Suzanne Lacy (nacida en 1945) es una artista, educadora, escritora y profesora estadounidense de la Escuela de Arte y Diseño Roski de la USC. Ha trabajado en una variedad de medios, incluyendo instalación , video , performance , arte público , fotografía y libros de arte , en los que se centra en "temas sociales y cuestiones urbanas". [1] Trabajó en el gabinete de educación de Jerry Brown , entonces alcalde de Oakland, California , y como comisionada de artes de la ciudad. [1] [2] Diseñó múltiples programas educativos comenzando con su papel como profesora de performance en el Feminist Studio Workshop en el Woman's Building en Los Ángeles.
Lacy, que había estado involucrada con el feminismo desde finales de los años 60, asistió a la Universidad Estatal de California en Fresno en 1969, donde realizó estudios de posgrado en psicología . Allí, Lacy y su compañera de posgrado Faith Wilding establecieron el primer grupo de concientización feminista en el campus. Esto la llevó a asistir al Programa de Arte Feminista de Judy Chicago durante el otoño de 1970. La década de 1970 se convirtió en un período en el que Lacy continuó explorando las identidades, los cuerpos de las mujeres y las condiciones sociales.
Abluciones
En 1972, Lacy colaboró con tres mujeres: Judy Chicago , Sandra Orgel y Aviva Rahmani, creando una pieza de performance llamada Ablutions . Esta performance se inspiró en la exploración previa de las mujeres sobre la violación dentro de sus diferentes prácticas. La performance en sí incluía experiencias explícitas grabadas en audio de mujeres víctimas de violación, que se reproducían continuamente en bucle. Además de esto, también había aspectos visuales de la performance, que incluían mujeres bañándose en tinas de metal del tamaño de su cuerpo con huevos, sangre y arcilla. Además, cáscaras de huevo, cuerdas, cadenas y riñones de animales estaban esparcidos por el suelo. Esta performance fue autoproducida en un estudio en California y ha sido categorizada como una performance artística revolucionaria en lo que respecta al feminismo. [3]
Asociaciones inevitables
La renovación del Hotel Biltmore de Los Ángeles en 1976 dio origen a la obra de arte de performance de Lacy, Inevitable Associations (Asociaciones inevitables) . El marketing que rodeó las renovaciones del antiguo hotel comparó al hotel con una anciana. Las fotografías que mostraban la estructura original del hotel con la leyenda "Puede que todavía haya vida en la anciana" obligaron a la artista a cuestionar las formas en que nuestra sociedad ve a las mujeres mayores. A lo largo de su carrera, se puede ver la conciencia y el deseo de Lacy de refutar la invisibilidad de las mujeres mayores en performances como Whisper, the Waves, the Wind (1984) y Crystal Quilt (1987).
