El Retablo de San Zaccaria (también llamado Virgen en el trono con el Niño y los santos ) es una pintura del pintor renacentista italiano Giovanni Bellini , ejecutada en 1505 y ubicada en la iglesia de San Zaccaria , Venecia .
Las monjas benedictinas de la iglesia de San Zacarías encargaron a Giovanni Bellini el retablo de San Zacarías. [1] [2] Se trata de la primera obra de Bellini en la que es innegable la influencia de Giorgione , dando inicio a la última fase de la carrera del artista, la tonalista. [3] El retablo ha permanecido in situ en la iglesia desde que se completó en 1505. La obra fue mencionada en 1648 por el escritor y pintor Carlo Ridolfi como un gran panel encargado en memoria del político y diplomático veneciano Pietro Cappello; lo describió como "uno de los más bellos y delicados del artista". [4]
Una historia posterior se ha entrelazado con la obra y se ha repetido en muchas fuentes: en 1648, el escritor y pintor Carlo Ridolfi comentó que la obra había sido encargada en memoria de Pietro Capello (Cappello), un político y diplomático veneciano, describiéndola como "una de las más bellas y delicadas del artista". [4] [5] [6] Sin embargo, Pietro Capello murió en 1523, mucho después de que Giovanni Bellini completara el retablo en 1505. [7] Pietro Capello está enterrado en la Iglesia de San Zaccaria y sobre su tumba estaba adornado con una pintura realizada alrededor de 1500 que fue creada en el taller de Giovanni Bellini, pero mostraba la Presentación en el Templo (titulada la Circuncisión y ahora en la National Gallery of Art, Londres), no a la Virgen y el Niño entronizados. [1] [7]
A la izquierda del ángel que toca la música hay una pequeña placa, conocida como cartellino , donde Bellini firmó y fechó la obra: "IOANNES BELLIVUS / MCCCCCV" (Giovanni Bellini, 1505). [7]
La obra está situada en un gran nicho, representando una conversación sagrada dentro de un esquema establecido: la Virgen con el Niño entronizados, un ángel músico en un escalón y cuatro santos colocados simétricamente a los lados. Se trata de San Pedro Apóstol, Santa Catalina de Alejandría, Santa Lucía y San Jerónimo. [3]
Aunque el conjunto general no difiere de obras anteriores, como el retablo de San Giobbe (que comparte el ábside con mosaicos, por ejemplo), Bellini introdujo algunas novedades, como las aberturas laterales con paisaje, inspiradas en el retablo de los Battutii de Alvise Vivarini , antaño en Belluno (hoy perdido). Los colores y la luz muestran la nueva adhesión de Bellini al estilo cromático y atmótico de Giorgione. [ cita requerida ]
El huevo sobre la cabeza de María es un símbolo de la creación, tal vez una cita del Retablo de Brera de Piero della Francesca . La alfalfa debajo recuerda al Retablo de San Zeno de Andrea Mantegna . [ cita requerida ]
El retablo fue pintado con témpera y óleo sobre madera. [8] La témpera es una sustancia pictórica a base de huevo que se seca rápidamente, lo que la hace fácil de usar y de aplicar en capas, una opción popular entre los artistas durante el período. [9] Bellini también utilizó algunas pinturas al óleo para crear más definición con profundidad, bordes suaves, transiciones de tono y mejores pigmentos de color. [9]
Parte de la parte superior está truncada: justo debajo del arco aún se ven los daños que se produjeron durante el traslado por parte de los franceses bajo el mando de Napoleón (ver más abajo: Robo y devolución). [10] Mientras estaba en Francia, la pintura sufrió una importante transformación física: la superficie de la pintura se levantó del panel de madera que la soportaba y luego se aplicó con pegamento al lienzo. [10] [11] Hoy, la pintura sobre lienzo se ha instalado en la iglesia, pero sobre un altar de la iglesia diferente al original, por lo que no se considera in situ. [12] La pintura también fue cortada en la parte inferior para que encajara en este espacio. [12] Sería fácil pensar que este era el altar original, ya que las columnas de piedra tallada y sus capiteles prácticamente reflejan los pintados en el retablo de Bellini. [12]
