tinguely y Mario Schifano . Siguió a la exposición Nouveau Réalisme en la Galerie Rive Droite de París , y marcó el debut internacional de los artistas que pronto dieron lugar a lo que se llamó Pop Art en Gran Bretaña y Estados Unidos y Nouveau Réalisme en el continente europeo. Wesselmann participó en la muestra Nuevo Realismo con algunas reservas, [10] exhibiendo dos obras de 1962: Naturaleza muerta n.º 17 y Naturaleza muerta n.º 22 .
A Wesselmann nunca le gustó su inclusión en el Pop Art estadounidense , señalando cómo hacía un uso estético de los objetos cotidianos y no una crítica de ellos como objetos de consumo: “No me gustan las etiquetas en general y 'Pop' en particular, especialmente porque enfatiza demasiado el material utilizado. Parece haber una tendencia a utilizar materiales e imágenes similares, pero las diferentes formas en que se utilizan niegan cualquier tipo de intención grupal”. [11]
Ese año, Wesselmann había comenzado a trabajar en una nueva serie de naturalezas muertas, experimentando con ensamblajes y collages. En Still Life #28 incluyó un televisor encendido, "interesado en las demandas competitivas que un televisor, con imágenes en movimiento y emitiendo luz y sonido, puede hacer sobre las partes pintadas". [12] Se concentró en las yuxtaposiciones de diferentes elementos y representaciones, que en ese momento eran realmente emocionantes para él: "No solo las diferencias entre lo que eran, sino el aura que cada uno tenía con él ... Un paquete de cigarrillos pintado al lado de una manzana pintada no era suficiente para mí. Ambos son el mismo tipo de cosa. Pero si uno es de un anuncio de cigarrillos y el otro una manzana pintada, son dos realidades diferentes y se intercambian entre sí ... Este tipo de relación ayuda a establecer un impulso a lo largo de la imagen ... A primera vista, mis imágenes parecen bien comportadas, como si - eso es una naturaleza muerta, ¿de acuerdo? Pero estas cosas tienen un intercambio tan loco que siento que se vuelven realmente muy salvajes". [11] Se casó con Claire Selley en noviembre de 1963.
En 1964, Ben Birillo, artista y socio comercial del galerista Paul Bianchini, contactó a Wesselmann y otros artistas pop con el objetivo de organizar The American Supermarket en la galería Bianchini de Nueva York. Se trataba de una instalación de un gran supermercado donde se mostraban obras pop (la sopa Campbell de Warhol, los huevos de cera de colores de Watts, etc.) entre comida real y letreros de neón. Ese mismo año, Wesselmann comenzó a trabajar en paisajes, incluido uno que incluye el ruido de un Volkswagen al arrancar. Los primeros desnudos en lienzo con formas también aparecieron ese año. [13]
Las obras de Wesselmann en estos años: Great American Nude #53 , Great American Nude #57 , muestran una sensualidad acentuada y más explícita, como si celebraran la redescubierta satisfacción sexual de su nueva relación. [14] Continuó trabajando en sus paisajes, pero también hizo Great American Nude #82 , reelaborando el desnudo en una tercera dimensión no definida por líneas dibujadas sino por medio: plexiglás moldeado modelado sobre la figura femenina, luego pintado. Su enfoque compositivo también se volvió más audaz, reduciéndose a aislar un solo detalle: la serie Mouth comenzó en 1965, sus Seascapes comenzaron el año siguiente. También aparecieron otros dos temas nuevos: Bedroom Painting y Smoker Study , este último desarrollado a partir de la observación de su modelo para la serie Mouth . La serie de obras Smoker Study se convertiría en uno de los temas más recurrentes en la década de 1970. [15]
A partir de 1965, Wesselmann realizó varios estudios de paisajes marinos al óleo durante sus vacaciones en Cape Cod y en el norte del estado de Nueva York. En su estudio de la ciudad de Nueva York, utilizó un viejo proyector para ampliarlos y convertirlos en obras de gran formato. Estas vistas, llamadas la serie Drop-Out, se construyeron a partir del espacio negativo que rodeaba un pecho. El pecho y el torso enmarcan un lado de la imagen, mientras que el brazo y la pierna forman los otros dos lados. Esta serie de obras se convertiría en uno de los temas más recurrentes en la década de 1970. [15] Comenzó a trabajar en lienzos con formas y optó por formatos cada vez más grandes.
