- Sin título (S.383, Alambre atado a la pared, centro abierto, estrella de seis puntas, con seis ramas), c. 1967.
- Andrea , la fuente de las sirenas en la plaza Ghirardelli (1966)
Ruth Aiko Asawa (24 de enero de 1926 - 5 de agosto de 2013) fue una artista modernista estadounidense conocida principalmente por sus esculturas abstractas de alambre en bucle inspiradas en formas naturales y orgánicas. Además de su trabajo tridimensional, Asawa creó una extensa obra sobre papel, incluidos dibujos y grabados abstractos y figurativos influenciados por la naturaleza, particularmente flores y plantas, y su entorno inmediato. [1]
Nacido en Norwalk , California en 1926, Asawa fue el cuarto de siete hijos de inmigrantes japoneses. Ella creció en una granja de camiones . En 1942, su familia fue separada cuando fueron enviados a diferentes campos de internamiento japoneses como resultado de las políticas de aislamiento para los japoneses-estadounidenses impuestas por el gobierno de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial. [1] En el Rohwer Relocation Center en Arkansas , Asawa aprendió a dibujar de los ilustradores internos en el campamento. En 1943, pudo abandonar el campamento para asistir al Milwaukee State Teachers College , donde esperaba convertirse en maestra pero no pudo completar sus estudios porque su ascendencia japonesa le impidió obtener un puesto docente en Wisconsin. [1]
En 1946, Asawa se unió a la comunidad artística de vanguardia del Black Mountain College en Carolina del Norte, donde estudió con el influyente pintor y teórico del color germano-estadounidense de la Bauhaus Josef Albers , así como con el arquitecto y diseñador estadounidense Buckminster Fuller . En Black Mountain College, Asawa comenzó a hacer esculturas de alambre en bucle inspiradas en la técnica de tejido de canasta que aprendió en 1947 durante un viaje a México. [1] En 1955, realizó su primera exposición en Nueva York y, a principios de la década de 1960, había logrado un éxito comercial y crítico y se convirtió en una defensora del arte público de acuerdo con su creencia de "arte para todos". [1] Ella fue la fuerza impulsora detrás de la creación de la Escuela de Artes de San Francisco, que pasó a llamarse Escuela de Artes Ruth Asawa de San Francisco en 2010. [2]
Su trabajo forma parte de colecciones del Museo Solomon R. Guggenheim y del Museo Whitney de Arte Americano de la ciudad de Nueva York. [3] Quince de las esculturas de alambre de Asawa están en exhibición permanente en la torre del Museo de Young de San Francisco en el Golden Gate Park , y varias de sus fuentes están ubicadas en lugares públicos de San Francisco. [4] En 2020, el Servicio Postal de EE. UU. honró su trabajo produciendo una serie de diez sellos que conmemoran sus conocidas esculturas de alambre. [5] [6]
Ruth Aiko Asawa nació en 1926 en Norwalk, California y fue una de siete hermanos. [7] [8] [9] Sus padres, inmigrantes de Japón, operaron una granja de camiones hasta el internamiento de los japoneses estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial . [10] A excepción del padre de Ruth, la familia fue internada en un centro de ensamblaje apresuradamente instalado en el hipódromo de Santa Anita durante gran parte de 1942, después de lo cual fueron enviados al Centro de Reubicación de Guerra Rohwer en Arkansas . [11] El padre de Ruth, Umakichi Asawa, fue arrestado por agentes del FBI en febrero de 1942 e internado en un campo de detención en Nuevo México . Durante los seis meses siguientes, la familia Asawa no supo si estaba vivo o muerto. Asawa no vio a su padre durante seis años. [12] [13] La hermana menor de Ruth, Nancy (Kimiko), estaba visitando a su familia en Japón cuando su familia fue internada. No pudo regresar, ya que Estados Unidos impidió la entrada incluso a ciudadanos estadounidenses procedentes de Japón. Nancy se vio obligada a permanecer en Japón mientras duró la guerra. Asawa dijo sobre el internamiento:
No guardo hostilidades por lo sucedido; No culpo a nadie. A veces el bien surge de la adversidad. No sería quien soy hoy si no hubiera sido por el internamiento, y me gusta quien soy. [14]
Asawa se interesó por el arte a una edad temprana. Cuando era niña, su maestra de tercer grado la animó a crear su propia obra de arte. Como resultado, Asawa recibió el primer premio en un concurso de arte escolar en 1939, por su obra de arte sobre lo que hace que alguien sea estadounidense. [9]