El retablo está situado en un gran nicho semicircular, conocido como ábside , y representa en una composición piramidal (triangular) a la Virgen y el Niño entronizados, rodeados de cuatro santos y un ángel. [3] La cúpula con mosaicos en la parte superior del retablo crea una sensación de profundidad en la habitación y una adición de espacio detrás del trono y los sujetos. [13]
Giovanni Bellini recibió en repetidas ocasiones el encargo de pintar el tema de la Virgen y el Niño debido a su popularidad religiosa durante este siglo en Italia, especialmente en Venecia. [14] [13] La mayoría de estas pinturas devocionales, aunque exhiben variaciones en sus detalles iconográficos, muestran una profunda influencia del arte bizantino y los principios estilísticos. [10] De esta manera, el retablo de San Zaccaria se realizó en relación con los otros dos retablos venecianos de Giovanni Bellini , incluido el retablo de San Giobbe (1487) y el tríptico de los Frari (1488). [15] Hay dos denominadores estilísticos comunes entre estos tres retablos de Bellini: primero, es la inclusión del ábside de mosaico, y por lo tanto sirve como un vínculo visual con los mosaicos ubicados en el ábside y las cúpulas de la Basílica de San Marcos en Venecia. [15] El segundo elemento común es que la Virgen y el Niño entronizados es una alusión a la representación bizantina de la Virgen Odigitria . [15] Una diferencia notable entre el retablo de San Zaccaria de Bellini de 1505 y los retablos anteriores, el retablo de San Giobbe y el tríptico de los Frari, es que el entorno arquitectónico se abre a un paisaje lleno de colinas verdes, árboles tenues, nubes blancas y esponjosas que establecen un cielo azul claro. [14] [2] [9] Esta característica puede haber sido inspirada por la obra ahora perdida de Alvise Vivarini , un retablo hecho para Santa Maria dei Battuti, Belluno (anteriormente Museo Kaiser-Friedrich, Berlín, destruido en 1945). [16] [17]
La Virgen María y el Niño Jesús están en la parte superior del esquema piramidal del retablo, lo que los convierte en el foco principal como resultado de la perspectiva lineal. Se ve a María sin corona para representarla como una madre joven y sencilla; alguien con quien el espectador puede sentirse cómodo y posiblemente identificarse. [10] El Niño Jesús tiene su mano derecha levantada para bendecir al adorador/espectador ante el altar. Tanto la Virgen María como el Niño Jesús miran hacia abajo, para reconocer a los espectadores arrodillados en oración ante el altar. [10] Además, María está vestida con una rica túnica azul, que se hizo con ultramar, un pigmento de lujo durante este período de tiempo. [13] El uso de este pigmento no solo reconocía a la iglesia como un lugar de riqueza y poder, sino que mostraba que Bellini era un artista respetado. [13]
En la pintura, se muestran cuatro santos: dos pares de santos masculinos y femeninos. Más a la izquierda de la composición está San Pedro (en la imagen lleva la Biblia y las llaves del cielo ). [10] [9] San Pedro también se ve con un manto de color amarillo anaranjado, que fue terminado con un pigmento mineral de sulfuro de arsénico. [13] A la derecha está Santa Catalina de Alejandría , a quien se ve sosteniendo la palma del martirio mientras se apoya en una rueda de romper , un símbolo de la protección de Dios. [10] Santa Catalina está vestida con colores verde oscuro que eran una combinación de pigmentos de amarillo plomo-estaño, blanco de plomo y cardenillo; fue terminado con un esmalte verde oscuro profundo para darle vitalidad. [13] Estos pigmentos demostraron la riqueza de la iglesia, pero también la habilidad de Bellini para crear colores tan hermosos con sus pinturas. [13]
Al otro lado de María se encuentra Santa Lucía , la santa de la luz, [18] que también sostiene una palma del martirio y una lámpara de cristal en la otra mano. [9] La palma de ambas tiene la intención de representar el sufrimiento por el que pasaron cuando eligieron su fe sobre el cuerpo. [9] Además, la lámpara de cristal que sostiene Santa Lucía refleja el hecho de que Lucía a menudo daba comida a los pobres por la noche, usando una lámpara para iluminar. [ cita requerida ]
