El Retablo de San Zeno es un retablo políptico del pintor renacentista italiano Andrea Mantegna creado alrededor de 1456-1459. [1] Permanece in situ en la Basílica de San Zeno , la iglesia principal de la ciudad de Verona , en el norte de Italia . [2] [3] El estilo de Mantegna mezcla temas clásicos grecorromanos junto con temas cristianos en este retablo. [4] El panel central, junto con las tres pinturas que componen la predela , fueron tomados en 1797 por los franceses. [3] [5] Si bien los franceses devolvieron la escena principal y central a Verona en 1815, las tres pinturas de la predela que se encuentran hoy en Verona son copias, ya que las originales permanecen en Francia en el Louvre ( Crucifixión ) y en el Museo de los Beaux-Arts en Tours ( Resurrección y Agonía en el Huerto ). [6] Las pinturas están realizadas con témpera sobre tabla; [5] [6] [7] no petróleo como se identifica erróneamente en una fuente. [3]
El Retablo de San Zenón fue encargado entre 1456 y 1459 por Gregorio Correr, un noble veneciano, erudito humanista y administrador y abad de la Iglesia de San Zenón . [7] El retablo de San Zenón fue encargado y realizado para representar un reino celestial. [5] [7] Esto tenía como objetivo que los espectadores aspiraran a una posición en la "corte del cielo" en comunión con las figuras religiosas retratadas en el retablo. [1] [3] [5] Además, se cree que San Zenón, el santo patrón de Verona , introdujo el cristianismo en Verona, por lo que este retablo lleva su nombre. [3] Después de su trabajo en el Retablo de San Zeno, Mantegna finalmente llegó a Mantua en el año 1460 para servir como artista de la corte de la Casa de Gonzaga , la principal familia principesca de la ciudad. [5] En realidad, Mantegna había sido contratado por Ludovico III Gonzaga, marqués de Mantua , tres años antes, en 1457, pero los desacuerdos sobre el salario y el estatus de Mantegna retrasaron su llegada y fue durante este período de aplazamiento que trabajó en el Retablo de San Zeno. . [5] [7]
El Retablo de San Zeno a menudo se considera una interpretación pictórica de los relieves en bronce esculpidos por el artista Donatello (conocidos como el Retablo del Santo ) realizados para el altar mayor dedicado a Sant'Antonio (c. 1446-1453) en la Basílica de San Antonio de Padua . [6] [5] [7] Aunque a veces se describe como "perdida", esta obra de Donatello sobrevive, pero fue restaurada incorrectamente en el siglo XIX, perdiendo así parte del diseño inicial del artista y los estudiosos han argumentado que la obra de Mategna puede ser mejor. ilustrar lo que Donatello pretendía originalmente. [6]
Mantegna incorporó colores notablemente brillantes y ricos de rojos, azules, amarillos y verdes, lo que probablemente fue una reacción a críticos anteriores que habían comentado negativamente sobre los colores opacos en los famosos frescos pintados entre 1454 y 1457 (destruidos en 1944) en la Capilla Ovetari . [7] A pesar de ver a otros artistas cambiar sus esquemas de color, se apegó a sus propias ideas y técnicas, lo que diferenciaba a Mantegna de otros artistas del Renacimiento. [8] Los estudiosos Steven Zucker y Beth Harris señalan que el "pasado" antiguo y clásico está pintado principalmente en tonos grises, pintado al estilo de la grisalla (una excepción son las coloridas guirnaldas de frutas atadas con cintas rojas), mientras que los elementos cristianos, que se muestran en el "presente", se denotan por el uso de colores brillantes y saturados. [3]
El retablo consta de un marco, una pintura central separada en tres cuerpos principales, y en la parte inferior una predela con tres pinturas que representan escenas bíblicas. [7]
