Timo Tapani Sarpaneva (31 de octubre de 1926 - 6 de octubre de 2006) [1] [2] fue un influyente diseñador, escultor y educador finlandés, más conocido en el mundo del arte por su innovador trabajo en vidrio, que a menudo fusionaba atributos de objetos de exhibición con designaciones utilitarias. Si bien el vidrio siguió siendo su medio más abordado, trabajó con metal, madera, textiles y porcelana . Sarpaneva ha entrado en hogares de todo el mundo a través de su diseño industrial de artículos de lujo concebidos artísticamente, incluidos utensilios de cocina de hierro fundido y vajillas de porcelana . Su trabajo fue uno de los componentes clave que ayudaron a lanzar la reputación de Finlandia como pionera del diseño.
Al igual que el yunque de su abuelo, que se exhibió en un lugar destacado para presentar a los visitantes su exposición retrospectiva de 2002 en el Museo de Diseño de Helsinki, [3] Timo Sarpaneva relató que su herencia familiar era la de los artesanos. Mencionó a su abuelo materno, un herrero, cuya profesión, según Sarpaneva, era una tradición de su familia "desde hacía cientos de años", y dijo que otros eran artistas textiles [4], señalando que su madre solía hacer fundas para teteras. Su hermano Pentti, un año mayor, era diseñador gráfico y fabricaba joyas de bronce y plata. Con una hipérbole, Timo Sarpaneva dijo que ya sabía en el útero que se convertiría en artesano. [3] Su respuesta profesional al vidrio estaba relacionada con sus primeros recuerdos del metal fundido en el taller de su abuelo. [5] Una sensación de la infancia que periódicamente relataría más tarde como inspiración para su enfoque innovador de los objetos de vidrio hablaba de transparencia y espacio:
A la edad de ocho o nueve años, sostuve un trozo de hielo en mi mano hasta que hice un agujero en él con mi dedo cálido. [4]
El agujero orgánico de Sarpaneva en un cuerpo de vidrio apareció aproximadamente al mismo tiempo en que Henry Moore comenzó a utilizar concavidades en sus esculturas humanas, y algunos de sus otros trabajos con vidrio sugieren esa experiencia. [6]
Sarpaneva se graduó en el Instituto de Artes Industriales (el precursor de la Universidad de Artes y Diseño ) en Helsinki en 1948 y recibió un doctorado hc más tarde. [7] Poco después de comenzar a trabajar con vidrio, [8] ganó el concurso Iittala en vidrio grabado y fue contratado por la empresa en 1951 [9] (otras fuentes mencionan el año anterior) como diseñador y director de exposiciones. Ganó su primer Gran Premio en la Trienal de Milán de 1954 por su serie de vidrio transparente, que también fue para su colega ya bien establecido en Iittala, Tapio Wirkkala . En 1956, Sarpaneva adoptó el vidrio coloreado mientras desarrollaba la nueva serie de lujo i-linja (i-line) de platos, botellas y otros objetos de Iittala. Radical para aquella época, su implicación se extendió al diseño del packaging y del nombre de Iittala, con una prominente letra i minúscula blanca dentro de un círculo rojo como marca registrada de la nueva línea, que la empresa adoptó luego como su logotipo universal hasta el siglo XXI. [10] i-linja le valió su segundo Gran Premio en la Trienal de Milán de 1957, donde también recibió un Gran Premio por su diseño de la exposición finlandesa.
Mientras tanto, trabajó en su inglés en la recién inaugurada sucursal de Helsinki de Berlitz International en la segunda mitad de la década de 1950, [11] pronto comenzó a enseñar en su alma mater , incluido un curso de impresión en bloque de linóleo para estudiantes de diseño textil, [12] y se convirtió en profesor titular en 1976. [10] Habiendo trabajado ya para la asociación textil PMK en la década de 1950 (y planeado un espectáculo de indumentaria de la Trienal de 1957 finalmente cancelado para Marimekko en un reconocimiento temprano de que la moda confeccionada comenzaba a ser apreciada como un arte industrial [13] ), continuó en la década de 1960 con diseños de tela para Tampella y actuó como director artístico de la empresa textil sueca Kinnasand entre 1964 y 1972, después de lo cual comenzó su asociación con el productor de porcelana alemán Rosenthal. En la década de 1990 , viajó entre Helsinki y Murano ( Venecia , Italia) durante seis años, realizando principalmente esculturas con los fabricantes de vidrio Venini y el reconocido artesano Pino Signoretto. Durante todo ese tiempo, a pesar de una pausa en la década de 1970 cuando Iittala intentó cancelar algunas de sus técnicas de producción de vidrio, Sarpaneva mantuvo una relación creativa con su primer empleador durante la mayor parte de su vida productiva. Le sobreviven sus cuatro hijos adultos y su esposa de nueve años, Marjatta née Svennevig, con quien se casó en la Catedral de Helsinki en 1997 [14] después de 30 años de vivir juntos [15] y quien diseñó su lápida en el Cementerio de Hietaniemi , [16] ahora cerrado a más entierros, [17] el último lugar de descanso de numerosas personas influyentes en la historia, la política y la cultura finlandesas.