Por último, en el extremo derecho se encuentra San Jerónimo retratado de rojo, leyendo un libro que podría representar la Vulgata , o traducción latina de la Biblia que el mismo San Jerónimo tradujo. [9] La túnica de San Jerónimo fue pintada utilizando pigmentos de laca roja y bermellón. [13]
Las ondulantes vestiduras de San Pedro y San Jerónimo fueron pintadas con volumen y sombra para realzar su tamaño y figura masculina, contrastando con las santas mujeres. [10] [11] La disposición bilateralmente simétrica de los santos se ve reforzada por el hecho de que las dos santas mujeres se muestran de perfil y más cerca de la Virgen, mientras que los dos santos hombres, ubicados en los bordes exteriores de la composición, se muestran de frente mientras sus miradas están dirigidas hacia abajo. [10] [18]
Finalmente, en el centro, un ángel se sienta en el escalón inferior del trono de mármol tocando la lira de braccio, un instrumento parecido al violín. [10] [9] El instrumento se muestra con siete cuerdas en lugar de las nueve cuerdas típicas de otros instrumentos, lo que pretende representar a los otros siete planetas. [18] El ángel que hace música está representado con su lira de braccio para permitir que el público imagine su melodía pacífica en el entorno tranquilo y para ofrecer consuelo. [19] El ángel viste una combinación de verde frío y rosa cálido, colores y tonos que se observan en toda la pintura: en el mosaico de arriba, el paisaje cercano y la arquitectura circundante. [10] [18] Cada figura en la pintura tiene su propio propósito, pero el ángel es la única figura que mira claramente al espectador, lo que agrega un tono de inclusión. [11]
La sacra conversazione (conversación sagrada), que se desarrolló originalmente en Florencia y se popularizó en Venecia, es un género de obras devocionales religiosas que muestra a la Virgen María con el niño Jesús en un trono, rodeado de santos y ángeles que los unían a todos en un espacio de armonía. [10] [20] [21] La sacra conversazione está marcada por los colores brillantes y vibrantes del retablo de San Zaccaria, y fue pintada con la intención de crear un hermoso espacio de adoración. [11] Cada figura representada está en un tiempo y espacio diferente; el retablo era un encuentro mutuo para todos. [10] Además, las figuras del retablo se muestran en un estado tranquilo y meditativo; todo movimiento se ha detenido, llamando al espectador a hacer una pausa para orar o reflexionar. [19] [21] La unidad del retablo trae una especie de comunicación silenciosa; los ángeles significan trascendencia y las trompetas representan armonía. [10] Bellini también fue conocido por pintar diferentes interpretaciones de la sacra conversazione , siendo el Retablo de San Zaccaria la última obra en la que utilizó este género. [18]
En la parte superior del trono hay una cabeza tallada de Salomón, que representa la sabiduría divina. Detrás de Salomón hay una máscara de hojas que se muestra directamente sobre el trono de la Virgen María. La máscara de hojas es un rasgo distintivo del Renacimiento, que también añade un vocabulario descriptivo y elegante al retablo. [13] La máscara está enmarcada con una corona y una apariencia de halo de hojas de granada impresas en una tela de brocado tejida , como un tributo honorario a Dios. [13] También funciona para enmarcar bastante bien el simbolismo de Salomón. El simbolismo de Dios sobre el trono actúa como una red de seguridad sobre el trono, el altar y sobre la sacra conversazione. [13]
También se presenta en la parte superior del arco central una lámpara de cristal suspendida de un huevo de avestruz colgante, ambos simbolizando el Nacimiento Virginal . [9] Los huevos de avestruz generalmente se colgaban sobre altares dedicados a la Virgen María y se pueden encontrar en pinturas renacentistas italianas anteriores, incluido el Retablo de San Zeno de Andrea Mantegna (c. 1456-1459) y la Madonna de Brera de Pierro della Francesca (1472). [22] El huevo de avestruz también podría ser un símbolo de la Resurrección, con respecto a Cristo y la vida divina. [18] El huevo de avestruz también podría servir como símbolo de riqueza para la iglesia, ya que los huevos de avestruz no se representaban comúnmente en la sociedad. [10]