Después de graduarse de la escuela secundaria del centro de internamiento, Asawa asistió al Milwaukee State Teachers College , con la intención de convertirse en profesora de arte. Se le impidió asistir a la universidad en la costa de California, ya que la guerra había continuado y la zona de la universidad prevista todavía estaba declarada prohibida para los japoneses étnicos, fueran o no ciudadanos estadounidenses. Al no poder ser contratada para realizar la práctica docente necesaria para completar su título, abandonó Wisconsin sin un título. (Wisconsin le otorgó el título en 1998.) [15] Asawa contó una experiencia cuando se detuvo en Missouri para ir al baño y ella y su hermana no sabían qué baño usar. Había un baño de color y uno blanco en la parada del autobús y debido a la discriminación racial en ese momento eligieron usar el baño de color. Una vez en Black Mountain, hubo más igualdad para ella y otros estudiantes minoritarios, incluidos otros asiáticoamericanos y afroamericanos. Mientras estaban en el campus eran iguales, pero en la ciudad la realidad del racismo en Estados Unidos era evidente. Esto condujo a un sentido directo de conciencia social en las esculturas de Asawa y a una intimidad influenciada por la adversidad que experimentó su familia como minoría en Estados Unidos. [dieciséis]
El verano antes de su último año en Milwaukee, Asawa viajó a México con su hermana mayor Lois (Masako). Asawa asistió a una clase de arte en la Universidad Nacional Autónoma de México ; entre sus maestras estuvo Clara Porset , una diseñadora de interiores de Cuba. [17] Amigo del artista Josef Albers , Porset le contó a Asawa sobre Black Mountain College donde estaba enseñando. [12] Asawa relató:
Me dijeron que podría resultarme difícil, con los recuerdos de la guerra aún frescos, trabajar en una escuela pública. Mi vida podría incluso estar en peligro. Esto fue una bendición, porque me animó a seguir mi interés por el arte y posteriormente me matriculé en el Black Mountain College de Carolina del Norte. [18]
De 1946 a 1949 estudió en el Black Mountain College con Josef Albers . [19] Asawa aprendió a utilizar materiales comunes de Albers y comenzó a experimentar con alambre, utilizando una variedad de técnicas. [20] Como todos los estudiantes de Black Mountain College, Asawa tomó cursos sobre una variedad de formas de arte diferentes y este enfoque interdisciplinario ayudó a dar forma a su práctica artística. Su estudio del dibujo con Ilya Bolotowsky y Josef Albers fue formativo. Sus dibujos de esta época exploran patrones y repeticiones, y estaba especialmente intrigada por el meandro como motivo. [21] Estuvo particularmente influenciada por las sesiones de verano de 1946 y 1948, que incluyeron cursos del artista Jacob Lawrence , el curador de fotografía e historiador Beaumont Newhall , Jean Varda , el compositor John Cage , el coreógrafo Merce Cunningham , el artista Willem de Kooning , el escultor Leo Amino. y R. Buckminster Fuller . Según Asawa, los cursos de baile que tomó con Merce Cunningham fueron especialmente inspiradores. [22] En una clase que incluía a su compañero de estudios Rauschenberg Asawa informó que corrieron colina abajo como si fuera un baile con antorchas encendidas haciendo sonar la Consagración de la Primavera de Stravinsky. Por el contrario, Asawa describió sus experiencias de estudiar con Josef Albers como más formalistas y lo que otros estudiantes describieron como fascista en su comportamiento y no consideró los sentimientos de sus alumnos en sus enseñanzas. Prefería enseñar exploración y descubrimiento a través del diseño en lugar del conocimiento regurgitado y aprovechado que enseñaban otros académicos. Asawa se conectó con este enfoque debido a los antecedentes culturales de su familia y lo que ella describe como una intolerancia a las emociones. [23]
En la década de 1950, mientras estudiaba en Black Mountain College en Asheville, Carolina del Norte, Asawa hizo una serie de esculturas de alambre de crochet en diversas formas abstractas. Asawa sintió que ella y sus compañeros de estudios estaban por delante de la administración en el desarrollo de su propia forma de modernismo en la escultura, probando constantemente cosas nuevas. Comenzó con diseños de cestas y luego exploró formas biomórficas que colgaban del techo. Aprendió la técnica del tejido de alambre durante un viaje para visitar a Josef Albers mientras él estaba de año sabático en Toluca, México , en 1947 , donde los aldeanos usaban una técnica similar para hacer cestas con alambre galvanizado. Ella explicó:
Me interesaba por la economía de una línea, hacer algo en el espacio, encerrarlo sin bloquearlo. Todavía es transparente. Me di cuenta de que si iba a hacer estas formas, que se entrelazan y se entrelazan, sólo se puede hacer con una línea porque una línea puede ir a cualquier parte. [13]
Después de su viaje a México, el profesor de dibujo de Asawa, Ilya Bolotowsky, notó que su interés por el dibujo convencional había sido reemplazado por una fascinación por el uso del alambre como forma de dibujar en el espacio. [21] Sus esculturas de alambre enrollado exploran la relación entre los volúmenes interiores y exteriores, creando, como ella dijo, "una forma que estaba dentro y fuera al mismo tiempo". [24] Se ha descrito que encarnan varios estados materiales: interior y exterior, línea y volumen, pasado y futuro. [25] Asawa dijo: "Fue en 1946 cuando pensé que era moderno. Pero ahora estamos en 2002 y no puedes ser moderno para siempre". mientras desarrollaba su materialidad y técnicas, experimentando con medios manuales de comunicación visual. La experimentación fue clave para encontrar su identidad visual como artista. [23] Si bien su técnica para hacer esculturas se asemeja al tejido, no estudió tejido ni utilizó materiales de fibra. [26] Los materiales importaban. Como estudiante universitario pobre, Asawa adoptó objetos encontrados de bajo costo, como piedras, hojas y palos, porque no tenía los fondos ni el acceso a buen papel. La proximidad y el descubrimiento eran su recurso. [23]
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Las esculturas de alambre de Asawa le dieron prominencia en la década de 1950, cuando su trabajo apareció varias veces en la Bienal de Whitney , en una exposición de 1954 en el Museo de Arte Moderno de San Francisco y en la Bienal de Arte de São Paulo de 1955 . [27] [28]
En 1962, Asawa comenzó a experimentar con esculturas de alambre atado de formas ramificadas arraigadas en la naturaleza, que se volvieron cada vez más geométricas y abstractas a medida que continuaba trabajando en esa forma. [29] Con estas piezas, a veces trataba el alambre galvanizándolo . También experimentó con la galvanoplastia , haciendo pasar la corriente eléctrica en la dirección "incorrecta" para crear efectos de textura. [30] "Ruth se adelantó a su tiempo al comprender cómo las esculturas podían funcionar para definir e interpretar el espacio", dijo Daniell Cornell, curador del Museo de Young en San Francisco. "Este aspecto de su trabajo anticipa gran parte del trabajo de instalación que ha llegado a dominar el arte contemporáneo". [31]
Asawa participó en la beca del Taller de Litografía Tamarind en Los Ángeles en 1965 como artista. En colaboración con los siete grabadores del taller, produjo cincuenta y dos litografías de amigos, familiares (incluidos sus padres, Umakichi y Haru), objetos naturales y plantas. [32]
En la década de 1960, Asawa comenzó a recibir encargos de esculturas de gran escala en espacios públicos y comerciales de San Francisco y otras ciudades. [33] Awasa instaló su primera escultura pública, Andrea (1968), después del anochecer en la plaza Ghirardelli , con la esperanza de crear la impresión de que siempre había estado allí. [34] La escultura representa dos sirenas de bronce fundido en una fuente, una de ellas amamantando a un bebé sirena, chapoteando entre tortugas marinas y ranas. [34] La obra de arte generó mucha controversia sobre la estética, el feminismo y el arte público tras su instalación. [35] Lawrence Halprin , el arquitecto paisajista que diseñó el espacio frente al mar, describió la escultura como un adorno de césped suburbano y exigió la eliminación de la obra de arte. [35] Asawa respondió: "Para los mayores, les traería de vuelta la fantasía de su infancia, y para los jóvenes, les daría algo que recordar cuando envejezcan". [35] Muchos habitantes de San Francisco, especialmente mujeres, apoyaron la escultura de sirena de Asawa y se unieron con éxito detrás de ella para protegerla. [36]
Cerca de Union Square (en Stockton Street, entre las calles Post y Sutter), creó una fuente para la que movilizó a 200 escolares para moldear en masa cientos de imágenes de la ciudad de San Francisco, que luego fueron fundidas en hierro. [13] A lo largo de los años, pasó a diseñar otras fuentes públicas y se hizo conocida en San Francisco como la "dama de la fuente". [13]
