El retablo de San Giobbe (en italiano: Pala di San Giobbe ) es un retablo de alrededor de 1487 en óleo sobre tabla del pintor renacentista veneciano Giovanni Bellini . Inspirada en un brote de peste en 1485, esta pintura de sacra conversazione es única porque fue diseñada in situ con la arquitectura circundante de la iglesia (una novedad para Bellini), y fue una de las pinturas de sacra conversazione más grandes de la época. Aunque originalmente estaba ubicada en la Iglesia de San Giobbe , Venecia , ahora se encuentra en la Gallerie dell'Accademia en Venecia después de haber sido robada por Napoleón Bonaparte .
Poco antes de 1478, Giovanni Bellini recibió el encargo de pintar el retablo por parte de un individuo desconocido de la Scuola di San Giobbe, que se colocaría frente a la Capilla Martini de la pronto consagrada Iglesia de San Giobbe. Los frailes y hermanas del Hospicio de San Giobbe habían fundado la Scuola di San Giobbe y habían reemplazado un antiguo oratorio dedicado a Job por una nueva iglesia dedicada tanto a San Job como a San Bernardino . Esto fue fuertemente sugerido por el patrón de la cofradía , el dogo Cristoforo Moro . [1] Este retablo marca la primera vez que Bellini utilizó el concepto de crear un espacio ilusorio para albergar una sacra conversazione que parece ser una extensión de la arquitectura de la iglesia en sí, y honra a San Job con la posición más cercana al niño Jesús. La pintura fue diseñada in situ para incorporar la arquitectura de la Iglesia de San Giobbe; los arcos dentro de la pintura coinciden en perspectiva y diseñan los arcos de mármol de la iglesia que enmarcan la pintura. [1] Como la Iglesia de San Giobbe no tenía dos capillas , sino solo la Capilla Martini y un espacio vacío frente a la capilla, el retablo se pintó para crear un espacio que equilibrara ilusionistamente la iglesia con “dos” capillas a cada lado. Por lo tanto, el tamaño de la pieza y la descripción visual detallada de la perspectiva en el espacio ficticio tenían la intención de servir como una segunda capilla, y la perspectiva, junto con el encuadre similar dentro de la pintura y alrededor de la pintura, daría esa ilusión adecuada. [2]
Se desconoce quién fue el verdadero mecenas de la pintura, aunque se supone que fue un miembro de la Scuola di San Giobbe. Esta suposición está siendo debatida actualmente, ya que el tamaño y el detalle de esta pintura justificarían una gran compensación monetaria para Giovanni Bellini, algo que sería difícil para una iglesia tan pequeña. Una hipótesis es que Cristoforo Moro, quien también fue mecenas de la iglesia e influyó en la rededicación de la iglesia a San Job y San Bernardino, había encargado la pintura. [2]
La pieza, aunque no tiene prueba textual de la fecha exacta de finalización, fue registrada como completada en la recién consagrada Iglesia de San Giobbe en 1493. El erudito veneciano Marcus Antonio escribió sobre la pieza en su forma completa en su “De Venetae Urbis Situ” (Una guía escrita de Venecia), y el historiador veneciano Marin Sanudo había incluido un comentario sobre la belleza de la pieza en una lista de los lugares sagrados de Venecia, ambos escritos en 1493, marcando ese año como la fecha más tardía posible de finalización. [2]
Aunque la firma cursiva de Giovanni Bellini ha sido puesta en tela de juicio y ha sido utilizada a menudo por imitadores, se acepta ampliamente que esta pieza es de Bellini. Su firma está en una placa justo debajo de los pies del ángel músico del medio y está en cursiva, "Ioannes Bellinus", que rara vez fue utilizada por imitadores. [3]
El retablo permaneció en la iglesia de San Giobbe hasta 1814-1818, [4] hasta que Napoleón Bonaparte, durante su saqueo de Venecia, robó esta pieza, junto con muchas otras. Finalmente fue devuelto a su ciudad de origen, pero fue entregado a la Galleria dell'Accademia de Venecia, donde se exhibe con los otros retablos de la iglesia de San Giobbe. [5]
En el centro se encuentran la Virgen y el Niño , sentados sobre otras figuras religiosas. Debajo de las figuras centrales hay tres ángeles , cada uno tocando un instrumento musical. Los santos que flanquean el trono se encuentran con un opuesto, tanto física como históricamente. En el extremo izquierdo del espectador (a la derecha de la Virgen y el Niño) está San Francisco , a su derecha está Juan el Bautista , y en la posición más notable y figura titular de la iglesia del retablo, San Job. Justo a la derecha del trono (a la izquierda de la Virgen y el Niño) están San Sebastián , Santo Domingo y, más a la derecha, el obispo franciscano San Luis de Toulouse . [1]
Job tiene barba y viste solo un taparrabos , lo que refleja la figura juvenil, de pelo largo y bien afeitada que tiene frente a él en San Sebastián. San Sebastián, también posa solo con un taparrabos, tiene dos flechas en su cuerpo que hacen referencia a su tortura. Sin embargo, no está ensangrentado ni en agonía, sino que está bastante limpio y tranquilo mientras mira al niño Jesús. Santo Domingo posa con un texto religioso en sus manos y está vestido limpiamente, pareciendo una figura estudiosa, incluso cuando se coloca frente a la Virgen y el Niño. Como su opuesto se encuentra Juan el Bautista, una figura descuidada, sin afeitar, y mirando a Cristo. San Luis muestra el atuendo religioso de su alta posición y representa la religiosidad de la Iglesia. San Francisco, que a diferencia de los otros personajes, no mira al niño Jesús, sino al espectador, y se acerca y le da la bienvenida a la escena. [6]