Un cierto grado de patriotismo se tradujo tanto en su estrecha relación con el presidente finlandés Urho Kekkonen , de quien Sarpaneva recibió la Medalla Pro Finlandia de la Orden del León de Finlandia en 1958 por su éxito en la Trienal de Milán , como en los nombres de algunos de sus productos comercializados internacionalmente, Finlandia por una serie de jarrones de "vidrio de corteza" y Suomi ("Finlandia") por un diseño de vajilla. Diseñó jarrones de vidrio y vajillas de plata para la residencia presidencial Mäntyniemi , inaugurada en 1993. La imagen de Finlandia como pionera del diseño se ha basado durante mucho tiempo en su éxito posterior a la Segunda Guerra Mundial y en la reputación de Sarpaneva y un puñado de sus otros "héroes diseñadores". [18]
La olla de hierro fundido (caldero, cazuela) que Sarpaneva diseñó en 1959 (producida a partir de 1960), que apareció en un sello postal finlandés en 1998, [19] se convirtió en un símbolo de su enfoque creativo: moderna en un sentido que no se apoyaba demasiado en la novedad, repensaba una pieza tradicional, devolvía la historia y la humanidad al diseño industrial y preparaba "un buen guiso de reno en el proceso". [20] Tras reintroducirla en el mercado en 2003, [21] el fabricante, Iittala, considera que su diseño atemporal e ingenioso es tan funcional en la cocina como atractivo en la mesa del comedor. [22] Trabajos como el de Sarpaneva demostraron que la calidad intrínseca de los materiales reducidos a su esencia más básica y sensual, moldeada por la imaginación creativa de un artista, superaba a todo el kitsch del mundo. [23]
Sarpaneva pensó que el punto de inflexión en su carrera llegó para él a la edad de 22 años cuando recibió el segundo premio en el Concurso de Diseño de Vidrio Riihimäki , solo superado por su profesor universitario, Arttu Brummer, quien ganó el premio principal. [3] Sarpaneva trabajó intermitentemente con metal, madera, textiles, cerámica y porcelana (china), mientras que el vidrio siguió siendo su medio principal desde sus primeros premios durante gran parte de su vida, tanto en diseño industrial como en objetos de arte de exhibición . [24] Formado como diseñador gráfico, pasó la mayor parte de su vida en diseño industrial mientras se veía a sí mismo más como un artista que como un diseñador. [25] Pero descartó la opción con una broma cuando se enfrentó a los rumores de que Andy Warhol había sugerido que las telas de Sarpaneva eran obras maestras listas para ser enmarcadas como pinturas. [3] Sin embargo, la carrera internacional de Sarpaneva se abrió con una hazaña comparable en el diseño textil cuando recibió una Medalla de Plata en la Trienal de Milán de 1951 por su propuesta Kukko , una funda de tetera bordada con forma de gallo (de ahí su nombre finlandés) con la cresta roja dentada del ave como mango, confundido por algunos en la exposición con un sombrero de carnaval. [26]
En las décadas de 1950 y 1960, Sarpaneva creó diseños de tejidos para varias empresas asociadas a PMK (Puuvillatehtaitten myyntikonttori, "Oficina de ventas de las fábricas de algodón").
