Masaccio ( nacido como Tommaso di Ser Giovanni di Simone , 21 de diciembre de 1401 - verano de 1428) fue un artista florentino considerado el primer gran pintor italiano del período Quattrocento del Renacimiento italiano. Según Vasari, Masaccio fue el mejor pintor de su generación debido a su habilidad para imitar la naturaleza , recreando figuras y movimientos realistas , así como un convincente sentido de la tridimensionalidad . [ 4 ] Empleó desnudos y escorzos en sus figuras. Esto rara vez se había hecho antes de él. [5]
El nombre Masaccio es una versión humorística de Maso (abreviatura de Tommaso), que significa "Tom el torpe" o "desordenado". Es posible que el nombre se haya creado para distinguirlo de su principal colaborador, también llamado Maso, que llegó a ser conocido como Masolino ("Tom el pequeño/delicado").
A pesar de su breve carrera, ejerció una profunda influencia en otros artistas y se considera que inició el Renacimiento italiano temprano en la pintura con sus obras de mediados y finales de la década de 1420. Fue uno de los primeros en utilizar la perspectiva lineal en su pintura, empleando por primera vez técnicas como el punto de fuga en el arte. Se alejó del estilo gótico internacional y la ornamentación elaborada de artistas como Gentile da Fabriano para adoptar un modo más naturalista que empleaba la perspectiva y el claroscuro para lograr un mayor realismo .
Masaccio murió a la edad de veintiséis años y se sabe poco sobre las circunstancias exactas de su muerte. [6] Al enterarse de la muerte de Masaccio, Filippo Brunelleschi dijo: "Hemos sufrido una gran pérdida". [5]
Masaccio nació en Castel San Giovanni di Altura, hoy San Giovanni Valdarno (hoy parte de la provincia de Arezzo , Toscana ), hijo de Giovanni di Simone Cassai y Jacopa di Martinozzo. [7] Su padre era notario y su madre hija de un posadero de Barberino di Mugello , una ciudad a pocos kilómetros al norte de Florencia . Su apellido, Cassai, proviene del oficio de su abuelo paterno Simone y su tío abuelo Lorenzo, que eran carpinteros/ebanistas ( casse , de ahí cassai ). El padre de Masaccio murió en 1406, cuando tenía solo cinco años; más tarde ese mismo año nació un hermano, llamado Giovanni (1406-1486) en honor a su padre. También se convertiría en pintor, con el apodo de Lo Scheggia que significa "la astilla". [8] En 1412 Monna Jacopa se casó con un anciano boticario , Tedesco di maestro Feo, que ya tenía varias hijas, una de las cuales creció y se casó con el único otro pintor documentado de Castel San Giovanni, Mariotto di Cristofano (1393-1457).
No hay evidencia de la educación artística de Masaccio; [9] sin embargo, los pintores del Renacimiento tradicionalmente comenzaban un aprendizaje con un maestro establecido alrededor de los 12 años. Masaccio probablemente habría tenido que mudarse a Florencia para recibir su formación, pero no fue documentado en la ciudad hasta que se unió al gremio de pintores (el Arte de' Medici e Speziali) como maestro independiente el 7 de enero de 1422, firmando como "Masus S. Johannis Simonis pictor populi S. Nicholae de Florentia".
Las primeras obras atribuidas a Masaccio son el Tríptico de San Giovenale (1422), ahora en el Museo de Arte Sacro Masaccio en Cascia [10] di Reggello cerca de Florencia, y la Virgen con el Niño y Santa Ana (Sant'Anna Metterza) (c. 1424) en los Uffizi .
El retablo de San Giovenale fue descubierto en 1961 en la iglesia de San Giovenale en Cascia di Reggello, muy cerca de la ciudad natal de Masaccio. Representa a la Virgen y el Niño con ángeles en el panel central, a los santos Bartolomé y Blas en el panel izquierdo, y a los santos Juvenal (es decir, San Giovenale) y Antonio Abad en el panel derecho. La pintura ha perdido gran parte de su marco original y su superficie está muy desgastada. [11] Sin embargo, la preocupación de Masaccio por sugerir tridimensionalidad a través de figuras volumétricas y formas escorzadas es evidente y se presenta como un renacimiento del enfoque de Giotto , más que como una continuación de las tendencias contemporáneas.
La segunda obra fue quizás la primera colaboración de Masaccio con el artista más viejo y ya famoso, Masolino da Panicale (1383/4–c. 1436). Las circunstancias de la colaboración de los dos artistas no están claras; dado que Masolino era considerablemente mayor, parece probable que tomara a Masaccio bajo su protección, pero la división de manos en la Virgen y el Niño con Santa Ana es tan marcada que es difícil ver al artista mayor como la figura dominante en este encargo. [12] Se cree que Masolino pintó la figura de Santa Ana y los ángeles que sostienen el paño de honor detrás de ella, mientras que Masaccio pintó la más importante Virgen y el Niño en su trono. Las figuras de Masolino son delicadas, gráciles y algo planas, mientras que las de Masaccio son sólidas y robustas.