La representación de Inevitable Associations se desarrolló durante dos días en el vestíbulo del Hotel Biltmore. El primer día de la representación se realizó un cambio de imagen público de Lacy. Un maquillador tardó casi tres horas en convertir públicamente a Lacy en una anciana. Mientras se realizaba el cambio de imagen, los colaboradores repartieron folletos y literatura sobre la renovación del hotel, así como información sobre cirugía estética. A lo largo de la representación, mujeres mayores vestidas de negro comenzaron a entrar lentamente en el vestíbulo y a sentarse en el lado opuesto de Lacy. Esto pasó casi desapercibido hasta que el número de mujeres mayores había crecido tanto que su presencia se volvió innegable para todos los que estaban en el vestíbulo. Una vez que el cambio de imagen de Lacy estuvo completo, la masa de mujeres mayores vistió silenciosamente a Lacy con ropa negra. El segundo día de la representación contó con la participación de tres mujeres mayores que se sentaron en sillas rojas en el vestíbulo y contaron historias sobre sus vidas después de los 60 años y los efectos del envejecimiento a los transeúntes y a cualquier audiencia que se formara. El objetivo de Lacy durante toda la actuación fue concienciar sobre la invisibilidad con la que deben luchar las mujeres a medida que envejecen y ya no encajan en los estándares de belleza de la sociedad. Inevitable Associations fue un punto crucial en la carrera de Lacy, ya que fue la primera vez que Lacy llevó su actuación a la calle. [4] [5]
Tres semanas de mayo
En 1977, Lacy y su colaboradora Leslie Labowitz combinaron el arte de performance con el activismo en Three Weeks in May . [6] El evento incluyó una pieza de performance en las escaleras del Ayuntamiento de Los Ángeles y clases de defensa personal para mujeres en un intento de destacar y frenar la violencia sexual contra las mujeres. [6] Las artistas actualizaron un mapa con informes del Departamento de Policía de Los Ángeles , imprimiendo la palabra "violación" en puntos de un mapa del área metropolitana de Los Ángeles . [7] El objetivo, explicó Lacy, "no era solo crear conciencia pública, sino empoderar a las mujeres para que se defiendan y trasciendan la sensación de secreto y vergüenza asociada con la violación". [8]
De luto y de rabia
Lacy y Labowitz se unieron a Bia Lowe y otros artistas en 1977 para crear In Mourning and In Rage , una performance de protesta pública a gran escala. Había sido diseñada para desafiar la cobertura mediática que sensacionalizaba una serie de asesinatos de mujeres por parte del llamado estrangulador de Hillside ; el tono de la cobertura de la prensa parecía orientado a intensificar el clima de miedo que reforzaba la imagen de las mujeres como víctimas . La performance comenzó cuando un grupo de mujeres excepcionalmente altas, que se hicieron más altas por imponentes tocados negros, llegó al Ayuntamiento en un coche fúnebre, seguidas por una caravana de automóviles llenos de mujeres vestidas de negro. Las intérpretes desembarcaron y formaron un círculo frente a las escaleras del Ayuntamiento, debajo de una pancarta que decía: " En memoria de nuestras hermanas, las mujeres luchan ". Los artistas diseñaron la performance, la acción y las imágenes, específicamente para cautivar el interés de las noticias de televisión; y, al lograr con éxito esta cobertura en red, utilizó los medios para autocriticarse, lo que extendió el impacto de la representación artística mucho más allá de la audiencia feminista y/o artística habitual. [9]
Participantes del Woman's Building, la Rape Hotline Alliance y el Ayuntamiento se unieron a la comunidad feminista y a las familias de las víctimas para crear un ritual público de rabia y dolor. [1] Lacy y Labowitz fundaron ARIADNE: A Social Art Network, un grupo colaborativo para crear obras de arte comunitarias y oportunidades educativas. [10] A mediados de los años setenta, Lacy comisarió la primera exposición de arte escénico femenino en la galería Womanspace en The Woman's Building. En 1981, colaboró con Susan Hiller para comisar la exposición We'll Think of a Title When We Meet: Women Performance Artists from London and Los Angeles en Franklin Furnace , un conocido lugar de arte alternativo fundado en 1976 por Martha Wilson . [11]