Su serie radical y pictórica Ambiente , diseñada para una división de lino de Tampella [27] a mediados de los años 60, introdujo la robotización en la producción de patrones para telas. Cerca de 2.000 configuraciones de máquina automatizadas, que Sarpaneva llamó "monotipos industriales", permitieron una amplia variación en los esquemas de color, desde el carmesí intenso y el turquesa hasta el verde guisante sutil, el crema y el negro. El desenfoque, la fusión y la distorsión dieron como resultado patrones psicodélicos fluidos y agregaron otra capa al número de opciones que la impresión rotativa a dos caras modificada abrió para sus fabricantes y vendedores. [12]
La producción se basó en un invento que Sarpaneva hizo cuando visitó a un fabricante de papel para embalaje, donde la imprenta funcionaba mal y los colores se mezclaban y se desdibujaban en el papel. Sarpaneva pensó que lograr el mismo efecto intencionalmente en la tela crearía un patrón variable y fluido en el que nunca se repetiría exactamente el mismo patrón. Ambiente atrajo la atención internacional, lo que provocó que Andy Warhol sugiriera en broma a Sarpaneva que vendiera la línea como piezas de arte únicas, añadiendo que "sería millonaria". [28]
El trabajo de Sarpaneva en el diseño industrial recibió su máximo reconocimiento con su vajilla de porcelana (loza) Suomi ("Finlandia"), en la que trabajó durante cuatro años [29] (algunas fuentes dicen tres o dos). Encargado por la empresa alemana Rosenthal, que al principio consideró que el concepto era demasiado simple, se lanzó en su "línea de estudio" en 1976. El clásico moderno, originalmente completamente blanco con esquinas suavemente redondeadas [30], pasó a formar parte de la colección permanente del Centro Georges Pompidou de París como un ejemplo de diseño contemporáneo [31] y ha permanecido en producción hasta la década de 2010. Sarpaneva dijo que su inspiración vino de las formas de las rocas redondeadas y pulidas por el agua en movimiento. Combinaba el círculo con el cuadrado, una fusión de las formas orgánicas de la tradición artesanal y las líneas rectas asociadas con la industria moderna. Las piezas del servicio resistente a las astillas atraían tanto a la mano como a la vista. Las asas grandes y cómodas hacían que las tazas fueran resistentes y fáciles de sostener, los bordes de los platos evitaban derrames y las teteras y cafeteras vertían sin gotear. [32]
En la década de 1970, Rosenthal convirtió a Suomi en el lienzo para diseños de superficies de alto nivel artístico limitados a tiradas de 500 juegos de artistas reconocidos en ese momento, incluidos Salvador Dalí y Victor Vasarely . [33] La compañía también adaptó Suomi para clientes que buscaban inyectar autoexpresión. Fabricó Suomi en una serie paralela Porcelaine noire y permitió a los clientes mezclar y comprar las luminosas piezas de porcelana blanca y las poco comunes de porcelana negra en cualquier combinación contrastante deseada. En una modificación separada, el productor atendió a aquellos que buscaban más opulencia con la serie Suomi con adornos de oro y platino . [34] Este tipo de marketing no siempre fue apreciado por motivos estéticos con el argumento de que las versiones decoradas de varios tipos se relacionaban mal con las formas refinadas de Sarpaneva, y que Suomi era extraordinaria solo en blanco liso. [32]
Con motivo del lanzamiento de su juego de taza y platillo Sun in the Forest en Londres, Sarpaneva dijo que sus formas a veces estaban inspiradas por el sonido.
Cuando me adentro mucho en el bosque, todos mis sentidos están alerta. Es entonces cuando puedo oír con los ojos. [35]
Referencias directas al sonido traducido a imágenes también acompañaron el material promocional con su combinación de taza y platillo Song of the Troll . [36]
Sarpaneva fue una prolífica diseñadora de arte en vidrio, tanto esculturas como objetos funcionales. Fue pionera en muchos métodos nuevos de fabricación de vidrio, junto con los sopladores de vidrio de la fábrica de vidrio de Iittala . Entre los nuevos métodos desarrollados se encontraba el método de la varilla húmeda, en el que los espacios esféricos dentro del vidrio se crean no soplando, sino introduciendo una varilla húmeda en la masa de vidrio. El contacto con la masa caliente hace que el agua se evapore, tras lo cual el vapor crea una cavidad en el vidrio. Los fabricantes de vidrio de Iittala desarrollaron el hábito de recoger, de camino al trabajo, ramas caídas de manzanos, un tipo de madera especialmente adecuado para este propósito. Este método es fundamental en muchas de las series de arte en vidrio de Sarpaneva, como Kajakki y Orchid. [28]
El primer reconocimiento internacional de Sarpaneva en el campo del vidrio llegó con un Gran Premio de la Trienal de Milán en 1954 [37] que incluía las series Orkidea ("Orquídea"), Kajakki ("Kayak") y Lansetti ("Lanceta") de Sarpaneva, adoptadas para su producción por Iittala. Dijo sobre su material favorito:
El vidrio es muy misterioso. Cambia todo el tiempo. Eso es lo que lo hace mágico. [38] Me liberó de lo convencional y lo tridimensional. Abrió sus confines más profundos y me llevó a un viaje a una cuarta dimensión. Comprendí las oportunidades que el vidrio claro y transparente ofrece a un artista y diseñador. [5]