A lo largo del borde izquierdo del retablo hay una higuera y a lo largo del borde derecho hay una acacia; ambos representan la pasión y la redención que acompaña el viaje de la vida. [18] La decoración del mosaico dorado incluye follaje de acanto, junto con perdices para simbolizar el conocimiento de Cristo. [13]
El retablo de San Zaccaria es considerado uno de sus retablos más famosos, que completó a la edad de setenta y cuatro años. [10] [14] [13] Incluso a esta avanzada edad para este proyecto, las impresionantes habilidades pictóricas y de observación de Bellini no parecen haber disminuido. [14] Además, el retablo de San Zaccaria es reconocido como el mejor ejemplo de Bellini de su exploración de toda la vida en los efectos de la luz y el color y el realismo impresionante que se contrasta con componentes arquitectónicos de inspiración clásica, lo que refleja una culminación de su estilo. [10] [19] [13] [15] Aunque Bellini usa colores brillantes e intensos, el estado de ánimo del retablo de San Zaccaria refleja un tono tranquilo, sobrio y sacrosanto. [19] Este retablo en particular ha sido descrito como poético debido a la atmósfera sagrada de la obra que invita al espectador a un espacio contemplativo. [2]
El artista Giorgione fue uno de los alumnos de Bellini. [10] Durante la época en que Bellini trabajaba en el retablo de San Zaccaria, Giorgione estaba completando la Madonna de Castelfranco alrededor de 1504. [2] Aunque no está claro quién inspiró a quién, ya que ambos artistas trabajaban contemporáneamente, las obras de cada uno demuestran un enfoque similar a las figuras: ambos artistas redujeron el número de figuras en la composición, colocándolas más atrás en el medio y en los primeros planos, al mismo tiempo que bajaban la mirada de las figuras o proyectaban sombras en sus rostros, ocultándolas ligeramente. [2]
Uno de los aspectos más intrigantes de este retablo en particular es la arquitectura que lo rodea. El retablo y la arquitectura circundante fueron diseñados para hacer que la obra pareciera parte del edificio en sí, teniendo la arquitectura y el arte juntos. [18] La profundidad de la obra de arte creada por la perspectiva lineal y los pilares tallados que rodean el retablo hacen que el marco parezca una entrada a la imagen en sí. [23] Bellini se aseguró de agregar delicadeza ornamental, colores vibrantes y materiales lujosos como tributo al arquitecto de la iglesia, Mauro Codussi. [13] Además, esto coincide con la tendencia de Bellini a crear ambientes interiores suaves y profundos. [13]
Bellini añade escenas de la naturaleza a ambos lados de la obra. Este fue su primer retablo que utiliza la iluminación natural dentro de un entorno arquitectónico. [13] La adición de la luz del sol amplifica el brillo de la colorida obra, y las sombras proyectadas detrás de los sujetos se suman a la tridimensionalidad de la pieza. [13] Sin embargo, la adición del exterior a ambos lados del retablo le quita la continuidad ilusionista de la pieza dentro de la arquitectura de la iglesia. [21] Por último, la posición de los sujetos agrega profundidad. La forma en que se alinean los santos, casi crea un pasillo hacia el centro de la imagen, que es la Virgen María sosteniendo al niño Jesús. [ cita requerida ]
Bellini también utilizó contornos metálicos y esmalte para resaltar ciertos aspectos de su arte. [9] Los contornos de las figuras y los objetos se difuminan con la luz y las sombras, pero cada figura permanece solidificada y nítida. [14] El retablo es similar al Tríptico de Frari porque se utilizaron perspectivas tanto interiores como exteriores en la pieza; esta es una técnica común para Bellini. [24]
En 1787, cuando Napoleón saqueó la ciudad de Venecia, cortó el retablo de San Zacarías de su marco, lo robó y se lo llevó a Francia; luego fue devuelto a la Iglesia de San Zacarías. [10] [7]
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