Sérgio de Camargo (8 de abril de 1930 - 1990) fue un escultor y relievista nacido en Río de Janeiro , Brasil . Sergio De Camargo estudió en la Academia Altamira de Buenos Aires con Emilio Pettoruti y Lucio Fontana . Camargo también estudió filosofía en la Sorbona de París . En un prolongado viaje por Europa en 1948, Camargo conoció a Brâncuși , Arp , Henri Laurens y Georges Vantongerloo . [1] Sérgio de Camargo mostró su trabajo en numerosas exposiciones internacionales, incluida la Bienal de São Paulo de 1965 (donde ganó una medalla de oro), la Bienal de Venecia de 1966 y la Documenta de 1968 en Kassel. Sérgio de Camargo murió en Río de Janeiro en 1990. La Tate Gallery de Londres tiene una de las obras de De Camargo en su colección permanente. [2]
Sergio Camargo nació en Río de Janeiro en 1930. Camargo comenzó su educación artística en la Academia Altamira en Buenos Aires con Lucio Fontana y Emilio Pettoruti . [3] Más tarde se mudaría a París en 1948, donde se inscribió en la Académie de la Grand Chaumière . [3] También estudió en la Sorbona , donde conoció al filósofo Gaston Bachelard . [3] Sin embargo, Camargo estuvo más influenciado por el estudio del mundo natural de Constantin Brancusi a través de la lente de las formas volumétricas, lo que inspiró su interés en el lenguaje de los materiales. [4]
Cuando Camargo regresó a su casa en Brasil en la década de 1950, se topó con los movimientos neoconcretistas constructivistas y cinéticos del arte óptico . [3] Camargo descubrió que las formas volumétricas capturaban las cualidades inmateriales del ser, jugando con la luz y la forma para expresar sentimientos de existencia. [5] [6]
En 1952-53 volvió de nuevo a Europa y en 1954 viajó a China. Entre 1961 y 1974, Sérgio de Camargo permaneció en París , donde en 1963 se convirtió en miembro del Groupe de Recherche d'Art Visuel (GRAV). [3] Durante ese período se concentró en la estructuración de superficies blancas monocromas, algunas en "Volúmenes poliédricos de lecturas mutables" utilizando formas paralelepípedas y otras con relieves cilíndricos de madera, en ambos casos proponiendo el juego de luces y sombras alternando entre el orden y el caos, la plenitud y el vacío. Como lo relata Guy Brett , curador y amigo:
“Al cortar una manzana para comerla, cortó casi la mitad y luego hizo otro corte en un ángulo diferente para sacar un trozo. Los dos planos creaban una relación simple entre luz y sombra. Camargo lo captó; inconscientemente, había hecho el primer elemento cilíndrico. En la manzana estaba la síntesis por la que había estado trabajando… la combinación de un solo elemento de sustancia (el cuerpo redondeado de la manzana) y dirección (el plano que acababa de exponer). Es una síntesis de su pensamiento y experiencia en un solo signo escultórico” [3]
Fue al cortar esta manzana que Camargo pudo ver cómo las refracciones de la luz actuaban de manera diferente según las circunstancias. [3] Este simple acto se convertiría en el catalizador de sus primeros relieves de madera pintados. [7] Los relieves de madera, de naturaleza monocromática, permitían una lógica simple y repetitiva con solo alteraciones sutiles. Con variaciones tan leves dispuestas a lo largo de un plano que de otro modo sería plano, surgieron miles de posibilidades compositivas. Estos relieves de madera comunicaban un mensaje específico de la luz y su entorno. Gaston Bachelard lo enmarcaría, la luz y la sombra "habitan" la obra de tal manera que puede "trascender el espacio geométrico". [3]
Camargo recibió el Premio Internacional de Escultura en la Bienal de París en 1963. Camargo tuvo un éxito continuo en Europa en 1964. Sus relieves de madera le valieron su primera exposición individual, en la galería Signals de Londres . La galería pasó a albergar a algunos de los pares de Camargo, como Lygia Clark , Mira Schendel y Hélio Oiticica . [7] Estos artistas y exposiciones arrojaron luz en general sobre el creciente mundo del arte contemporáneo brasileño . [8]
En 1965, también encontró éxito en América del Sur En 1965, Camargo continuaría su éxito y reconocimiento con su primera exposición individual en un museo en el Museu de Arte Modern do Rio de Janeiro . [3] Además, fue nombrado mejor escultor nacional en la Bienal de São Paulo. [3] Su empleo de nuevos materiales se atribuye en gran medida a este éxito. Con acceso al mármol de Carrara , Camargo comenzó a crear obras de una escala mucho mayor. [3] Finalmente, Camargo pudo explorar completamente sus ideas en un contexto completamente tridimensional. Con esta exploración de tamaño y material, Camargo también decidió expandir su biblioteca de formas geométricas a elementos más prismáticos que perforarían, proyectarían y retrocederían. Sus ejemplos más fuertes se pueden ver en sus encargos para el Centre Hospitalier Universitaire de Bordeaux-Pellegrin y el Palacio Itamaraty, Brasilia . [9] También en 1965, comenzó a realizar piezas escultóricas para el edificio del Ministerio de Relaciones Exteriores de Oscar Niemeyer en Brasilia . Finalmente, en 1967, contribuyó con un elemento monumental al lugar: un muro de 25 metros de estructura rítmica. [10]