Actuaciones reelaboradas
Lacy produjo muchas performances en varios lugares alrededor del mundo, principalmente centrándose en la equidad de raza, clase y género. Durante las primeras dos décadas de la década de 2000, reelaboró performances anteriores, incluyendo WACK! Art and the Feminist Revolution , basándose en los lugares y objetivos. En 2012, recreó la performance de 1977 para el Getty Pacific Standard Time Performance Festival. Three Weeks in January fue una performance contra la violación basada en su proyecto emblemático de 1977; esta vez el mapa se instaló de manera prominente en el campus principal del Departamento de Policía de Los Ángeles. [12]
Susurro, las olas, el viento
Whisper, the Waves, the Wind , creada con Sharon Allen en 1984, fue la culminación del Proyecto Susurro , una serie de eventos de un año de duración que resaltaban las necesidades especiales de las mujeres mayores. "Me interesa la mitología que rodea a las mujeres mayores", respondió Lacy cuando la entrevistaron sobre su trabajo, "en cómo se las despoja de su poder en nuestra cultura. Quiero ayudarlas a superar las barreras establecidas por los prejuicios, por la acumulación de riqueza y poder. Quiero reinfundirles su poder y darme cuenta de lo adecuado y evocador que era el mar como escenario. Con todos sus ciclos, creo que la gente tendrá la sensación, ya sea que la entiendan o no, esa sensación de continuidad en la conciencia matriarcal ". [13] En la mañana de la actuación, una procesión de 154 mujeres mayores de diversas etnias (entre 65 y 99 años), todas vestidas de blanco, bajaron lentamente por una escalera hacia la vasta playa de abajo. Se sentaron en grupos de cuatro, en mesas cubiertas con manteles blancos en dos playas adyacentes en Children's Pool en La Jolla . Sus animadas conversaciones se centraron en temas preseleccionados: sus pensamientos sobre el proceso físico del envejecimiento; la preparación para la muerte; la pérdida; el movimiento de mujeres; qué consejo le darían a las mujeres más jóvenes". El público observó y escuchó desde los acantilados sobre la playa, donde podían escuchar un collage de las voces de las mujeres transmitidas a través de altavoces, controlados por la compositora de sonido Susan Stone. [14] "Desde el susurro de las voces de las mujeres en una playa hasta un grito de rabia en las escaleras del Ayuntamiento, el arte de Suzanne Lacy es uno de alquimia y exorcismo, celebración y condena", escribió Margot Mifflin en su entrevista con Lacy sobre la actuación. [15]
Edredón de cristal
El 10 de mayo de 1987, Día de la Madre , Lacy dirigió la obra de una hora Crystal Quilt , una secuela de Whisper, the Waves, the Wind . Esta vez, sin embargo, la actuación se realizó en el interior, en lo que se conoce como "Crystal Court" (un espacio normalmente ocupado por quioscos y una cafetería) en el IDS Center , un rascacielos del centro de Minneapolis diseñado por Philip Johnson y John Burgee. The Crystal Quilt fue la más ambiciosa y compleja de todas las producciones vivant de Lacy de los años 80, como suele describir estas grandes producciones a gran escala. [16] The Crystal Quilt , que contó con 430 mujeres mayores. [17] Filmada y transmitida en vivo por PBS , la actuación involucró a "mujeres hablando sobre sus vidas mientras su reunión creaba un cuadro de ochenta y dos pies cuadrados en forma de edredón". [18] A la actuación asistieron más de 3000 personas. [19]
Lacy cree que su obra no puede ser recreada literalmente en función de su respuesta inmediata a tiempos y lugares específicos. Sin embargo, como muchos temas siguen vigentes, es posible "repensar" las obras en nuevos contextos. [20] En una entrevista para el SFMOMA, por ejemplo, Lacy señaló: "Cuando considero volver a representar una obra, pienso en si el tema todavía tiene significado y en las nuevas perspectivas que informan este lugar y este tiempo. ¿Vale la pena volver a hacer esta obra y cómo la cambiaría?" [20]
Acción de plata
