Juan el Bautista (a veces llamado Juan en el desierto ) fue objeto de al menos ocho pinturas delartista barroco italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610).
La historia de Juan Bautista se cuenta en los Evangelios . Juan era primo de Jesús y su llamado era preparar el camino para la venida del Mesías . Vivía en el desierto de Judea , entre Jerusalén y el Mar Muerto , "su vestido era de pelo de camello, y un cinto de cuero alrededor de sus lomos; y su comida era langostas y miel silvestre". Bautizó a Jesús en el Jordán y finalmente Herodes Antipas lo mató cuando pidió al rey que reformara sus malos caminos. Juan aparecía con frecuencia en el arte cristiano, identificable por su cuenco, su cruz de caña, su piel de camello y su cordero. La escena más popular antes de la Contrarreforma fue la del bautismo de Jesús por parte de Juan, o bien del niño Bautista junto con el niño Jesús y María su madre, frecuentemente complementado por la propia madre del Bautista, Santa Isabel . Juan solo en el desierto era menos popular, pero no desconocido. Para el joven Caravaggio, Juan era invariablemente un niño o un joven solo en el desierto. Esta imagen se basó en la afirmación del Evangelio de Lucas de que "el niño creció y se fortaleció en espíritu, y estuvo en los desiertos hasta el día de su manifestación a Israel". Estas obras permitieron un tratamiento religioso de los jóvenes parcialmente vestidos que le gustaba pintar en esta época. [1]
Aparte de estas obras que muestran a Juan solo, en su mayoría datadas de sus primeros años, Caravaggio pintó tres grandes escenas narrativas de la muerte de Juan: la gran Ejecución en Malta y dos sombrías Salomé con su cabeza, una en Madrid y otra en Londres .
La adscripción de esta pintura a Caravaggio está en disputa: el candidato alternativo es Bartolomeo Cavarozzi, uno de sus primeros seguidores. Está en la colección del Museo Tesoro Catedralicio de Toledo ( España ), y John Gash especula que pudo haber sido una de las pinturas realizadas por Caravaggio para el prior del Hospital de la Consolación, como nos cuenta Mancini, uno de los primeros biógrafos de Caravaggio. Según Mancini, el prior "luego se los llevó consigo a su tierra natal"; desafortunadamente, una versión del manuscrito de Mancini dice que la tierra natal del prior era Sevilla, mientras que otra dice Sicilia. Había un prior español del hospital en 1593, y es posible que no lo abandonara hasta junio de 1595. Gash cita la opinión del erudito AE Pérez Sánchez de que si bien la figura del santo tiene ciertas afinidades con el estilo de Cavarozzi, el resto de la imagen no. "y la altísima calidad de ciertos pasajes, especialmente las bellamente representadas hojas de parra... es mucho más característica de Caravaggio". Gash también señala el suave claroscuro y el delicado tratamiento de contornos y rasgos, y rasgos estilísticos similares en las primeras obras de Caravaggio como Los músicos y San Francisco de Asís en éxtasis . Si esta y otras pinturas de Caravaggio estuvieron realmente en Sevilla en una fecha temprana, es posible que hayan influido en Velázquez en sus primeras obras. Sin embargo, los argumentos a favor de Cavarozzi son sólidos y se sabe que viajó a España entre 1617 y 1619. [2]
Peter Robb , considerando que la pintura es de Caravaggio, la fecha aproximadamente en 1598, cuando el artista era miembro de la casa de su primer mecenas, el cardenal Francesco Maria Del Monte . Robb señala que el Bautista es evidentemente el mismo niño que modeló para Isaac en el Sacrificio de Isaac , lo que fecharía ambas pinturas aproximadamente en el mismo período. Desafortunadamente, este Sacrificio de Isaac también es discutido, por lo que el problema de la autoría no está resuelto. Juan aparece sobre un fondo de parras verdes y tallos espinosos, sentado sobre un manto rojo, sosteniendo una delgada cruz de caña y mirando a una oveja que yace a sus pies. El manto rojo se convertiría en un elemento básico de las obras de Caravaggio, con muchos precedentes en el arte anterior. [3]
John the Baptist carries over many of the concerns which animated Caravaggio's other work from this period. The leaves behind the figure, and the plants and soil around his feet, are depicted with that careful, almost photographic sense of detail which is seen in the contemporary still life Basket of Fruit, while the melancholy self-absorption of the Baptist creates an atmosphere of introspection. The grape leaves stand for the grapes from which the wine of the Last Supper was pressed, while the thorns call to mind the Crown of Thorns, and the sheep is a reminder of the Sacrifice of Christ.
