Renée Stout (nacida en 1958) es una escultora y artista contemporánea estadounidense conocida por sus obras de ensamblaje que tratan sobre su historia personal y su herencia afroamericana . [1] Nacida en Kansas , criada en Pittsburgh , residente en Washington, DC y conectada a través de su arte con Nueva Orleans , su arte refleja este interés en la cultura de la diáspora africana en todo Estados Unidos. Stout fue la primera artista estadounidense en exponer en el Museo Nacional de Arte Africano del Smithsonian . [2]
Stout nació en Junction City , Kansas [3] en una familia que disfrutaba de las actividades creativas. Su madre hacía labores de costura . A su padre, mecánico y trabajador del acero, le gustaba hacer chapuzas. Un tío era pintor de bellas artes. [4]
Cuando Stout tenía un año, su familia regresó al barrio East Liberty en Pittsburgh . [5] De niña, tomó clases de fin de semana en el Museo de Arte Carnegie , a lo que atribuye haberla expuesto al arte africano. En particular, dos objetos del Museo Carnegie la influenciaron profundamente: cabezas reducidas de América del Sur y nkisi . [6] Al escribir sobre su encuentro crucial a la edad de diez años [7] con un nkisi nkondi , "Vi una pieza allí que tenía todos estos clavos... Y creo que una vez que me expuse a más arte africano en mis viajes a medida que crecí, descubrí que comencé a volver a las piezas como esa". [5]
Greene ha señalado que los años de infancia de Stout en Pittsburgh coincidieron con el traslado de Betty Davis allí, y que Stout poseía sus tres discos cuando era adolescente. [8] En una entrevista con Greene, comparó la recepción del trabajo de Betty Davis con la recepción que esperaba para el suyo: "La gente no estaba preparada para ella... Creo que va a pasar lo mismo con mi trabajo: 'Oh, eso es raro...' Y entonces un día, mucho más adelante, cuando tenga ochenta o noventa años, será como, '¡Oh, ahora lo entendemos!' [risas]" [8]
Stout asistió a la Universidad Carnegie-Mellon , donde se formó como pintora fotorrealista en la Escuela de Artes de la CMU. [6] Se graduó con una licenciatura en Bellas Artes en 1980, [5] donde siguió el estilo realista de Edward Hopper y Richard Estes . [4] [9] Luego trabajó como pintora de carteles profesional, exhibiendo su habilidad pintando imágenes convincentes de texturas como vidrio, plástico y cartón. [8]
Después de mudarse a Washington, DC, en 1985, Stout se vio expuesta a la cruda realidad del consumo de drogas y el racismo urbanos, temas que ha incorporado a su obra. [10] [11] Stout también explora su herencia afroamericana en su arte. A través de la diáspora africana , así como del mundo y su entorno inmediato, Stout encuentra la inspiración para crear obras que alientan el autoexamen, el autoempoderamiento y la autocuración, aprovechando los sistemas de creencias de los pueblos africanos y sus descendientes. [10]
Además, Stout utiliza personajes imaginarios para crear una variedad de obras de arte, algunas de las cuales incluyen: pintura, escultura en técnica mixta, fotografía e instalación. [11] Stout ha recibido premios de la Fundación Joan Mitchell, la Fundación Pollock-Krasner y la Fundación Louis Comfort Tiffany , y ha mostrado su trabajo en exposiciones individuales y grupales en todo Estados Unidos, Inglaterra , Rusia y los Países Bajos . [10]
En 1993, Stout fue la primera afroamericana en tener una exposición individual en el Museo Nacional de Arte Africano del Instituto Smithsonian . [6] Su exposición se tituló Los ojos del entendimiento: Kongo Minkisi y el arte de Renee Stout .
