La Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne (Exposición Internacional de las Artes y las Técnicas en la Vida Moderna) se celebró del 25 de mayo al 25 de noviembre de 1937 en París , Francia . Tanto el Palacio de Chaillot , que alberga el Museo del Hombre , [1] como el Palacio de Tokio , que alberga el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París , fueron creados para esta exposición que fue oficialmente sancionada por la Oficina Internacional de Exposiciones . Un tercer edificio, el Palacio de Iéna , que alberga el Museo permanente de Obras Públicas, que originalmente iba a estar entre los nuevos museos creados en la colina de Chaillot con motivo de la Exposición, no se construyó hasta enero de 1937 y se inauguró en marzo de 1939. [2]
En un principio, el elemento central de la exposición iba a ser una torre de 700 metros de altura (el « Phare du Monde ») que tendría una carretera en espiral que conducía a un aparcamiento situado en la parte superior y a un hotel y restaurante situados encima. La idea se abandonó porque era demasiado cara. [3]
El pabellón finlandés fue diseñado por Alvar Aalto , tras un concurso abierto de arquitectura celebrado en 1936, en el que había ganado tanto el primer como el segundo premio; la propuesta ganadora, "Le bois est en marche", sirvió de base para el pabellón tal como se construyó. Finlandia había contado con un terreno difícil, con pendiente y arbolado, cerca del Trocadero , algo que Aalto supo aprovechar para crear una planta que presentaba una cadena irregular de volúmenes unidos en una especie de collage, con pabellones cúbicos pequeños y abiertos junto con dos salas de exposiciones más grandes. [4] Todo el complejo se curvaba alrededor de un jardín sombreado con toques japoneses. El pabellón también era un anuncio del principal producto de exportación de Finlandia, la madera, ya que el edificio estaba construido íntegramente con madera. La historiadora de arquitectura francesa Fabienne Chevallier ha argumentado que en ese momento los críticos franceses estaban desconcertados por el edificio de Aalto porque, aunque estaba construido de madera (y por lo tanto respaldaba una imagen de lo que ellos percibían que era Finlandia), no estaban preparados para el vanguardismo de Aalto. [5]
En un principio, Canadá no había planeado participar en la exposición por razones de costes. En febrero de 1936, en una fiesta en Ottawa, Raymond Brugère , el ministro plenipotenciario francés, presionó al primer ministro William Lyon Mackenzie King y a su lugarteniente quebequense Ernest Lapointe sobre la participación de Canadá en la Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne , diciendo que deseaba mucho que Canadá tuviera un pabellón. [6] King dudó, diciendo que no sabía si su gobierno podía afrontar el coste de construir un pabellón, pero Brugère le obligó a hacerlo enviando un telegrama a París, diciendo que Canadá participaría, lo que llevó a que se hiciera un anuncio en París. [6]
En línea con el plan maestro arquitectónico del maestro arquitecto Jacques Gréber al pie de la Torre Eiffel , e inspirado en la forma de un elevador de granos , el pabellón canadiense incluyó la escultura de búfalo de 28 pies de Joseph-Émile Brunet (1937) y El romance del níquel de Charles Comfort . [7] Las pinturas de Brunet, los paneles esculpidos en el exterior de la estructura y varios stands temáticos dentro del pabellón canadiense representaban aspectos de la cultura canadiense. [8]
El pabellón de Noruega fue diseñado por Knut Knutsen , Arne Korsmo y Ole Lind Schistad . [9] Incluía el tapiz Etiopía de Hannah Rygen . [10]
El pabellón español fue organizado por el presidente de la República Española y construido por el arquitecto español Josep Lluis Sert . Atrajo especial atención porque la exposición tuvo lugar durante la Guerra Civil Española . [11] El pabellón incluía el Guernica de Pablo Picasso , la ahora famosa representación de los horrores de la guerra, [12] así como la escultura Fuente de Mercurio de Alexander Calder y la pintura Campesino catalán en rebelión de Joan Miró . [13]
Otros dos pabellones notables fueron los de la Alemania nazi y la Unión Soviética . La organización de la exposición mundial había colocado los pabellones alemán y soviético directamente uno frente al otro. [14] Hitler había deseado retirarse de la participación, pero su arquitecto Albert Speer lo convenció de participar, mostrándole sus planes para el pabellón alemán. Speer reveló más tarde en sus autobiografías que, después de haber visto clandestinamente los planos para el pabellón soviético, diseñó el pabellón alemán para que representara un baluarte contra el comunismo .
La preparación y construcción de las exposiciones se vio afectada por los retrasos. El día de la inauguración, sólo se habían terminado los pabellones alemán y soviético. Esto, así como el hecho de que ambos pabellones estuvieran enfrentados, convirtió la exposición en una competición entre dos grandes rivales ideológicos.
El pabellón de Speer estaba coronado por una alta torre coronada con los símbolos del estado nazi: un águila y la esvástica . El pabellón fue concebido como un monumento al "orgullo y los logros alemanes". Se trataba de transmitir al mundo que una nueva y poderosa Alemania había recuperado el sentido del orgullo nacional. Por la noche, el pabellón estaba iluminado por reflectores. La escultura Camaradería de Josef Thorak se encontraba fuera del pabellón, representando a dos enormes hombres desnudos, agarrados de la mano y de pie desafiantes uno al lado del otro, en una pose de defensa mutua y "camaradería racial". [14] La televisión se mostró como una novedad en el pabellón alemán.