Caravaggio's decision to paint John the Baptist as a youth was somewhat unusual for the age: the saint was traditionally shown as either an infant, together with the infant Jesus and possibly his own and Jesus's mother, or as an adult, frequently in the act of baptising Jesus. Nevertheless, it was not totally without precedent. Leonardo had painted a youthful and enigmatically smiling Baptist with one finger pointing upwards and the other hand seeming to indicate his own breast, while Andrea del Sarto left a Baptist which almost totally prefigures Caravaggio. Both Leonardo and del Sarto had created from the figure of John something which seems to hint at an entirely personal meaning, one not accessible to the viewer, and Caravaggio was to turn this into something like a personal icon in the course of his many variations on the theme.
El modelo de Amor Vincit fue un niño llamado Cecco, sirviente de Caravaggio y posiblemente también su alumno. Se le ha identificado tentativamente con un artista activo en Roma entre 1610 y 1625, también conocido sólo como Cecco del Caravaggio (el Cecco de Caravaggio), que pintó en gran medida en el estilo de Caravaggio. La característica más llamativa de Amor fue la evidente alegría de la joven modelo al posar para la pintura, de modo que se convirtió más en un retrato de Cecco que en una representación de un semidiós romano. La misma sensación de que el modelo de la vida real dominaba al supuesto sujeto se transfirió a Juan Bautista de Mattei . El joven John aparece medio reclinado, con un brazo alrededor del cuello de un carnero y el rostro vuelto hacia el espectador con una sonrisa traviesa. No hay casi nada que indique que esto fue lo que el profeta envió para enderezar el camino en el desierto: ni una cruz, ni un cinturón de cuero, solo un trozo de piel de camello perdido entre los voluminosos pliegues de la capa roja y el carnero. El carnero en sí es muy poco canónico: se supone que el animal de Juan Bautista es un cordero, lo que marca su saludo a Cristo como el " Cordero de Dios " que vino a quitar los pecados de la humanidad. El carnero es a menudo un símbolo de lujuria como de sacrificio, y este niño desnudo y sonriente no transmite ningún sentimiento de pecado. Algunos biógrafos han intentado describir a Caravaggio como un católico esencialmente ortodoxo de la Contrarreforma , pero Cecco el Bautista parece tan irremediablemente pagano como su encarnación anterior como Cupido.
El Bautista de Mattei resultó inmensamente popular: se hicieron once copias conocidas, incluida una que los estudiosos reconocen como de la propia mano de Caravaggio. Hoy se lleva a cabo en la Galería Doria Pamphilj [4] en el Roman Corso. (La galería también alberga su Magdalena penitente y Descanso en la huida a Egipto ). Los coleccionistas que encargaron las copias habrían sido conscientes de un nivel adicional de ironía: la pose adoptada por el modelo es una clara imitación de la adoptada por uno de los famosos ignudi de Miguel Ángel en el techo de la Capilla Sixtina (pintado entre 1508 y 1512). . El papel de estos gigantescos desnudos masculinos en la descripción que hace Michelango del mundo antes de las Leyes de Moisés nunca ha estado claro (algunos han supuesto que son ángeles, otros que representan el ideal neoplatónico de la belleza humana), pero que Caravaggio posara su Considerar al asistente adolescente como uno de los dignos testigos de la Creación del Maestro era claramente una especie de broma interna para los entendidos.
En 1601/02 Caravaggio aparentemente vivía y pintaba en el palacio de la familia Mattei , inundado de encargos de clientes privados adinerados tras el éxito de la capilla Contarelli donde en 1600 había expuesto El martirio de San Mateo y La inspiración de San Mateo . Fue uno de los períodos más productivos en una carrera productiva. El cuaderno de Ciriaco Mattei registra dos pagos a Caravaggio en julio y diciembre de ese año, marcando el inicio y finalización del Juan Bautista original . El pago fue de 85 escudos relativamente modestos , porque John era una sola figura. Es posible que la copia se haya realizado al mismo tiempo o muy poco después. En enero de ese año Caravaggio recibió ciento cincuenta escudos por la Cena en Emaús . Para Vincenzo Giustiniani estuvo La incredulidad de Santo Tomás , y en enero de 1603 Ciriaco pagó ciento veinticinco escudos por La toma de Cristo . Cada uno de ellos aumentó la inmensa popularidad de Caravaggio entre los coleccionistas: sobreviven veinte copias de La Cena de Emaús y más de La Toma de Cristo .