A finales de la década de 1960, Sérgio de Camargo mostró su trabajo en numerosas exposiciones internacionales, incluida la Bienal de São Paulo de 1965 , la Bienal de Venecia de 1966 y la Documenta de Kassel de 1968. [11]
Camargo decidió que era hora de dejar Europa y posteriormente regresó a Brasil en 1973. Mientras Camargo había estado fuera, Brasil había estado en una época de prosperidad con el aumento de la exportación de depósitos de petróleo recién descubiertos. [12] El regreso de Camargo a Brasil traería una nueva fase dentro de su práctica. [13] Son las obras posteriores de Camargo las que parecen estar definidas por un regreso a formas y experimentos anteriores. En 1977 ganó el premio de escultura otorgado por la Asociación de Críticos de Arte de São Paulo . En la década de 1980, sus obras regresaron en gran medida a las formas cilíndricas originales , así como a la reducción de escala. [3] Quizás lo más significativo fue que hubo menos conflicto entre forma y volumen. Durante este tiempo, Camargo también comenzó a trabajar con otro material nuevo, el mármol negro belga. [3] El interés del artista en este material surgió de su capacidad inherente para absorber la luz. Esta faceta del mármol le permitió a Camargo usar el reflejo de la misma manera en que alguna vez empleó la sombra. [3] En la década de 1980, Camargo realizó exposiciones individuales en los museos de arte moderno de Río y São Paulo , y participó en la Bienal de Venecia de 1982 .
Una de las principales influencias para Camargo fue el movimiento artístico constructivista que era muy popular en Brasil durante su tiempo. El arte constructivista fue estimulado en gran medida por el auge económico de la posguerra y el auge de las tendencias modernistas en la arquitectura. [14] [15] Durante la evolución del movimiento artístico constructivista, Sergio de Camargo y sus pares se inspiraron en dos eventos específicos, el establecimiento de la Bienal en 1951 y la inauguración de Brasilia en 1960. [16] Las obras de arte creadas durante este período varían ampliamente en sus diferentes enfoques de las reglas del arte constructivista. Las contribuciones de estos artistas iniciaron un período altamente original en la historia del modernismo. Cuando se trata de todo el arte brasileño, hay pocos artistas independientes como Camargo que simplificaron un lenguaje visual ya complejo a través de sus "enfoques altamente iconoclastas". El constructivismo brasileño se basa en la necesidad de tener comunión y comunicación universales. [16] Artísticamente, Camargo ha sido a menudo vinculado a los movimientos artísticos del constructivismo neoconcreto o del cinético del arte óptico . A menudo se le compara con sus colegas brasileños, como Lygia Clark , Mira Schendel y Hélio Oiticica . [7] Sin embargo, Camargo nunca estuvo claramente alineado con ningún movimiento. [7] Si bien el trabajo de Camargo fue claramente parte del movimiento constructivista, adaptó las reglas para comunicar sus pensamientos con mayor precisión. El trabajo de Camargo ha sido vinculado debido a su clara dependencia de la simplicidad, los sistemas y la uniformidad a través de elementos volumétricos y el color. El crítico Ronaldo Brito se refiere al trabajo de Camargo como "la locura del orden". [13] Camargo confronta la percepción humana de un paradigma e intenta romper la comprensión de las leyes del objeto. Camargo no interroga este tema en un ámbito conceptual sino a través de los efectos siempre cambiantes de la luz visual. [13] Es debido a su estilo único que Camargo se distingue de sus pares contemporáneos. [17]
La obra de Camargo está representada en las colecciones de la Albright-Knox Art Gallery , Buffalo, NY ; el Birmingham Museum of Art , AL ; el Centre national des arts plastiques, París ; el Dallas Museum of Art ; el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC ; el Kunstmuseum, Berna, Suiza ; [3] el Los Angeles County Museum of Art ; el Museum of Fine Arts, Houston ; el Museum of Modern Art, Nueva York ; [3] y la Tate Modern, Londres . [3] En 2000, el Paço Imperial, Río de Janeiro , abrió un espacio de exposición permanente para el artista, que incluye una réplica de su estudio de arte en Jacarepaguá, Brasil. [18] La obra de Camargo ha sido objeto de importantes retrospectivas en el Museu de Arte Moderna, Río de Janeiro , en 1993; el Stedelijk Museum, Schiedam , en 1994; y el Instituto de Arte Contemporânea, São Paulo, en 2010, que viajó al Museu Oscar Niemeyer, Curitiba, Brasil , en 2012. [3] [19] [20]
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