La sección central de la pintura muestra a la Virgen y el Niño sentados en un trono de mármol, rodeados por ocho santos. [6] Estos ocho santos están colocados en los paneles laterales que flanquean las figuras centrales de la Virgen y el niño; esto se hizo según las preferencias del patrón: a la izquierda está San Pedro (con un manto amarillo sosteniendo un juego de llaves); San Pablo (con un manto de color violeta claro); San Juan Evangelista (con un manto verde que se muestra mirando un libro que sostiene); y San Zenón (mostrado como obispo y llevando mitra ); a la derecha, San Benito (con manto azul oscuro y sosteniendo un libro); San Lorenzo (vistiendo una dalmática verde oscuro ); San Gregorio (mostrado como obispo con mitra, manto rojo, guantes blancos, sosteniendo un libro y un báculo); y San Juan Bautista (vestido de rojo, leyendo un libro y mostrado en contrapposto ). [3] Los sujetos se muestran reunidos en un templo clásico, adornado con temas paganos y mitológicos. [5] Esta pintura ilustra una sacra conversazione (conversación sagrada), también traducida como "Santa Comunidad". [1] Este tema se originó en una pintura italiana del Trecento y se refiere a una asamblea de santos de diferentes períodos de la historia, mientras rodeaban a la Virgen y al niño. [1]
La representación que hace Mantegna de las figuras, específicamente la de San Juan Bautista, ilustra su uso del contrapposto , como se ve en la figura de San Juan Bautista, resaltando así la armonía de la iconografía clásica y cristiana . [3] Toda la composición, que recuerda una logia al aire libre , está llena de detalles que remiten a la antigüedad clásica: las columnas corintias talladas encajadas en el marco dorado (ver más abajo: marco) ayudan a crear la alusión a un templo pagano clásico con un primer plano. decorado con clásicas guirnaldas de follaje y frutas atadas con cintas rojas. [6] [5] En el fondo del templo hay un friso decorativo continuo que incluye divertidos amorcillos que sostienen una cornucopia rebosante de frutas. [3] [5] Encima de este friso hay un motivo clásico de huevos y dardos que sirve como borde. En las pilastras cuadradas que rodean la logia se encuentran tondi (rondas circulares) que ilustran escenas mitológicas. [6] [5] Asimismo, el trono de mármol tallado recuerda a un antiguo sarcófago romano . [6] Alrededor de la Virgen y el Niño entronizados hay un grupo de ángeles "donatelescos" (al estilo de Donatello) que tocan instrumentos musicales, específicamente el laúd , o cantan cancioneros que sostienen. [6] [7]
En la parte inferior del retablo se exhiben tres pinturas en la predela del retablo. Estas pinturas retratan escenas bíblicas ocurridas en Jerusalén , como la Crucifixión de Jesús y la Agonía en el Huerto . [5] [6] Si bien el retablo permanece in situ , las tres pinturas de la predela fueron robadas por Napoleón y no han sido devueltas; los que se ven hoy en el retablo son todas copias, mientras que los originales permanecen en dos museos franceses diferentes. [6] La imagen de la Crucifixión se encuentra en el Museo del Louvre de París, mientras que las escenas de la Resurrección y la Agonía en el Huerto se encuentran en Tours en el Museo de Bellas Artes . [4] A pesar de ser componentes más pequeños de este retablo, estas pinturas muestran la atención de Mantegna al detalle y la precisión como artista en su búsqueda por representar una representación histórica y memorable de la Pasión de Cristo en el arte italiano. [6] [7]
El marco está tallado en madera dorada. Cuatro columnas corintias sirven como columnas adosadas que dividen las tres escenas del panel central, así como las tres escenas de la predela. [6] El marco ha sido descrito como un pórtico o fachada a la escena central pintada real, que se desarrolla en un templo pagano (ver arriba: paneles centrales y laterales). [6] [7] El marco tiene un frontón redondeado y un entablamento que recuerda los elementos arquitectónicos de un templo griego antiguo . [6] A pesar de la separación de las escenas, la pintura detrás de estas columnas corintias talladas es continua. [3] De hecho, si se mira de cerca, las verdaderas columnas corintias talladas del marco están colocadas directamente frente a las pilastras cuadradas pintadas que tienen el orden jónico de los capiteles de las columnas ; esta superposición combina la talla del marco con el ilusionismo pintado del templo pagano de la escena central. [3] [6] Estilísticamente, el uso que hace Mantegna de una narrativa continua que se desarrolla detrás de las columnas talladas y las pilastras cuadradas pintadas crea un plano pictórico unificado. [3] Este enfoque era marcadamente diferente al enfoque popular durante el Trecento , que demarcaba escenas individuales mediante estos divisores arquitectónicos y, por lo tanto, no había una narrativa continua a través del espacio pictórico. [3] Un ejemplo de esta narrativa discontinua con el uso de columnas doradas que dividen espacialmente las escenas se puede encontrar en el Políptico Badia de Giotto , de alrededor de 1300. [3]