Pero a pesar de todo este éxito, ni la propia Iglesia ni ninguna de las Órdenes religiosas habían encargado nada todavía. Las pinturas de la Capilla Contarelli fueron encargadas y pagadas por mecenas privados, aunque los sacerdotes de San Luigi dei Francesi (donde se encuentra la capilla) tuvieron que aprobar el resultado. El problema de Caravaggio era que la Iglesia de la Contrarreforma era extremadamente conservadora: se había tomado una decisión para introducir un Índice de Imágenes Prohibidas, y cardenales de alto rango habían publicado manuales que guiaban a los artistas, y más especialmente a los sacerdotes que podían encargar artistas o aprobar arte. sobre lo que era y lo que no era aceptable. Y el criptopaganismo juguetón de este Juan Bautista privado, con sus referencias cruzadas al humanismo clasicista de Miguel Ángel y al Alto Renacimiento , ciertamente no era aceptable. [3]
El Bautista de Bellini está representado dentro de un marco convencional que su audiencia conocería y compartiría; El de Caravaggio es casi impenetrablemente privado. En 1604, Caravaggio recibió el encargo de pintar un Juan Bautista para el banquero papal y mecenas del arte Ottavio Costa, que ya era propietario de Judith decapitando a Holofernes y Marta y María Magdalena del artista . Costa lo destinó a un retablo de un pequeño oratorio en el feudo de Conscente (un pueblo cercano a Albenga, en la Riviera italiana ), pero le gustó tanto que envió una copia al oratorio y conservó el original en su propia colección. Ahora se lleva a cabo en el Museo de Arte Nelson-Atkins en Kansas City .
Los marcados contrastes de luz y oscuridad acentúan la percepción de que la figura se inclina hacia adelante, fuera de las profundas sombras del fondo y hacia el reino más claro del propio espacio del espectador... La inquietante melancolía del Bautista Nelson-Atkins ha atraído la atención de casi todos los comentaristas. De hecho, parece como si Caravaggio hubiera inculcado en esta imagen un elemento del pesimismo esencial de la predicación del Bautista, de la tragedia sin sentido de su temprano martirio, y tal vez incluso en cierta medida de la perturbada psique del propio artista. La gravedad del santo se explica también, al menos en parte, por la función de la pintura como punto focal del lugar de reunión de una cofradía cuya misión era cuidar a los enfermos y moribundos y enterrar los cadáveres de las víctimas de la peste. [5]
El biógrafo de Caravaggio, Peter Robb, ha señalado que el cuarto Bautista parece un reflejo psíquico del primero, con todos los signos invertidos: la brillante luz de la mañana que bañaba la pintura anterior se ha vuelto dura y casi lunar en sus contrastes, y la vívida luz de la mañana que bañaba la pintura anterior se ha vuelto dura y casi lunar en sus contrastes. El follaje verde se ha vuelto marrón seco y muerto. No hay casi nada en cuanto a símbolos para identificar que se trata de una imagen religiosa, ni una aureola, ni una oveja, ni un cinturón de cuero, nada más que la delgada cruz de caña (una referencia a la descripción que Cristo hace de Juan como "una caña sacudida por el viento"). La pintura demuestra lo que Robb llama el "sentimiento de Caravaggio por el drama de la presencia humana". Este John adolescente, casi adulto, parece encerrado en un mundo privado que sólo conoce su creador. La concepción de Caravaggio del santo como una figura sentada y solitaria, carente de casi cualquier identidad narrativa (¿cómo sabemos que es el Bautista? ¿Qué está pasando aquí?) fue verdaderamente revolucionaria. Artistas desde Giotto hasta Bellini y más allá habían mostrado al Bautista como una historia accesible, un símbolo comprensible para todos; la idea misma de que una obra debería expresar un mundo privado, en lugar de una experiencia religiosa y social común, era radicalmente nueva. [3]
Este es uno de los dos Juan Bautista pintados por Caravaggio alrededor de 1604 (posiblemente 1605). Se conserva en la colección del Palazzo Corsini de la Galleria Nazionale d'Arte Antica . Al igual que el Juan hecho para Ottavio Costa, la figura ha sido despojada de símbolos identificativos: ni cinturón, ni siquiera la "vestimenta de pelo de camello", y la cruz de caña sólo se sugiere. El fondo y el entorno se han oscurecido aún más, y nuevamente existe la sensación de una historia de la que el espectador está excluido.