La abstracción ameboide [39] "Lancet II" de la última serie, un jarrón asimétrico de vidrio transparente cuya forma solo se refleja parcialmente en su centro hueco, fue seleccionado por la revista estadounidense House Beautiful como "El objeto de diseño más hermoso del año" en 1954. [40] En sus manos, las distinciones entre arte puro y aplicado se volvieron gradualmente menos significativas: los jarrones de vidrio que creó en la década de 1950 exhibieron claras cualidades escultóricas mucho antes de que decidiera cortar su conexión con el recipiente como forma en 1964 y hacer esculturas puras en vidrio. [41] The Lancet pasó a inspirar a futuras generaciones de artistas, incluido el arquitecto Ian Simpson cuyo rascacielos londinense One Blackfriars se inspiró en su forma. [42]
La línea Finlandia de jarrones de "cristal de corteza" producidos por Iittala entre 1964 y 1970 supuso otra innovación: objetos domésticos producidos en serie, cada uno de los cuales era, en cierto modo, exclusivo. La colección se distinguía por la presencia de un vidrio grueso con una superficie rugosa que recordaba a la nieve y al hielo, sustituyendo de un solo golpe al vidrio de color liso, fino y aerodinámico de los años 50. [43] Sarpaneva recordaba:
Encontré un montón de moldes de madera desechados que se usaban para hacer vidrio pulido y decidí hacer un tipo diferente de vidrio con ellos. Cada pieza era ligeramente diferente en su forma y superficie. [38]
Se vertía o soplaba vidrio en los moldes y se dejaba reposar el tiempo suficiente para que se quemaran, lo que hacía que las superficies se volvieran ásperas. Cada vez que se soplaba en el molde, la textura del grano cambiaba, lo que hacía que cada objeto de la serie Finlandia fuera único a pesar de estar soplado en molde. Los moldes se destruían de forma gradual e intencionada mediante el contacto repetido con vidrio calentado a 500 °C (932 °F). La superficie cambiante daba a cada pieza un efecto de "corteza" aleatorio natural creado por la madera carbonizada, que de otro modo no podría haber sido creado de forma convincente por un artista. [44]
Sarpaneva hizo su escultura de vidrio más grande y la de Finlandia, Ahtojää (" Paquete de hielo ", renombrado de Jäävuori , "Iceberg"), para el pabellón finlandés en la Expo 67 en Montreal en 1967. [10] Luego fue comprado por la ciudad de Tampere y permaneció almacenado hasta 1988, cuando se instaló en el vestíbulo de entrada del centro comercial KoskiKeskus inaugurado en el centro de Tampere en marzo de ese año. El triángulo de 12 m (36 pies) de largo y 6,4 m (21 pies) de ancho está suspendido del techo y lleno de 488 torretas de vidrio facetado y nodulizado de hasta 1 m (3,3 pies) de alto. [45] Sarpaneva amplió su concepto original añadiendo Meren peili ("Espejo del mar") debajo de Ahtojää , paneles de espejo que interpretan la superficie del mar (el mar Báltico está parcialmente cubierto de hielo alrededor de Finlandia en invierno, pero libre de hielo en verano), para rememorar la fluidez y el ciclo de la vida, [46] que también incluía una interpretación finlandesa de las dos manifestaciones denotativas de la multitud de lagos del país : hielo blanco en invierno y un espejo azul en verano. Los especialistas en arte nórdico a menudo comparaban la capacidad de Sarpaneva para capturar la luz junto con sus matices con mirar a través del hielo debajo del mar. [47]
El vidrio también fue el material de sus raras obras que abordaban influencias culturales transatlánticas. La pequeña pieza de vidrio soplado negro Smile con un acabado brillante presenta dos grandes orejas de Disney que se elevan sobre una boca y hacen referencia a Mickey Mouse. Las orejas significan el estado de ser de Mickey, mientras que la escultura transforma a Mickey en un conjunto de relaciones geométricas abstractas. [48]
Las líneas de diseño artísticamente concebidas de Sarpaneva ganaron valor de reventa en la medida en que las falsificaciones se volvieron rentables. [49] La policía finlandesa estimó que el valor total de las falsificaciones de sus diseños y de algunos de sus colegas alcanzó millones de euros y esperaba que creciera. [50] Las críticas ocasionales, en parte irónicas, de algunos de los diseños (que el versátil mango de teca con la tetera de hierro fundido se perdería, [51] que la Suomi blanca mostraba manchas de té a diferencia de las teteras marrones británicas clásicas [52] ) no socavaron su apreciación. Históricamente, los ejecutivos de Christie's comentaron el crecimiento del valor de reventa, especialmente con las creaciones de vidrio de Sarpaneva para la compañía italiana Venini. [53] Los objetos más antiguos de la misma serie serían más valiosos, por ejemplo, un artículo del primer año de la serie Kajakki (Kayak), que duró de 1953 a 1959, podría alcanzar un 50% más que el mismo objeto del último año de producción. [54] Los cazadores de ofertas ocasionalmente informaron de altos rendimientos, incluida la compra de una placa de vidrio Sarpaneva por 25 centavos en una venta de garaje, que resultó tener un valor de reventa de 1.000 dólares estadounidenses. [55]
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