El Ellen Phillips Samuel Memorial es un jardín de esculturas ubicado en el parque Fairmount en Filadelfia , Pensilvania, Estados Unidos. El jardín, ubicado a lo largo de la orilla izquierda del río Schuylkill entre Boathouse Row y el puente Girard Avenue , fue establecido por la Fairmount Park Art Association (ahora la Association for Public Art ) e inaugurado en 1961.
La idea de una serie de esculturas surgió de Ellen Phillips Samuel, una filántropa que dejó una importante cantidad de dinero a la asociación de arte en su testamento, con la condición de que se utilizara para erigir esculturas públicas que representaran la historia de los Estados Unidos. Tras la muerte de Ellen en 1913 y de su marido varios años después, la asociación organizó un comité para supervisar la creación de estos monumentos, y el arquitecto Paul Philippe Cret desarrolló un plan para tres terrazas conectadas con temas distintos representados por las esculturas presentes en ellas. Para seleccionar a los escultores para el monumento, la asociación organizó tres exposiciones de arte internacionales celebradas en el Museo de Arte de Filadelfia en 1933, 1940 y 1949, que atrajeron a cientos de escultores y vieron una asistencia de cientos de miles. La escultura final se erigió en 1960 y el monumento se inauguró al año siguiente.
El monumento ha recibido críticas generalmente mixtas o negativas de los críticos de arte, y muchos critican la relación entre las esculturas y la arquitectura circundante. Por ejemplo, en una reseña del monumento, el arquitecto Alfred Bendiner elogió la arquitectura, pero calificó la elección de esculturas como "una colección sumamente irritante de ejemplos poco interesantes del trabajo de hombres y mujeres destacados, la mayoría de los cuales han hecho mucho mejor en otros lugares". Penny Balkin Bach, directora ejecutiva de la asociación de arte, ha declarado que el monumento es "tanto un monumento a la confusión sobre lo que constituye el arte público moderno" como un monumento en honor a Samuel. Otras críticas se han centrado en la representación eurocéntrica que el monumento hace de la historia estadounidense.
Nacida el 4 de marzo de 1849, [1] Ellen Phillips Samuel era miembro de una prominente familia de Filadelfia, siendo su padre un miembro distinguido del colegio de abogados local y su tío, Henry Myer Phillips , miembro de la Cámara de Representantes de los Estados Unidos . [2] De adulta, fue miembro activo de la Fairmount Park Art Association , una organización de arte público privada sin fines de lucro en la ciudad. [1] [nota 1] A su muerte en 1913, legó gran parte de su patrimonio a la asociación de arte, especificando que los ingresos obtenidos de ella se utilizarían para erigir esculturas públicas que fueran "emblemáticas de la historia de Estados Unidos , abarcando en el tiempo desde los primeros colonos de Estados Unidos hasta la era actual". [4] En ese momento, se informó que el legado fue uno de los más grandes de su tipo, [1] [5] ascendiendo a más de $ 500,000 (equivalente a $ 15,41 millones en 2023). [6] [nota 2] En 1969, aparte del monumento estipulado en su testamento , la asociación de arte erigió una fuente en la Plaza John F. Kennedy en su honor. [9] [10]
Según el arquitecto Alfred Bendiner , Samuel se había inspirado en un canal bordeado de estatuas que había visitado en Padua y esperaba emularlo con una hilera de estatuas a lo largo del río Schuylkill , en un tramo de tierra de 2000 pies (610 m) desde Boathouse Row hasta el puente Girard Avenue , [11] [8] cerca del cementerio Laurel Hill . [5] Como resultado, después de su muerte, su viudo J. Bunford Samuel encargó al escultor islandés Einar Jónsson que creara una escultura de Thorfinn Karlsefni , uno de los primeros exploradores europeos de América del Norte. [4] La escultura se erigió cerca del Sedgeley Club a lo largo del río Schuylkill en Fairmount Park , [12] de acuerdo con el testamento de Samuel, que estipulaba que la ubicación de los monumentos estaría en el parque a lo largo de East River Drive. [nota 3] Bunford esperaba que la estatua fuera la primera parte del monumento, que consistiría en una serie de 20 estatuas de individuos de la historia estadounidense organizadas a lo largo de la orilla izquierda del río en incrementos de 200 pies (61 m). [11] [4] Algunos en la comunidad artística local criticaron a Bunford por su selección de un escultor no estadounidense para el proyecto y, según Bendiner, hubo esfuerzos para evitar que la estatua se erigiera en el parque. [11] Después de la erección de la estatua, Bunford abandonó cualquier plan de encargar más arte, aunque mantuvo la esperanza de que la idea general de una fila de estatuas eventualmente se ejecutaría. [11] Sin embargo, este plan no se haría realidad. [4]