En Florencia, Masaccio pudo estudiar las obras de Giotto y entablar amistad con Brunelleschi y Donatello . Según Vasari , por iniciativa de ellos, en 1423, Masaccio viajó a Roma con Masolino: a partir de ese momento se liberó de toda influencia gótica y bizantina , como se puede ver en su retablo para la iglesia del Carmelo de Pisa . Las huellas de influencias del arte romano y griego antiguo que están presentes en algunas de las obras de Masaccio presumiblemente se originaron en este viaje: también deberían haber estado presentes en una Sagra perdida (hoy conocida a través de algunos dibujos, incluido uno de Miguel Ángel ), un fresco encargado para la ceremonia de consagración de la iglesia de Santa María del Carmine en Florencia (19 de abril de 1422). Fue destruido cuando se reconstruyó el claustro de la iglesia a fines del siglo XVI.
En 1424, el "duo preciso e noto" ("dúo conocido") de Masaccio y Masolino recibió el encargo del poderoso y rico Felice Brancacci de ejecutar un ciclo de frescos para la Capilla Brancacci en la iglesia de Santa Maria del Carmine en Florencia. Con los dos artistas probablemente trabajando simultáneamente, la pintura comenzó alrededor de 1425, pero por razones desconocidas la capilla quedó inacabada y fue completada por Filippino Lippi en la década de 1480. La iconografía de la decoración del fresco es algo inusual; mientras que la mayoría de los frescos representan la vida de San Pedro, dos escenas, a cada lado del umbral del espacio de la capilla, representan la tentación y expulsión de Adán y Eva. En conjunto, los frescos cuentan la vida de San Pedro como si fuera la historia de la salvación. [13] El estilo de las escenas de Masaccio muestra la influencia de Giotto especialmente. Las figuras son grandes, pesadas y sólidas; las emociones se expresan a través de rostros y gestos; Y en todas las pinturas se percibe una fuerte impresión de naturalismo. Sin embargo, a diferencia de Giotto, Masaccio utiliza una perspectiva lineal y atmosférica, luz direccional y claroscuro , que es la representación de la forma a través de la luz y el color sin contornos. Como resultado, sus frescos son aún más convincentemente realistas que los de su predecesor del Trecento.
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La expulsión del jardín del Edén representa a Adán y Eva angustiados , expulsados del jardín por un ángel amenazador. Adán se cubre todo el rostro para expresar su vergüenza, mientras que Eva se cubre los pechos y la ingle. El fresco tuvo una enorme influencia en Miguel Ángel y su obra. Otra obra importante es El dinero del tributo , en la que Jesús y los apóstoles están representados como arquetipos neoclásicos. Los estudiosos han señalado a menudo que las sombras de las figuras se alejan de la ventana de la capilla, como si las figuras estuvieran iluminadas por ella; esto es un toque adicional de verosimilitud y un tributo más al genio innovador de Masaccio. En La resurrección del hijo de Teófilo , pintó un pavimento en perspectiva, enmarcado por grandes edificios para obtener un espacio tridimensional en el que las figuras se colocan proporcionalmente a su entorno. En esto fue un pionero en la aplicación de las reglas recién descubiertas de la perspectiva.
En septiembre de 1425, Masolino abandonó la obra y se fue a Hungría . No se sabe si esto se debió a disputas económicas con Felice o a una divergencia artística con Masaccio. También se ha supuesto que Masolino planeó este viaje desde el principio y necesitaba un colaborador cercano que pudiera continuar el trabajo después de su partida. Pero Masaccio dejó los frescos inacabados en 1426 para responder a otros encargos, probablemente provenientes del mismo mecenas. Sin embargo, también se ha sugerido que las finanzas menguantes de Felice Brancacci no eran suficientes para pagar más trabajos, por lo que el pintor buscó trabajo en otro lugar.
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Masaccio regresó en 1427 a trabajar de nuevo en el Carmine, comenzando la Resurrección del hijo de Teófilo , pero aparentemente la dejó también sin terminar, aunque se ha sugerido que la pintura fue severamente dañada más tarde en el siglo porque contenía retratos de la familia Brancacci, en ese momento excoriados como enemigos de los Medici . [14] Esta pintura fue restaurada o completada más de cincuenta años después por Filippino Lippi .