Wesselmann trabajó constantemente en la serie de pinturas de dormitorio , en la que se yuxtaponían elementos del gran desnudo americano, naturalezas muertas y paisajes marinos. Con estas obras, Wesselmann comenzó a concentrarse en algunos detalles de la figura, como manos, pies y pechos, rodeados de flores y objetos. Las pinturas de dormitorio cambiaron el enfoque y la escala de los objetos que acompañaban al desnudo; estos objetos son pequeños en relación con el desnudo, pero se convierten en elementos importantes, incluso dominantes, cuando el elemento central es una parte del cuerpo. El pecho de una mujer oculto detrás de una pared apareció en una caja entre los elementos de naturaleza muerta esculpidos de Wesselmann [16] : 100 en una pieza titulada Bedroom Tit Box , una obra clave que "... en su realidad y escala interna (las relaciones de escala entre los elementos) representa la idea básica de la pintura de dormitorio". [17]
Wesselmann realizó Still Life #59 , cinco paneles que forman una gran pintura independiente de complejas dimensiones: aquí también los elementos están ampliados y se puede ver parte de un teléfono. Un frasco de esmalte de uñas está inclinado hacia un lado y hay un jarrón de rosas con un pañuelo arrugado al lado, y el retrato enmarcado de una mujer, la actriz Mary Tyler Moore , a quien Wesselmann consideraba como el prototipo ideal de novia. Se trata de obras en las que realizó retratos más reconocibles, con un aire menos anónimo. En Bedroom painting #12 , insertó un autorretrato. Still Life #60 apareció en 1974: el contorno monumental, de casi 26 pies (7,9 m) de largo, de las gafas de sol actúa como marco para el lápiz labial, el esmalte de uñas y las joyas; un microcosmos de la feminidad contemporánea que Wesselmann llevó al nivel del gigantismo.
Sus Smokers siguieron cambiando: introdujo la mano, con uñas pintadas que brillaban en el humo. [18] En 1973 puso fin a la serie dedicada al Gran Desnudo Americano con The Great American Nude #100 . Pero, por supuesto, la incontrovertible sensualidad de los desnudos de Wesselmann estuvo constantemente acompañada por un hilo conductor irónico que se reveló claramente en las propias palabras del artista: "La pintura, el sexo y el humor son las cosas más importantes en mi vida". [19]
En 1978 Wesselmann comenzó a trabajar en una nueva serie de pinturas de dormitorios. En estas obras revisó la construcción formal de la composición, que ahora estaba cortada por una diagonal y una sección entera estaba ocupada por el rostro de una mujer en un primer plano muy cercano.
En 1980 Wesselmann publicó la monografía Tom Wesselmann , una autobiografía escrita bajo el seudónimo de Slim Stealingworth. Nació su segunda hija, Kate; sus hijos anteriores fueron Jenny y Lane.
En 1983, a Wesselmann se le ocurrió la idea de hacer un dibujo en acero, como si las líneas del papel pudieran levantarse y colocarse en una pared. Una vez colocados, los dibujos parecían dibujados directamente en la pared. Esta idea precedió a la tecnología disponible para láseres que cortaban mecánicamente el metal con la precisión que Wesselmann necesitaba. Tuvo que invertir en el desarrollo de un sistema que pudiera lograr esto, pero tardó otro año en estar listo.
La incorporación del espacio negativo que había comenzado en la serie Drop-Out se prolongó en un nuevo medio y formato. Comenzaron como obras en blanco y negro, lo que le permitió volver a desarrollar el tema del desnudo y su composición. [20] Wesselmann llevó su idea más allá y decidió realizarlas también en color. Además de los desnudos metálicos coloreados, en 1984 comenzó a trabajar en bocetos rápidos de paisajes que luego fueron ampliados y fabricados en aluminio.
Obligado por el uso de los metales a experimentar con diversas técnicas, Wesselmann cortó obras en aluminio a mano; para el acero investigó y desarrolló el primer uso artístico del metal cortado con láser. La imagen computarizada aún no se había desarrollado.
Las obras de Wesselmann en metal siguieron sufriendo una metamorfosis constante: My Black Belt (1990), un tema de los años setenta, [ necesita más explicación ] adquirió una nueva vivacidad que definió con fuerza el espacio en el nuevo medio. La Drawing Society produjo un vídeo dirigido por Paul Cummings, en el que Wesselmann hace un retrato de una modelo y una obra en aluminio.