El patrimonio del artista está representado por la Galería David Zwirner . [37]
En 2019, su obra Sin título (S.387, Colgando tres capas separadas de formas trilobuladas), de alrededor de 1955, se vendió por 4,1 millones de dólares. Sin título (S.401, Forma entrelazada continua, de siete lóbulos colgantes, con esferas dentro de dos lóbulos), alrededor de 1953-1954, vendido por 5,4 millones de dólares en 2020. [38] [39]
La primera exposición centrada en la práctica de dibujo de toda la vida de Asawa, Ruth Asawa Through Line, se inauguró en el Whitney Museum of American Art, Nueva York, en el otoño de 2023 y viajó a la Colección Menil, Houston, Texas, a principios de 2024. Organizada por ambas instituciones en estrecha colaboración con el patrimonio del artista, esta muestra digna de mención destacó la amplitud de las obras de Asawa en papel, incluidos dibujos, collages, acuarelas y cuadernos de bocetos que produjo como parte de su rutina diaria de dibujo, estableciendo el dibujo. como un hilo continuo a lo largo de la carrera de la artista y crucial para desarrollar sus sensibilidades estéticas distintivas e inventivas. Si bien Asawa ha sido ampliamente celebrada por su trabajo tridimensional durante su vida, "... tenía ganas de seguir adelante con sus dibujos. 'Trabajar con alambre fue una consecuencia de mi interés por el dibujo', insistía a menudo", The New York Times revisión de las notas de la exposición. [40]
Asawa tenía un compromiso apasionado y era un ferviente defensor de la educación artística como una experiencia transformadora y empoderadora, especialmente para los niños. [41] En 1968, fue nombrada miembro de la Comisión de Artes de San Francisco [42] y comenzó a presionar a políticos y fundaciones caritativas para apoyar programas artísticos que beneficiarían a los niños pequeños y a los habitantes promedio de San Francisco. [43] Asawa ayudó a cofundar el Taller de Artes Alvarado para escolares en 1968. [43] A principios de la década de 1970, esto se convirtió en el modelo para el Programa de Artes Vecinales/CETA de la Comisión de Arte utilizando dinero del programa de financiación federal, el Programa Integral de Empleo. y Capacitación (CETA), que se convirtió en un programa replicado a nivel nacional que emplea a artistas de todas las disciplinas para realizar trabajos de servicio público para la ciudad.
El enfoque de Alvarado funcionó para integrar las artes y la jardinería, reflejando la propia educación de Asawa en una granja. Asawa creía en una experiencia práctica para los niños y siguió el enfoque de "aprender haciendo". Asawa creía en el beneficio de que los niños aprendieran de artistas profesionales, algo que adoptó al aprender de artistas en ejercicio en Black Mountain College . El ochenta y cinco por ciento del presupuesto del programa se destinó a la contratación de artistas e intérpretes profesionales para instruir a los estudiantes. [18] A esto le siguió en 1982 la construcción de una escuela secundaria de artes públicas, la Escuela de Artes de San Francisco, [3] que pasó a llamarse Escuela de Artes Ruth Asawa de San Francisco en su honor en 2010. [44] Asawa Pasaría a formar parte del Consejo de las Artes de California, el Fondo Nacional de las Artes en 1976, [42] y de 1989 a 1997 se desempeñó como fideicomisaria de los Museos de Bellas Artes de San Francisco . [42]
Al final de su vida, Asawa reconoció que la educación artística era fundamental para la importancia del trabajo de su vida. [45]
En julio de 1949, Asawa se casó con el arquitecto Albert Lanier, a quien conoció en 1947 en Black Mountain College. [46] La pareja tuvo seis hijos: Xavier (1950), Aiko (1950), Hudson (1952), Adam (1956-2003), Addie (1958) y Paul (1959). [9] Albert Lanier murió en 2008. [9] Asawa creía que "los niños son como plantas. Si los alimentas y los riegas, generalmente crecerán". En el momento de su matrimonio, los matrimonios interraciales eran legales en todos los estados excepto dos, California y Washington. [16] En 1960, la familia se mudó al vecindario Noe Valley de San Francisco , [23] donde estuvo activa durante muchos años en la comunidad. [4]
Asawa murió por causas naturales el 5 de agosto de 2013 en su casa de San Francisco a la edad de 87 años. [9] [47]
Fecha de nacimiento: 24 de enero de 1926, País de nacimiento: Los Ángeles (Norwalk)
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