Caravaggio no fue el primer artista que trató al Bautista como un críptico desnudo masculino (hubo ejemplos anteriores de Leonardo , Rafael , Andrea del Sarto y otros), pero introdujo una nueva nota de realismo y dramatismo. Su John tiene las manos y el cuello ásperos y quemados por el sol de un trabajador, su torso pálido emerge con un contraste que recuerda al espectador que se trata de un niño real que se ha desvestido para su sesión de modelaje, a diferencia del Bautista de Rafael, que es tan idealizado y nada. -individualizado como uno de sus querubines alados.
Si se pregunta quién es (o era) realmente este modelo, el realismo del individuo se desborda como un registro de la propia Roma en la época de Caravaggio. El biógrafo Peter Robb cita a Montaigne sobre Roma como una ciudad de ociosidad universal, "...la ociosidad envidiada de los clérigos superiores y la ociosidad aterradora de los indigentes...una ciudad casi sin oficios ni profesiones, en la que los eclesiásticos eran playboys o burócratas, los legos estaban condenados a ser cortesanos, todas las chicas y chicos bonitos parecían prostitutas, y toda la riqueza era dinero viejo heredado o extorsionado para obtener dinero nuevo". No fue una época que acogiera con agrado un arte que enfatizara lo real. [3]
San Juan Bautista en la Fuente , conservado en una colección privada en Malta, había sido difícil de estudiar. Desde 2022 se encuentra en MUŻA en La Valeta , Malta. [6] John Gash lo trata como si fuera Caravaggio, señalando la similitud en el tratamiento de la carne con el Cupido durmiente , reconocido por el artista y que data de su período en Malta. La pintura ha sufrido graves daños, especialmente en el paisaje. La obra se conoce en otras dos variantes, cada una ligeramente diferente. [2]
El tema del joven Juan bebiendo de un manantial refleja la tradición evangélica de que el Bautista sólo bebió agua durante su período en el desierto. La pintura muestra un claroscuro extremo típicamente caravaggista (uso de luces y sombras), y también es típico al tomar como tema a un joven Juan Bautista, esta vez ambientado en un paisaje oscuro contra una siniestra mancha de cielo más claro. "La mecánica de la bebida y la psicología de la sed se transmiten maravillosamente a través de la hábil manipulación de las extremidades y la cabeza cuidadosamente construida". [2]
Si en realidad es obra del artista, habría sido pintada durante sus aproximadamente 15 meses en Malta en 1607-1608. Sus obras reconocidas de este período incluyen obras maestras como el Retrato de Alof de Wignacourt y su paje y La decapitación de San Juan Bautista . Esta última, en el oratorio de la Concatedral de San Juan, es la única obra que firmó el artista.
En Malta, Caravaggio fue aceptado en la Orden de San Juan (los Caballeros de Malta ) y se convirtió de hecho en su artista oficial, pero su estancia terminó con una ofensa misteriosa y su expulsión de la Orden "como un miembro podrido y asqueroso" . El crimen cometido en Malta ha sido objeto de muchas especulaciones, pero parece haber sido extremadamente grave y posiblemente incluso implique la pena de muerte. La mayoría de los escritores modernos creen que fue un crimen violento. Su primer biógrafo, Giovanni Baglione , dijo que había habido un "desacuerdo" con un caballero de la justicia (es decir, un caballero procedente de la nobleza europea); Giovan Pietro Bellori , que visitó Malta para presenciar la decapitación de Juan Bautista unos cincuenta años después del suceso, escribió que Caravaggio "había entrado en conflicto con un caballero muy noble", a consecuencia de lo cual había provocado el disgusto del Gran Maestro y tuvo que huir. Es posible que el delito implicara un duelo, lo que se consideraba muy serio, pero la pena por el duelo era prisión, no muerte. Se impuso la pena de muerte por asesinato (y una muerte en un duelo o pelea equivalía a asesinato), pero la redacción utilizada tanto por Baglione como por Bellori implicaba que el caballero ofendido por Caravaggio había sobrevivido. Peter Robb , en su popular biografía M (1998), defiende un delito sexual menor, pero su argumento es especulativo. [3]
La fecha de la obra de Juan Bautista en la Galería Borghese es controvertida: durante mucho tiempo se pensó que había sido adquirida por el cardenal Scipione Borghese en algún momento entre su llegada a Roma en 1605 y la huida de Caravaggio de la ciudad en 1606, pero Roberto Longhi la fechó. al período siciliano del artista (una fecha posterior a 1608) debido a las similitudes en el manejo y el color. La opinión de Lonhi ha ganado una aceptación cada vez mayor, y en los últimos años ha surgido un consenso a favor de 1610.