“Desde 1993 soy básicamente un pintor abstracto. Esto es lo que pasó: en 1984 comencé a hacer figuras recortadas de acero y aluminio... Un día me enredé con los restos y me sorprendió la infinita variedad de posibilidades abstractas. Fue entonces cuando comprendí que estaba volviendo a lo que había estado buscando desesperadamente en 1959, y comencé a hacer imágenes abstractas tridimensionales en metal cortado. Me sentí feliz y libre de volver a lo que quería: pero esta vez no en los términos de De Kooning sino en los míos”. [21] En este nuevo formato abstracto, Wesselmann prefirió un enfoque aleatorio y realizó composiciones en las que los recortes de metal parecían pinceladas gestuales.
Sus desnudos sobre lienzo de este período reelaboran imágenes de los años 60. “[Constituyen] un retorno nostálgico inesperado pero altamente satisfactorio a un episodio juvenil en medio de uno de los cambios de estilo más radicales en la carrera de Wesselmann. Autónomos y completos en sí mismos, parece más probable que se sostengan por sí solos en lugar de conducir a nuevas reinterpretaciones de motivos de los años sesenta. En otras palabras, no deben tomarse como una señal de que Wesselmann se está embarcando en un renovado compromiso con su fase pop clásica...”. [22] En 1999 realizó su última obra de Smoker, Smoker #1 (3-D) , como un relieve en aluminio.
En los últimos diez años, la salud de Wesselmann se vio empeorada por una enfermedad cardíaca , pero su producción en el estudio se mantuvo constante.
Las obras abstractas muestran líneas más firmes y una gama cromática que privilegiaba los colores primarios. Wesselmann reconoció la influencia de Mondrian al elegir títulos que recuerdan las obras anteriores del pintor: New York City Beauty (2001). En estos años, la influencia de Matisse disminuyó la frontera entre los estilos figurativo y abstracto de Wesselmann. En 1960 Wesselmann había podido ver las obras del maestro francés en persona en la exposición Gouaches Découpées (Recortes de gouache) del MoMA, y cuarenta años después le rindió homenaje en su serie Sunset Nudes . En Sunset Nude with Matisse , 2002, insertó la pintura de Matisse La Blouse Roumaine (1939-1940). Wesselmann también derivó obras de los recortes de Matisse: Blue Nude (2000) , inició una serie de relieves de desnudos azules esculpidos en aluminio moldeado.
Después de una cirugía por su problema cardíaco, Tom Wesselmann murió por complicaciones el 17 de diciembre de 2004. [23] Sus últimas pinturas importantes de la serie Sunset Nudes (2003/2004) se exhibieron después de su muerte en la Galería Robert Miller en Nueva York en abril de 2006. [24]
En 1957, Wesselmann conoció a Claire Selley, otra estudiante de Cooper Union que se convertiría en su amiga, modelo y, en 1963, en su esposa. Tuvieron dos hijas y un hijo. [16] : 102 : 117
Los años posteriores a la muerte de Wesselmann estuvieron marcados por un renovado interés en su obra. El Museo d'Arte Contemporanea Roma (MACRO) expuso una retrospectiva en 2005, acompañada de un amplio catálogo. Al año siguiente, L&M Arts de Nueva York organizó una importante exposición de obras de la década de 1960. Dos galerías, Maxwell Davidson e Yvon Lambert, mostraron conjuntamente la serie Drop-Out en Nueva York en 2007. Esto coincidió con el lanzamiento de una nueva monografía sobre el artista, escrita por John Wilmerding y publicada por Rizzoli, Tom Wesselmann, His Voice and Vision .
Wesselmann se describía como un fanático de la música country , [16] : 102 y a veces incorporaba radios, televisores u otros elementos de sonido en funcionamiento en sus obras. [16] : 96 : 103 Una muestra retrospectiva Tom Wesselmann und die Pop Art: pictures on the wall of your heart (2008-2009) en la Städtische Galerie en Ravensburg, Alemania, presentó grabaciones musicales de su banda, cortesía de su patrimonio. [16] : 96
Otra muestra, en 2010 de Maxwell Davidson, Tom Wesselmann: Plastic Works , fue la primera muestra de la obra de Wesselmann en plástico moldeado. Una retrospectiva de toda su vida de dibujos, Tom Wesselmann Draws , se mostró en la galería Haunch of Venison de Nueva York y luego viajó al Museo de Bellas Artes de Fort Lauderdale, Florida, a la Universidad Nova Southeastern y al Museo Kreeger de Washington, DC. Una retrospectiva de toda su vida, la primera en América del Norte, se inauguró en el Museo de Bellas Artes de Montreal en mayo de 2012 y viajó al Museo de Bellas Artes de Virginia y al Museo de Arte de Cincinnati. [25]