En 1929, tras la muerte de Bunford, [nota 4] los fondos quedaron completamente disponibles para la asociación de arte, [1] [13] aunque los planes para el monumento no se llevaron a cabo hasta la Gran Depresión . [11] Después de esto, la asociación creó un comité para supervisar la construcción de estos nuevos monumentos, [1] con los miembros elegidos por el presidente de la asociación Eli Kirk Price II . [14] Este comité, compuesto predominantemente por hombres jóvenes, [14] rechazó los planes de Bunford para una fila de estatuas realistas y en su lugar optó por esculturas más abstractas que resaltaran la "expresión de las ideas, las motivaciones, las fuerzas espirituales y los anhelos que han creado Estados Unidos". [15] El comité contrató a Paul Philippe Cret , [16] profesor de arquitectura en la Universidad de Pensilvania , quien creó un diseño general para el monumento, que constaría de tres terrazas conectadas a lo largo del río Schuylkill, justo al sur del puente de Girard Avenue, que albergaría varias esculturas. [17] [1] La terraza sur representaría la fundación de los Estados Unidos como una república democrática y el asentamiento de la Costa Este , la terraza central representaría la expansión hacia el oeste , el fin de la esclavitud y la inmigración , y la terraza norte representaría los valores más esotéricos que definieron al país. [17] [1] Como parte del diseño, Cret diseñó gran parte de la arquitectura general del monumento, incluidas las exedras . [18] En enero de 1933, el comité se reunió y aprobó un plan general para el desarrollo del monumento que permitiría a los escultores tener un gran grado de libertad en su interpretación de los temas. [14] El comité también decidió una serie de citas que se inscribirían en la arquitectura del monumento. [14]
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Al seleccionar a los escultores que crearían arte para el monumento, Samuel había pedido a la asociación de arte que publicara solicitudes en periódicos de todo el mundo, ofreciendo cubrir los costos de envío. [17] Buscando honrar sus deseos, el comité envió solicitudes a escultores de todo el mundo para que presentaran diseños para el monumento y se ofreció a pagar el transporte de obras seleccionadas. [17] La asociación de arte se asoció con el Museo de Arte de Filadelfia y la Alianza de Arte de Filadelfia para realizar una exposición de arte internacional en el museo llamada Sculpture International, que se desarrolló desde mayo hasta septiembre de 1933. [17] La exposición presentó 364 obras de 105 artistas de Estados Unidos, Inglaterra, Francia, Alemania , Rumania , Rusia y España . [17] Fue cubierta por periódicos de todo el país, y muchos la llamaron una de las exposiciones de esculturas más grandes en la historia del país, y el museo vio duplicarse su asistencia. [17] Según Robert Sturgis Ingersoll , miembro del comité , el curador del museo Henri Gabriel Marceau fue la "bujía impulsora del esfuerzo" que lideró los esfuerzos organizativos para esta y todas las futuras Internacionales de Escultura. [19]
El Public Ledger de Filadelfia realizó una encuesta entre los lectores , en la que los votantes seleccionaron las obras de Walker Hancock , Carl Milles , Harry Rosin, Alexander Stirling Calder , William Zorach y Albert Laessle como las mejores. [20] Sin embargo, el comité seleccionó a John Bernard Flannagan , Wallace Kelly, Hélène Sardeau (la única mujer seleccionada por el comité) [5] y Heinz Warneke para crear esculturas de piedra caliza , mientras que Robert Laurent y Gaston Lachaise (posteriormente reemplazado por Maurice Sterne ) diseñarían esculturas de bronce . [21] [nota 5] Estas esculturas se instalarían en la terraza central. [1] Otros escultores notables que participaron en la Escultura Internacional de 1933 incluyen a Alexander Archipenko , Jacques Lipchitz , Aristide Maillol , Henri Matisse e Isamu Noguchi . [21]