Al igual que Crystal Quilt, Silver Action se centra en las mujeres mayores, una recreación producida para la inauguración del espacio de performance The Tanks en la Tate Modern . Silver Action tuvo lugar en febrero de 2013 en la Tate Modern Gallery de Londres y contó con la participación de 400 mujeres mayores de 60 años que debatieron sobre el activismo en relación con los derechos de las mujeres: su participación pasada, el futuro y cómo sus puntos de vista han cambiado a medida que maduran. [21]
Los proyectos de Oakland
Entre 1991 y 2001, Lacy organizó The Oakland Projects , un proyecto de arte escénico comunitario, con miembros de TEAM (Teens, Educators, Artists, Media Makers). The Oakland Projects tenía como objetivo involucrar a los jóvenes locales de California en debates de concientización sobre la brutalidad policial, la injusticia social, la educación y otros problemas sociales. Los participantes no "actuaron" en el sentido tradicional, sino que reflejaron los estereotipos sociales que ven en su comunidad. [22] The Roof is On Fire (1993-1994) fue un proyecto de dos años en el que Lacy y sus colaboradores desarrollaron clases de alfabetización mediática para jóvenes de Oakland y realizaron una pieza de performance de una noche. Más de 200 jóvenes conversaron en automóviles sobre raza, clase, género, desigualdad y otros temas. Se pidió a los observadores que escucharan las conversaciones. Los estudiantes capacitados en medios independientes crearon un documental de la actuación, que fue cubierto por las principales estaciones de noticias. [23]
Tres semanas de enero
En 2012, Lacy modificó su obra anterior Three Weeks in May (1977) para un nuevo proyecto llamado Three Weeks in January , que continuó el diálogo sobre la violación en Los Ángeles. Incluyó presentaciones, conversaciones y una performance llamada Storying Rape . Storying Rape: Shame Ends Here se convirtió en otro proyecto artístico producido para la Bienal de Liverpool en 2012, que promovió una conversación pública en la ciudad inglesa sobre la violencia, la educación y la prevención de la violación. [24]
Al igual que Three Weeks In May , Three Weeks In January también aborda las violaciones en Los Ángeles . El proyecto fue una plataforma para más de 40 eventos que reunieron a todo tipo de personas de diferentes campos, como políticos, artistas y educadores, para abordar los casos de violación que ocurren en cualquier lugar de Los Ángeles. Después de varias décadas de movimientos contra la violación , las estrategias de organización se desarrollan mejor ahora a través de la divulgación, como las redes sociales. Se colocó un enorme mapa de Los Ángeles a la entrada de un departamento de policía para marcar diariamente los informes de violación. Bruno Louchouarn creó un banco cercano que fue la fuente de una banda sonora de sobrevivientes. I Know Someone, Do You fue el tema de la campaña en las redes sociales.
Entre la puerta y la calle
En octubre de 2013, Lacy organizó conversaciones entre mujeres en las entradas de las casas de Park Place en Brooklyn, Nueva York, para su proyecto Between the Door and the Street . Patrocinado por el Centro de Arte Feminista Elizabeth A. Sackler del Museo de Brooklyn , 360 participantes discutieron cuestiones de género mientras los transeúntes escuchaban. [25]
Notas sobre la prostitución
Prostitution Notes fue una pieza de investigación creada por Suzanne Lacy en 1974 que se hizo para explorar las vidas de las trabajadoras sexuales y relacionar esas experiencias con su propia vida, "buscando ecos de sus vidas en la mía". [26] Lacy pasó cuatro meses en Los Ángeles entrevistando y hablando con una amplia variedad de personas que iban desde trabajadores sexuales masculinos y femeninos (uno incluso incluía a un estudiante de posgrado en sociología), proxenetas y defensores de las trabajadoras sexuales. [27] Durante las entrevistas de Lacy, ella registraba cada aspecto del encuentro. Esto incluía lo que comía, lo que comían sus sujetos, lo que le decían, las emociones que sentía y cómo conectaba su vida con la de ellos. [28] Al final de su investigación, Lacy se quedó con diez grandes diagramas, que mostraban la experiencia y el proceso de pensamiento de Lacy a lo largo de sus cuatro meses.