Si bien el marco es original, se ha perdido la decoración que originalmente adornaba el centro del frontón. [6]
Sobre la Virgen y entre las guirnaldas adornadas cuelga una lámpara de aceite encendida con una llama, coronada por un gran huevo de avestruz, que simboliza el nacimiento de la Virgen . [6] Los huevos de avestruz normalmente se colgaban sobre altares dedicados a la Virgen María y se pueden encontrar en pinturas posteriores del Renacimiento italiano, incluida la Madonna Brera de Pierro della Francesca (1472) y el Retablo de San Zaccaria de Giovanni Bellini (1505). [6] Debajo de la lámpara de aceite hay un hilo de rosarios rojos. [6]
Mantegna utilizó escritura pseudoárabe para representar la santidad de los santos pintados en el retablo. [9] La escritura pseudoárabe es un tipo de escritura que no tiene ningún significado lingüístico o real, sino que es una especie de escritura inspirada en el alfabeto árabe. [9] Este guión se puede ver en las prendas y los halos que rodean a la Virgen y el Niño, que funcionan para enfatizar aún más su grandeza y santidad. [9] La incorporación de la escritura pseudoárabe en estas áreas específicas es una idea tomada de los textiles bordados islámicos, conocidos como tiraz . [9] Además, la representación ilusionista de una alfombra oriental en esta pintura renacentista, que se encuentra cubierta al pie del trono en el que se sienta la Virgen, funciona como una cubierta costosa y honorífica, pero también permitió a Mantegna mostrar su habilidad. una pintura, un objeto tan finamente elaborado que se produjo únicamente en tierras islámicas. [9] Además, la alfombra oriental demarcaba espacialmente el espacio de la Virgen como santo y sagrado. [9] Un ejemplo similar del Renacimiento italiano se puede encontrar en San Antonino dando limosna de Lorenzzo Lotto (terminado en 1542), que muestra dos alfombras orientales (conocidas como Alfombra Lotto ). [9]
Otra técnica que Mantegna empleó en el Retablo de San Zeno fue la perspectiva de puntos lineales para realzar la imagen continua detrás de los pilares y hacer que la imagen parezca más realista al mundo exterior. [3] El ilusionismo de la imagen se logró aún más a través de las cuatro columnas reales de madera tallada del marco, que están ubicadas en el espacio del espectador, unificadas con las guirnaldas pintadas que se encuentran en el primer plano inmediato del espacio pictórico. [1] [3] Además, el uso de la perspectiva por parte de Mantegna permite que los santos y varios de los elementos arquitectónicos y decoraciones retrocedan en el espacio, fomentando la ilusión de profundidad. [1] [3] La convincente profundidad espacial de Mantenga encontrada en el Retablo de San Zeno inició una tradición estilística y técnica que continuaría a lo largo del Cinquecento en otros retablos ilusionistas de Giovanni Bellini , entre ellos: Retablo de San Giobbe (1487); Tríptico Frari (1488); Retablo de San Zacarías (1505). [6]
El Retablo de San Zeno fue creado originalmente para la Basílica de San Zeno en la ciudad de Verona, en el norte de Italia, y actualmente todavía se encuentra allí. [3] Como se describió anteriormente (ver: predela), Napoleón desmontó el panel y se llevó el panel central, así como las tres pinturas de la predela, a París en 1797. [3] Sólo el panel central fue devuelto después de que Napoleón perdió el poder en 1815. , pero las tres predelas originales nunca han sido devueltas, por lo que las que hoy se ven en el retablo son copias. [3] [7]