A mediados de 1940, el comité celebró otra Exposición Internacional de Escultura, aunque el reciente estallido de la Segunda Guerra Mundial impidió que muchos artistas extranjeros asistieran. [21] En cambio, muchas de las obras de artistas extranjeros en exhibición en la exposición fueron prestadas por otros museos estadounidenses y coleccionistas privados, mientras que muchas esculturas estadounidenses fueron prestadas por el Museo Whitney de Arte Estadounidense o el gobierno federal de los Estados Unidos . [21] En ese momento, el gobierno tenía varias agencias del New Deal que empleaban directamente a los artistas, incluida la Sección de Bellas Artes del Departamento del Tesoro de los Estados Unidos y el Proyecto de Arte Federal de la Administración de Proyectos de Trabajo (WPA). [21] La exposición se inauguró el 18 de mayo con 431 obras en exhibición y 90 guías turísticos de la WPA que guiaban a los visitantes por la exposición. [21] [25]
A diferencia de la exposición de 1933, el arte presentado en esta Escultura Internacional mostró una gran diversidad en material, composición y estilo. [21] Debido tanto a la escasez de materiales y las dificultades financieras de la guerra, como a los nuevos enfoques de la escultura, como el tallado directo , los materiales presentados en las esculturas de la exposición incluyeron aluminio , hierro fundido , cemento , piedra de campo , acero inoxidable y madera, entre otros. [21] La exposición también presentó una serie de piezas de arte cinético , incluidos dos grandes móviles de Calder y una escultura giratoria de Constantin Brâncuși exhibida cerca de la entrada del museo. [21] Los críticos de arte cuestionaron la clasificación de varias de las obras como arte , y hubo un debate entre los artistas presentes sobre el valor del arte abstracto sobre representaciones más realistas. [21] Al final, el comité seleccionó a Erwin Frey , Henry Kreis , Rosin y Wheeler Williams para crear obras para la terraza sur. [21] A estos seis se les otorgaron comisiones de $10,000 cada uno, [25] y en total, los escultores seleccionados de estos dos Sculpture Internationals recibieron comisiones de $94,000. [26]
Con la entrada de los Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial en 1941, el trabajo en el monumento cesó en gran medida durante los siguientes años. [27] [28] Sin embargo, tras la conclusión de la Segunda Guerra Mundial en 1945, se celebró otra Escultura Internacional en 1949. [27] La exposición contó con 252 exhibiciones y asistieron más de un cuarto de millón de personas. [27] La revista Life llamó a la exposición "la muestra de esculturas más grande del mundo" y publicó una famosa imagen de 70 de los escultores cuyas obras estaban en exhibición. [27] Según el escultor Jo Davidson , que estuvo presente, "Nunca antes se habían limpiado y reunido a tantos escultores en un solo lugar". [27] Esta fue la primera de las Esculturas Internacionales donde se vendieron piezas, y la asociación de arte compró varias otras obras que luego instalarían por la ciudad. [27] De esta exposición, el comité seleccionó a Ahron Ben-Shmuel , Jose de Creeft , Koren der Harootian y Waldemar Raemisch para diseñar obras de piedra para la terraza norte, mientras que Lipchitz y Jacob Epstein fueron seleccionados para elaborar esculturas de bronce. [27] [nota 6] Casi todos los artistas seleccionados nacieron o vivían fuera de los Estados Unidos, lo que llevó al miembro del comité Ingersoll a llamar al grupo "una Liga de Naciones artística ". [27]
En 1960, la obra de bronce de Lipchitz se colocó en la terraza norte, marcando la última pieza instalada en el monumento. [19] El año siguiente, el monumento fue inaugurado formalmente. [1] Una placa conmemorativa colocada en la estructura dice: [29]
Monumento a Ellen Phillips Samuel 1957
Escultores, arquitectos y fideicomisarios de la Asociación de Arte de Fairmount Park, bajo cuya dirección participaron en la creación de 'La Historia Emblemática de los Estados Unidos'.