El arquitecto del pabellón soviético fue Boris Iofan . Vera Mukhina diseñó la gran escultura figurativa del pabellón. El gran edificio estaba coronado por el Obrero y la Mujer del Koljosiano , una gran estatua que ejercía impulso, de un trabajador y una campesina, con las manos juntas, empuñando una hoz y un martillo. La estatua pretendía simbolizar la unión de los trabajadores y los campesinos. [14]
Italia competía por atraer la atención entre la Alemania nazi y la Unión Soviética, que se presentaban como grandes (y opuestas) fuerzas a tener en cuenta. Italia era la dictadura benévola: soleada, abierta y mediterránea, fundada en la disciplina, el orden y la unidad. Marcello Piacentini fue el encargado de diseñar el exterior del pabellón. Utilizó una estructura moderna de hormigón armado combinada con elementos tradicionales como columnatas, terrazas, patios y galerías, la forma de la torre, ritmos clásicos y el uso de mármol y estuco mediterráneos. El pabellón estaba situado bajo la torre Eiffel y miraba hacia el Sena, hacia la parte principal del recinto de la Exposición.
Giuseppe Pagano fue el responsable de la coordinación general de las exposiciones y fue el primer impacto al entrar en el edificio, su gran patio con jardín y su salón de honor. La entrada principal se realizó a través del Patio de Honor, que exhibía ejemplos a tamaño natural de la contribución más importante de Italia a la historia de la tecnología. La Victoria del Aire de Arturo Martini presidía el espacio, su forma de bronce oscuro se destacaba contra un fondo aparentemente infinito de mosaicos venecianos de color gris azulado. Desde allí, los visitantes podían visitar las Exposiciones Coloniales de Mario Sironi y la Galería de Turismo antes de disfrutar de un plato de espaguetis auténticos en la terraza del restaurante. El patio con jardín fue diseñado como un respiro de las exposiciones con una sinfonía de césped verde y azulejos esmaltados de color verde contra flores rojas y pórfido burdeos.
El Salón de Honor era el espacio más dramático y evocador del pabellón. También "reutilizaba" una obra de arte existente: el mosaico Italia corporativa (obra fascista) de Mario Sironi de la Trienal de 1936, que ya se había completado con numerosas figuras dedicadas a diferentes tipos de trabajo y la figura del águila imperial romana volando desde el lado derecho. La obra de 8 m x 12 m se alzaba sobre el espacio de dos pisos que ocupaba la parte superior de la torre del pabellón, lo que la convertía en la pieza central del programa decorativo y propagandístico del pabellón. La figura entronizada de Italia representaba el corporativismo, la política económica del fascismo italiano. La sala era una celebración de todos esos aspectos de la sociedad fascista en los que Pagano creía de todo corazón: la armonía social, la participación del gobierno para generar innovación industrial y el apoyo a los artistas, profesionales y artesanos, así como a los trabajadores. Aquí Pagano tuvo la alegría de trabajar junto a cinco artistas diferentes y colocar los materiales industriales más nuevos de Italia, como el linóleo y el Termolux (vidrio irrompible), junto a una suntuosa lámpara de araña de Murano y mármol ámbar. [15]
Gran Bretaña no esperaba una exposición tan competitiva, y su presupuesto previsto era sólo una pequeña fracción del de Alemania. [16] Frank Pick , presidente del Consejo de Arte e Industria, nombró a Oliver Hill como arquitecto, pero le dijo que evitara el modernismo y se centrara en las artesanías tradicionales. [17] El principal elemento arquitectónico del pabellón de Hill era una gran caja blanca, decorada externamente con un friso pintado por John Skeaping e internamente con figuras fotográficas gigantes que incluían a Neville Chamberlain pescando. Su contenido eran objetos de artesanía organizados según palabras inglesas que se habían convertido en préstamos del francés, como "sport" y "weekend", e incluía algunos artículos del renombrado alfarero William Worrall . Hubo considerables críticas británicas de que el resultado no era representativo de Gran Bretaña y se comparaba mal con las proyecciones de fuerza nacional de los otros pabellones. [16]
El Pavillon des Temps Nouveaux (Pabellón de los Nuevos Tiempos) fue un pabellón de lona diseñado por Le Corbusier y Pierre Jeanneret . En 1932, Le Corbusier escuchó el anuncio de la propuesta de la Expo e inmediatamente emitió una ambiciosa contrapropuesta. Cuando la financiación para su proyecto no se materializó, ofreció varias versiones a menor escala, ninguna de las cuales atrajo la financiación necesaria. Finalmente, a Le Corbusier se le ofreció un presupuesto de 500.000 FF con el que construyó un pabellón de lona lleno de material didáctico que promovía su visión utópica del urbanismo del futuro. [18]
Tras el cierre de la exposición de París, la escultura Obrera y koljosiana fue trasladada a la entrada del Centro Panruso de Exposiciones de Moscú, donde se encontraba sobre una plataforma elevada. La escultura fue retirada para su restauración en 2003, con la intención de que estuviera terminada en 2005. Sin embargo, debido a problemas financieros, la restauración se retrasó. El 28 de noviembre de 2009, la escultura fue terminada y devuelta a su lugar frente al VDNKh. El 4 de diciembre de 2009, la escultura fue descubierta en la estructura del pabellón recreado. [28]
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