Como recurso para que la Iglesia de San Giobbe trasladara a su antiguo patrón, Job, a una posición más baja, Bellini honró a San Job en esta pieza colocándolo no solo en la posición más cercana a la Madre y el Niño, sino que también lo honró al incluir referencias a la Catedral de San Marcos en Venecia a través del techo abovedado. [1]
Muy pocas de las obras de Bellini con la Virgen y el Niño incluyen la longitud completa de los santos que flanquean el trono. El retablo de San Giobbe comparte esta cualidad junto con el tríptico de Frari , el tríptico de Priuli y el retablo de San Zaccaria . [2]
Por encima de la Virgen con el Niño hay un techo abovedado con artesonado , que es una referencia arquitectónica a la Basílica de San Marcos. Bellini crea una capilla ficticia dentro de la Iglesia de San Giobbe, al tiempo que combina figuras que nunca estuvieron destinadas a estar juntas en un solo espacio. También crea un espacio ficticio en términos arquitectónicos, con las columnas de yeso que enmarcan la pieza y que se asemejan a las estructuras de la Catedral de San Marcos. Esta técnica de colocar figuras sagradas como tales en un espacio ficticio era nueva en el arte veneciano, una técnica que será comúnmente repetida por futuros artistas venecianos. [1]
Las pinturas de la sacra conversazione, comunes en el género de la época, incluían algún tipo de cielo o estaban situadas dentro de una estructura que de algún modo estaba abierta al mundo exterior. A diferencia de todas sus otras pinturas de la sacra conversazione, el retablo de San Giobbe es único porque se desarrolla en un espacio interior, debido al hecho de que estaba destinado a compensar la falta de una segunda capilla en la iglesia de San Giobbe frente a la capilla Martini. [2]
La parte superior presenta un artesonado en perspectiva, flanqueado por pilares que son copias de los auténticos del altar original. Detrás de la Virgen hay un nicho oscuro. En la semicúpula de este último hay una decoración de mosaico dorado de estilo veneciano.
Este retablo es un ejemplo de altar de pala, o altar de un solo panel, una técnica introducida por primera vez en Venecia por Bellini y fuertemente influenciada por Antonello da Messina. [7] [8]
Los triángulos durante el Renacimiento eran un símbolo importante de lo divino . Muchos artistas de finales del siglo XV incluyeron composiciones triangulares en sus piezas. Esto vinculaba los triángulos con lo divino y, a menudo, era una especie de mapa de la Santísima Trinidad . La asimetría en esta pieza crea un contraste con las figuras en los lados opuestos, y los triángulos se pueden encontrar con estas diversas agrupaciones. [9]
Las figuras también son opuestas en simetría a lo largo de la línea central vertical. El anciano San Job se encuentra frente al joven San Sebastián, el salvaje Juan Bautista está frente al manso y estudioso Santo Domingo, y el exuberante atuendo de San Luis se opone a las sencillas vestiduras de Santa Francisca. [6]
El retablo es una sacra conversazione, una pieza de arte que combina figuras sagradas de todos los tiempos en un solo lugar, rodeando a la Virgen y al niño Jesús, a menudo con ángeles cerca tocando música. Una diferencia entre la sacra conversazione de Bellini y otras es que parece como si las figuras estuvieran interactuando entre sí. Los ángeles están mirando a San Job, San Job está mirando a la Virgen, San Francisco a la izquierda está rompiendo la cuarta pared de la pintura e invitando a la audiencia a la escena ficticia. En comparación con otras sacra conversazione, ejemplos de las cuales son el Retablo de San Marco , el Tríptico de los Frari y el Retablo de San Zaccaria , no solo es el Retablo de San Giobbe mucho más grande y muestra la estatura completa de todas las figuras en la escena, sino que también está contenido en un espacio interior, lo cual era muy poco común en las piezas venecianas de la época, que a menudo incluían un cielo abierto o una sensación de amplitud en el fondo. [2]
Varias piezas de la pintura apuntan a reforzar la naturaleza inmaculada de la Virgen Madre . Su mano en la posición de la Anunciación y la frase en latín sobre el techo abovedado dice “Ave Virginei Flos Intemerate Pudoris”, que se traduce aproximadamente como “Dios te salve, flor inmaculada de la modestia virginal”. [10] San Francisco, al invitar al espectador a entrar, también muestra su santidad a través de sus estigmas . [6]
La precisión de los ángeles músicos a los pies de la Madre y el Niño está bien retratada en la técnica apropiada de los instrumentos de cuerda. Uno estudia su mano derecha tocando el laúd , los otros dos miran hacia arriba a San Job de pie junto a ellos, un vínculo que ha sugerido un vínculo entre San Job y la música. Incluso los propios laúdes son precisos en su construcción, haciendo coincidir la pieza de rosa en la pintura con las de las ornamentaciones reales de la época. [10]
La peste de 1485 influyó mucho en la pintura a través de la inclusión de San Sebastián y su opuesto, San Job. La flecha al costado de San Sebastián simboliza la peste , y su presencia en la pintura sería una invocación utilizada en respuesta a la peste que estaba azotando Venecia en ese momento. San Job simboliza el sufrimiento a través de su enfermedad similar a la peste, a través de la cual confía en su fe para soportar. No solo se asociaron tanto San Sebastián como San Job con el sufrimiento y el dolor, sino que la Scuola di San Giobbe fue originalmente un hospicio que se construyó en respuesta a una plaga, de ahí la representación de estos santos y su fe para dar esperanza a los pacientes. [10]