Cuando se le preguntó sobre su trabajo, Lacy afirmó que “la mayor parte de lo que sabíamos en ese momento provenía de la literatura y las películas que glorificaban enormemente la vida. No quería coquetear con su realidad como una actuación, ni relatar sus historias como lo haría un antropólogo. Más bien, ubicaría el trabajo dentro de mis propias experiencias y registraría el proceso de mi investigación. 'La vida', como se la llamaba, no estaba lejos de la mía". [26] Este tipo de trabajo le permitió a Lacy capturar una realidad más cruda que rodea a la prostitución, dando así voz a muchas trabajadoras sexuales y permitiendo que se escucharan sus experiencias. Debido a que Lacy se alejó intencionalmente de una pieza de estilo documental, pudo comprender mejor "sus propios sesgos políticos y sociales hacia la prostitución". [29] En 2010, Lacy volvió a presentar Prostitution Notes en la Stephanie Gallery de Londres. [26] Colaboró con Peter Kirby para realizar una lectura de sus diagramas junto con un vídeo en el que Kirby trabajó, que mostraba fotos de las calles de Los Ángeles de los años 70, imágenes de sus diagramas originales y un vídeo de una mujer trazando las líneas de sus diagramas. [29] La presentación tenía como objetivo rendir homenaje a la ética que constantemente sirve de base para el trabajo de Lacy. En 2019, explicó: "No me importa tanto el arte como la trata de personas", resumiendo sus creencias y su postura sobre el trato a las trabajadoras sexuales en Estados Unidos. [26]
En 1977, Lacy se convirtió en asociada del Instituto de Mujeres para la Libertad de Prensa (WIFP). [30] Es una organización editorial estadounidense sin fines de lucro que trabaja para aumentar la comunicación entre mujeres y conectar al público con formas de medios de comunicación basados en mujeres.
Es editora de Mapping the Terrain: New Genre Public Art , una antología de ensayos sobre el impacto del arte de performance en los espacios públicos. [31] [32] También ha escrito artículos sobre arte de performance. [33]
Lacy ha escrito constantemente sobre su trabajo: planificándolo, describiéndolo y analizándolo; defendiendo prácticas artísticas socialmente comprometidas; teorizando la relación entre el arte y la intervención social; y cuestionando los límites que separan el arte culto de la participación popular. Al reunir treinta textos que Lacy ha escrito desde 1974, Lacy's Book [34] ofrece una mirada íntima al desarrollo del arte feminista, conceptual y de performance desde los años formativos de esos movimientos. En la introducción, la historiadora del arte Moira Roth ofrece una útil visión general del arte y los escritos de Lacy, que en el epílogo la teórica cultural Kerstin Mey sitúa en relación con las prácticas de arte público contemporáneo. [34]
Lacy ha ocupado varios puestos en instituciones académicas centradas en las artes. Fue decana de Bellas Artes en el California College of the Arts (CCA) de 1987 a 1997. [1] [35] Lacy fue miembro fundador de la facultad de la California State University, Monterey Bay [35] y directora fundadora del Center for Fine Art and Public Life. [35] Se desempeñó como presidenta de Bellas Artes en el Otis College of Art and Design de 2002 a 2006, antes de diseñar y lanzar un programa de Maestría en Bellas Artes en Práctica Pública para la universidad en 2007. [36] A partir de 2018, es profesora de arte en la USC Roski School of Art and Design de la Universidad del Sur de California. [37]
Lacy ha ganado numerosas becas, incluidas varias del National Endowment for the Arts , una beca Guggenheim , un premio Creative Capital Emerging Fields Award [38] y la beca Lila Wallace Arts International. [39] Fue la primera receptora del premio Public Art Dialogue Annual Award en 2009. [40] Recibió el premio Distinguished Artist Award for Lifetime Achievement de la College Art Association en 2010 y el premio Lifetime Achievement Award del Women's Caucus for Art en 2012. [41] [42] Recibió la beca A Blade of Grass en 2015. [43]
Su obra es propiedad del Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles ( Prostitution Notes ) y de la Tate Modern ( The Crystal Quilt ). En 2012, el Museo Hammer adquirió Three Weeks in May (1977). [7]
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