En 1985, Stone Age in America , una estatua de John J. Boyle , fue reubicada de la mansión Sweetbriar a una ubicación justo al sur del monumento donde, según la Asociación de Arte Público (aPA), "amplía la evocación escultórica del monumento de la historia estadounidense". [1] Al año siguiente, la obra de bronce de Jacques Lipchitz, The Spirit of Enterprise , fue reubicada de la terraza norte del monumento a la terraza central para aumentar su visibilidad para el público. [1] En 2018, la estatua de Thorfinn Karlsefni fue removida de su pedestal por vándalos que empujaron el monumento al río Schuylkill. [30] Esto ocurrió durante un período de tiempo en el que los Keystone State Skinheads habían estado usando la estatua como lugar de reunión. [30] La estatua fue recuperada más tarde por la aPA y, a partir de 2023, está almacenada. [30] En 2023, la aPA anunció la instalación de una exposición temporal, Steel Bodies , de la escultora Maren Hassinger , que se exhibiría del 12 de junio al 12 de noviembre. [31] La exposición, que consta de diez esculturas de acero, es la primera exposición de arte contemporáneo que se realiza en el monumento y, según la aPA, es parte del "compromiso de la asociación de reanimar, reimaginar y reinterpretar el sitio histórico dentro de un contexto contemporáneo". [31]
En cuanto al estilo general del monumento, Penny Balkin Bach, directora ejecutiva de la Asociación de Arte del Parque Fairmount, [61] afirmó en un libro de 1992 que "el monumento a Samuel es emblemático de ese período de agitación y transición en el que los artistas y los mecenas buscaban nuevas formas y significados en un mundo cada vez más volátil". [62] En una publicación de 1976, la asociación de arte afirmó que el monumento "[representa] una amplia variedad de expresiones artísticas", con un estilo general típico del "utilizado en los proyectos federales en la década de 1930". [63]
Entre los críticos de arte, el monumento ha recibido críticas mayoritariamente mixtas o negativas. Dorothy Grafly, hija del escultor Charles Grafly , fue muy crítica con el monumento, [25] calificando de defectuosa la relación entre la arquitectura y la escultura y diciendo que "[el monumento] puede reclamar el dudoso honor de haber perpetrado una de las principales atrocidades del arte contemporáneo de Estados Unidos". [26] En un libro de 1974, Ingersoll dio una crítica mixta del monumento, diciendo que "[c]iertas de las piezas son verdaderas obras maestras, y hay pocas mediocridades", [19] aunque criticó la selección de artistas del monumento para la terraza sur, calificando sus obras de "notablemente estáticas y serias, tal vez demasiado serias, carentes de cualquier toque romántico". [64] En un libro de 1976, Bendiner dijo que el diseño general de Cret para el monumento era "mentalmente sólido" y algo que "podría haber sido encantador", pero calificó la elección general de la escultura como "una colección sumamente irritante de ejemplos poco interesantes del trabajo de hombres y mujeres destacados, la mayoría de los cuales lo han hecho mucho mejor en otros lugares". [65] En un libro de 1992, Bach afirmó que cuando se inauguró el monumento era "tanto un monumento a la confusión sobre lo que constituía el arte público moderno como un tributo a la generosidad sin precedentes de la Sra. Samuel". [4] Bach afirmó que el diseño arquitectónico general del sitio limitaba la capacidad de los escultores para crear piezas para el monumento y calificó la elección general de la escultura como "inquietante". [66] Sin embargo, también elogió The Spirit of Enterprise , calificándola como la "obra más poderosa y exitosa" del monumento. [62]
Según la aPA, el monumento presenta "una visión estrecha de la historia de Estados Unidos, ya que carece de una perspectiva indígena auténtica; presenta a una persona negra esclavizada y encadenada, y destaca principalmente a los inmigrantes europeos blancos ". [13] Susan Myers, miembro de la aPA y directora de proyectos de la exposición Steel Bodies , afirmó lo siguiente con respecto al monumento: "Como cualquier tipo de monumento que habla de la historia emblemática de Estados Unidos, es complicado. Por lo general, se presenta desde una perspectiva. Eso puede llevar a algunos problemas de representación". [13] Un artículo de 2023 de la crítica cultural Rosa Cartagena en The Philadelphia Inquirer afirmó que el monumento no reflejaba con precisión el papel de los " estadounidenses negros , las personas de color y las mujeres" en la historia estadounidense, [67] mientras que el crítico cultural Peter Crimmins de WHYY.org se refirió al monumento como "problemático", llamando especialmente la atención sobre cómo El esclavo es la única estatua en el jardín que representa a una persona africana y cómo Settle the Seaboard "sugiere una falsa complicidad de los pueblos indígenas con respecto a la expansión hacia el oeste de la nueva nación estadounidense". [13] Un artículo de 2023 en PhillyVoice.com también destacó la falta de diversidad entre los sujetos de las esculturas y los escultores, y señaló que Hassinger era el único artista negro que exhibía su trabajo en el sitio. [68]
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