Algunas de las escenas realizadas por Masaccio y Masolino se perdieron en un incendio en 1771; sólo conocemos su existencia a través de la biografía de Vasari. Las partes supervivientes quedaron ennegrecidas por el humo. En el siglo XX, la retirada de las losas de mármol que cubrían dos zonas de las pinturas reveló el aspecto original de la obra. [15]
El 19 de febrero de 1426, Masaccio recibió el encargo de Giuliano di Colino degli Scarsi da San Giusto, por la suma de 80 florines, de pintar un retablo mayor, el Retablo de Pisa , para su capilla en la iglesia de Santa Maria del Carmine en Pisa . La obra fue desmantelada y dispersada en el siglo XVIII, y solo once de los veinte paneles originales han sido redescubiertos en varias colecciones de todo el mundo. [16] El panel central del retablo ( La Virgen con el Niño ) se encuentra ahora en la National Gallery de Londres. Aunque está muy dañado, la obra presenta una Madonna escultórica y humana, así como una convincente representación en perspectiva de su trono. Masaccio probablemente trabajó en ella íntegramente en Pisa, yendo y viniendo a Florencia, donde todavía estaba trabajando en la Capilla Brancacci. En estos años, Donatello también estaba trabajando en Pisa en un monumento para el cardenal Rinaldo Brancacci, que se enviaría a Nápoles . Se sugiere que las primeras incursiones de Masaccio en la plasticidad y la perspectiva se basaron en la escultura de Donatello, antes de que pudiera estudiar el enfoque más científico de la perspectiva de Brunelleschi .
En torno a 1427, Masaccio recibió un prestigioso encargo para pintar una Santísima Trinidad para la iglesia dominicana de Santa Maria Novella en Florencia . No hay documentos contemporáneos que registren el patrón del fresco, pero recientemente se han encontrado referencias a la propiedad de una tumba al pie del fresco en los registros de la familia Berti del barrio de Santa Maria Novella de Florencia; esta familia de clase trabajadora expresó una antigua devoción a la Trinidad y bien pudo haber encargado la pintura de Masaccio. [17] Probablemente sea el patrón masculino el que está representado a la izquierda de la Virgen en la pintura, mientras que su esposa está a la derecha de San Juan Evangelista. El fresco, considerado por muchos como la obra maestra de Masaccio, es la pintura más antigua que se conserva en la que se utiliza la perspectiva lineal sistemática, posiblemente ideada por Masaccio con la ayuda de Brunelleschi. [18]
Según la reconstrucción [19], Masaccio comenzó por realizar un boceto de la composición y las líneas de perspectiva en la pared. El dibujo se cubrió con yeso fresco para hacer el fresco. Para asegurar la transferencia precisa de las líneas de perspectiva del boceto al yeso, Masaccio insertó un clavo en el punto de fuga debajo de la base de la cruz y ató cuerdas a él, que presionó (o talló) en el yeso. Las marcas de los trabajos preparatorios aún son visibles.
Las figuras sagradas y los donantes están representados sobre una imagen de un esqueleto tendido sobre un sarcófago. Una inscripción aparentemente tallada en la pared sobre el esqueleto dice: "Io fui gia quel che voi siete e quel ch'io sono voi anco sarete" (Yo fui lo que ahora eres y lo que soy, serás). Este esqueleto es a la vez una referencia a Adán, cuyo pecado llevó a los humanos a la muerte, y un recordatorio a los espectadores de que su tiempo en la tierra es transitorio. Es solo a través de la fe en la Trinidad, sugiere el fresco, que uno supera esta muerte. [20] El Espíritu Santo se ve en forma de paloma, sobre Jesús. [21] La combinación de trinidad, muerte y decadencia "puede interpretarse como una transposición de la capilla del Gólgota" [19] en la Iglesia del Santo Sepulcro en Jerusalén .
Masaccio produjo otras dos obras, una Natividad y una Anunciación , hoy perdidas, antes de partir hacia Roma , donde su compañero Masolino estaba pintando al fresco una capilla con escenas de la vida de Santa Catalina en la Basílica de San Clemente . Nunca se ha confirmado que Masaccio colaborara en esa obra, aunque es posible que contribuyera al políptico de Masolino para el altar de Santa María la Mayor con su tabla que representa a San Jerónimo y San Juan Bautista , ahora en la National Gallery de Londres . Masaccio murió a fines de 1428. Según una leyenda, fue envenenado por un pintor rival celoso. [22]
Hoy en día sólo se conservan cuatro frescos, sin duda obra de Masaccio, aunque muchas otras obras se le atribuyen, al menos en parte, y se cree que otras fueron destruidas.
Masaccio influyó profundamente en el arte de la pintura y se considera que inició el Renacimiento italiano temprano en la pintura. Según Vasari, todos los "escultores y pintores" florentinos "más célebres" estudiaron sus frescos en profundidad para "aprender los preceptos y reglas para pintar bien". Transformó la dirección de la pintura italiana, alejándola de las idealizaciones del arte gótico y, por primera vez, presentándola como parte de un mundo más profundo, natural y humanista. Además, Masaccio influyó en un gran número de artistas tanto en vida como póstumamente. Su influencia es particularmente notable en las obras de los maestros menores florentinos, como Andrea di Giusto , Giovanni dal Ponte y otros que intentaron replicar sus formas brillantes y realistas.
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