Renee Stout fue artista residente en el Tryon Center for Visual Art en Charlotte, Carolina del Norte , en el año 2000. [12] En 2021, fue uno de los jurados de la muestra con jurado de The Phillips Collection , Inside Outside, Upside Down , una muestra que "nos obliga a recordar una época que nos dejó 'confundidos, maltratados y desorientados' a través de los ojos de 64 artistas del área de DC". [13]
La obra de Stout, que combina las costumbres y la cultura callejera afroamericanas con lo teatral y lo carnavalesco, consta de ensamblajes, instalaciones y cuadros hechos a mano, pinturas vibrantes, grabados y fotografías, todo lo cual se emplea en la creación de narrativas complejas que presentan personajes concebidos por la artista. Sus influencias artísticas incluyen la escultura yoruba y los nkisi (objetos sagrados) de la cuenca del Congo en África Central , que vio por primera vez en los Museos Carnegie de Pittsburgh en su juventud. [9]
Otros temas en su trabajo a menudo incluyen el vudú haitiano , el espacio y la cultura de Nueva Orleans y la practicante de vudú criollo Marie Laveau . [14] En una entrevista realizada por la Dra. O en su libro Tales of the Conjure Woman , Stout dice que para abrir las conversaciones, con respecto a la ascendencia de la cultura afroamericana, continuará inspirando sus obras en temas como los sistemas de creencias espirituales de origen africano y el vudú . También admite tener que "ocupar un espacio extraño dentro del mundo del arte, un lugar que tiene más posibilidades, tanto en energía como en espíritu" [1] Tales of the Conjure Woman presenta una interpretación artística del hoodoo y el vudú que desenmascara estas tradiciones misteriosas y duraderas. Canalizando su alter ego, Fatima Mayfield, una herbolaria y adivina ficticia, mira a estas tradiciones culturales como un punto de partida para desarrollar su propio lenguaje visual distintivo, lo que resulta en un cuerpo complejo de trabajo que está meticulosamente construido y cargado de simbolismo.
Las instalaciones escultóricas de Stout a menudo incluyen materiales utilizados en la práctica del vudú. Pociones hechas a mano, raíces y hierbas, objetos encontrados, huesos y plumas se combinan con elementos escultóricos y pintados. Otros aspectos de su obra incluyen análisis de interpretaciones positivas y negativas de la sangre, el fuego y las armas. Se pueden ver ejemplos de esto en Bellona (Roman Goddess of War), Baby's First Gun y Arsenal for The Fire Next Time. [15] [16]
La obra de Stout también sugiere un grupo diverso de artistas estadounidenses como influencias: el pintor fotorrealista Richard Estes, el escultor Joseph Cornell, el artista de instalaciones Edward Kienholz y la artista de ensamblajes Betye Saar. Su impacto es evidente en el uso que hace Stout de la pintura trampantojo, los cuadros con objetos encontrados y las formas mecánicas y totémicas hechas a mano. La experiencia temprana de Stout como pintor profesional de carteles y su interés constante en la señalización comercial hecha a mano también se reflejan en varias piezas.
Stout ha participado en una gran cantidad de exposiciones individuales en los Estados Unidos e internacionalmente. Sus exposiciones individuales notables incluyen Astonishment and Power: Kongo Minkisi and the Art of Renée Stout (1993), Smithsonian American Art Museum , Smithsonian Institution , Washington, DC ; Ranting in the Night Studio (2003), The Morgan Gallery, Kansas City, Missouri ; Readers, Advisors, and Storefront Churches (2005), Ogden Museum of Southern Art , Nueva Orleans ; Renée Stout: Tales of the Conjure Woman (2013-2016), originada en el Halsey Institute of Contemporary Art , Charleston, Carolina del Sur ; y Renée Stout: Between Two Worlds (2017), Sean Scully Studio, Nueva York . [17]
Andrea Barnwell Brownlee participó en una de las exposiciones de instalación más grandes de Renee Stout, The Thinking Room (2005), y en un libro, Renee Stout: Tales of the Conjure Woman , que "reúne más de sesenta obras recientes y atrae a los espectadores a una red dinámica, compleja y rica en texturas. Esta exposición de cuentos ficticios e ingenio valiente ofrece una oportunidad rara y especial para que los espectadores exploren las tradiciones míticas, populares y espirituales que informan y dan forma a la compleja visión del mundo de Stout y suspenden temporalmente la incredulidad" [1]. Posteriormente, estas obras se convirtieron en el tema de la exposición itinerante Tales of the Conjure Woman (2013-2016), que se originó en el Halsey Institute of Contemporary Art. [18]
También ha participado en numerosas exposiciones y muestras colectivas, entre ellas Afro-Atlantic Histories , [17] y Spirit in the Land , una muestra itinerante y publicación complementaria organizada por el Museo de Arte Nasher de la Universidad de Duke, Carolina del Norte, en 2023, y expuesta en el Museo de Arte Pérez de Miami , Florida en 2024. [19] [20]