La pintura muestra a un niño desplomado sobre un fondo oscuro, donde una oveja mordisquea una enredadera de color marrón apagado. El niño está inmerso en una ensoñación: tal vez como San Juan está perdido en una melancolía privada, contemplando el próximo sacrificio de Cristo; o tal vez, como un niño de la calle de la vida real llamado a modelar durante horas, simplemente está aburrido. Como suele ocurrir con Caravaggio, la sensación es de ambas cosas a la vez. Pero el sentimiento abrumador es de tristeza. La capa roja envuelve su endeble cuerpo infantil como una llama en la oscuridad, el único toque de color aparte de la carne pálida del santo juvenil. "En comparación con las versiones anteriores de Capitolina y Kansas City... el cuadro de Borghese es más ricamente colorista: un ensayo expresivo en rojos, blancos y marrones dorados. También representa un enfoque menos idealizado y más sensual del desnudo masculino, como estaba prefigurado. en las figuras de miembros robustos de algunas de las obras post-romanas de Caravaggio, como la Flagelación de Nápoles y la Decapitación de Juan Bautista en La Valeta ". [2]
Borghese era un coleccionista exigente, pero conocido por extorsionar e incluso robar piezas que llamaban su atención; él, o más bien su tío el Papa Pablo V , había encarcelado recientemente a Giuseppe Cesari, uno de los pintores más conocidos y exitosos de Roma, por culpa de Trump. presentó cargos para confiscar su colección de ciento seis pinturas, entre las que se encontraban tres de los Caravaggios que hoy se exhiben en la Galería Borghese ( Niño pelando frutas , Baco joven enfermo y Niño con una cesta de frutas ). Se sumaron a los Caravaggios que ya poseía el Cardenal, entre ellos un San Jerónimo y la Virgen con el Niño con Santa Ana (la Virgen de los Novios ).
En 1610 la vida de Caravaggio se estaba desmoronando. Siempre es peligroso interpretar las obras de un artista en términos de su vida, pero en este caso la tentación es abrumadora y todos los escritores sobre Caravaggio parecen rendirse a ella. En 1606 había huido de Roma como proscrito tras matar a un hombre en una pelea callejera; en 1608 fue encarcelado en Malta y nuevamente escapó; hasta 1609 fue perseguido por sus enemigos a través de Sicilia hasta refugiarse en Nápoles, donde fue atacado en la calle por asaltantes desconocidos pocos días después de su llegada. Ahora estaba bajo la protección de la familia Colonna en la ciudad, buscando un perdón que le permitiera regresar a Roma. El poder de conceder el perdón estaba en manos del cardenal Borghese, amante del arte, que esperaba que le pagaran en pinturas. A mediados de año llegó la noticia de que el indulto era inminente y el artista partió en barco con tres lienzos. La siguiente noticia fue que había muerto "de fiebre" en Porto Ercole, una ciudad costera al norte de Roma en poder de España. [7]
Este Juan Bautista reclinado , es una pintura al óleo de Michelangelo Merisi da Caravaggio, construida en 1610 y ahora se conserva en una colección privada en Munich. Este cuadro es una de las siete versiones que el pintor lombardo ha dedicado al tema de "San Juan", aquel retrato de Juan Bautista cuando era niño o adolescente.
El lienzo es identificable con el cuadro que se encontraba en el Palazzo Cellammare de Nápoles, en Costanza Colonna, marquesa de Caravaggio, junto con una obra del mismo tema (el San Giovanni Battista de la colección Borghese) y una Magdalena, como lo demuestra la carta el nuncio apostólico en el reino de Nápoles Deodato Gentile al cardenal Scipione Caffarelli-Borghese en Roma, el 29 de julio de 1610 (Pacelli 1994, págs. 141-155). Las tres pinturas fueron encargadas por Borghese y se encontraban en la faluca que debía llevar a su autor de Nápoles a Roma, justo antes de morir. También de la carta del 29 de julio que, cuando Caravaggio estaba encarcelado en Palo, los cuadros fueron mostrados a Nápoles desde Costanza Colonna. Scipione Borghese pudo recuperar la posesión de uno de los dos San Juan (el que actualmente se exhibe en la Galería Borghese), mientras que la tumba de San Juan se apoderó casi con certeza de Pedro Fernández de Castro, VII Conde de Lemos y virrey de Nápoles desde 1610. hacia 1616.Il pintura Llegó a España en 1616, cuando el Conde de Lemos, terminado el cargo virreinal, partió hacia Madrid. Por los pasos hereditarios dentro de la familia pasó a don Pedro Antonio, décimo conde de Lemos, quien fue nombrado virrey del Perú en 1667 y seguramente fue el responsable del traslado de San Juan a América Latina. Luego de estar en una colección privada de El Salvador y luego en Buenos Aires, el cuadro fue traído a Baviera siguiendo a una dama de Argentina, justo antes de la Segunda Guerra Mundial (Marini 2001, p. 574). El lienzo fue anunciado por Marini como autógrafo después de la restauración realizada en Roma por Pico Cellini en 1977-78 y fechada en 1610 (Marini 1978, págs. 23-25, 41-42, ilus. 3-5, figs. 15-25; Marini 1981, págs. 82 nota 117, 45 fig. La posición cronológica en la última fase de la vida del pintor fue confirmada no sólo por los ceros (1998, pp. 28-45), en comunicaciones escritas de Stroughton (1987), Pico Cellini (1987), Pepper (1987), Spike (1988), Slatkes (1992) y Claudio Strinati (1997), pero cabe señalar también que Bolonia (1992, p. 342) consideró la obra una copia de un original perdido de la iglesia napolitana de Sant'Anna dei Lombardi. La hipótesis del estudioso (más tarde ricredutosi Caroli en 1992, donde identificó explícitamente el cuadro de Mónaco en San Giovanni que Merisi llevaba en la faluca) sigue siendo infundada, ya que se desconoce el prototipo original de la Capilla Fenaroli, destruida en el ' antiguo incendio de la iglesia, que fueron destruidos en los otros dos cuadros de Caravaggio: La resurrección de Cristo y San Francisco en el acto de recibir los estigmas. Este cuadro no puede confundirse con ningún otro de San Juan de Merisi, del que se tiene un origen y un encargo documentados; por lo tanto, su conexión con lo mencionado en las cartas de Deodato Gentile a Scipione Borghese es ciertamente bienvenida. En la pose lánguida de San Juan se pueden discernir recuerdos venecianos:la referencia es concretamente a las Venus y Dánae de Giorgione y Tiziano, pero también a las antiguas representaciones de dioses fluviales y pinturas del mismo tema en la zona napolitana. El escritor (Pacelli 1994, págs. 150-151) ha señalado las similitudes con la colección de San Giovanni Borghese, la Adoración de Messina y el Martirio de Santa Úrsula de Intesa Sanpaolo en Nápoles. También he indicado una rama significativa en un David relajado (ahora conservado en una colección privada en Nápoles) de un artista no identificado, pero ciertamente activo en Nápoles en la primera mitad del siglo XVII, y en una colección privada de Paul Finoglio de San Juan. A San Giovanni Battista tumbado se dedicó la reciente exposición celebrada en el Museo Het Rembranthuis de Ámsterdam entre 2010 y 2011: para informar a este respecto, la publicación sobre la exposición, las intervenciones de Strinati (2010-2011), Treffers (2010-2011), Pacelli (2010-2011), que rastrea la historia y la crítica de la pintura a partir de los hallazgos de 1994 (págs. 45-51), Marine (2010-11) y Giantomassi Zari (2010-11), que destacan , aspectos de la técnica pictórica y hasta la restauración.
Finales de la primera década del siglo XVII, óleo sobre lienzo, 78x122 cm. [8] [9]
Medios relacionados con las pinturas de San Juan Bautista de Caravaggio en Wikimedia Commons