La Capilla Brancacci (en italiano , "Cappella dei Brancacci") es una capilla de la Iglesia de Santa María del Carmine en Florencia , centro de Italia . A veces se la llama la " Capilla Sixtina del Renacimiento temprano " [1] por su ciclo de pinturas, uno de los más famosos e influyentes de la época. La construcción de la capilla fue encargada por Felice Brancacci y comenzó en 1422. Las pinturas se realizaron entre los años 1425 y 1427. Actualmente, el acceso público se realiza a través del convento vecino, diseñado por Brunelleschi . La iglesia y la capilla se tratan como lugares separados para visitar y como tal tienen diferentes horarios de apertura y es bastante difícil ver el resto de la iglesia desde la capilla.
El mecenas de la decoración pictórica fue Felice Brancacci , descendiente de Pietro, que había servido como embajador florentino en El Cairo hasta 1423. [2] A su regreso a Florencia, contrató a Masolino da Panicale para pintar su capilla. El socio de Masolino, Masaccio , de 21 años , 18 años menor que Masolino, ayudó, pero durante la pintura Masolino se fue a Hungría, donde fue pintor del rey, y el encargo recayó en Masaccio. Cuando Masolino regresó, estaba aprendiendo de su talentoso ex alumno. Sin embargo, Masaccio fue llamado a Roma antes de que pudiera terminar la capilla y murió en Roma a la edad de 27 años. Algunas partes de la capilla fueron completadas más tarde por Filippino Lippi . Durante el período barroco , algunas de las pinturas se consideraban pasadas de moda y se colocó una tumba frente a ellas.
En sus frescos, Masaccio lleva a cabo una ruptura radical con la tradición pictórica medieval , al adherirse a la nueva concepción perspectiva del espacio del Renacimiento . Así, la perspectiva y la luz crean espacios profundos donde figuras construidas volumétricamente se mueven en una dimensión humana fuertemente individualizada. Masaccio continúa así el camino de Giotto, alejándose de una visión simbólica del hombre y proponiendo una pintura más realista. [3] El ciclo de la vida de San Pedro fue encargado como patrón a Pietro Brancacci, el propietario original de la capilla. [4]
Las pinturas se explican a continuación en su orden narrativo.
Por Masolino da Panicale .
En contraste con La expulsión de Masaccio , se trata de una remodelación serena e inocente.
El ciclo comienza con esta pintura de Masolino , colocada en el rectángulo superior del arco que delimita la Capilla, dentro del espesor del pilar. Esta escena y la opuesta (la Expulsión ) son las premisas de la historia narrada en los frescos, que muestran el momento en el que los humanos rompieron su unión con Dios, reconciliado posteriormente por Cristo con la mediación de Pedro.
El cuadro muestra a Adán de pie junto a Eva: se miran con posturas mesuradas, mientras ella se prepara para morder la manzana que le acaba de ofrecer la serpiente cerca de su brazo alrededor del árbol. La serpiente tiene una cabeza con espeso pelo rubio, muy idealizada. La escena es áulica en su presentación, con gestos y estilo que transmiten tonos del gótico internacional tardío . La luz, que modela las figuras sin ángulos agudos, es suave y envolvente; el fondo oscuro hace que el cuerpo destaque en su sensual plasticidad , casi suspendido en el espacio.
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La obra maestra de Masaccio, La expulsión del jardín del Edén, es el primer fresco de la parte superior de la capilla, en la pared izquierda, justo a la izquierda del Tributo del Dinero . Es famoso por su viva energía y su realismo emocional sin precedentes. Contrasta dramáticamente con la delicada y decorativa imagen de Masolino de Adán y Eva antes de la caída, pintada en la pared opuesta. Presenta una intensidad dramática, con un ángel armado que se cierne sobre Adán y Eva indicando la salida del Jardín del Edén : los pecadores llorando dejan a sus espaldas las puertas del Paraíso.
Esta obra representa una clara separación del pasado estilo gótico internacional ; Atrás quedan también las serenas composturas de Masolino, y los dos progenitores bíblicos son retratados en una oscura desesperación, agobiados por la mirada severa del ángel que, con su espada desenvainada, los expulsa por la fuerza, con una tensión nunca antes vista en la pintura. Los gestos son bastante elocuentes: al salir de las puertas del Paraíso, de donde salen disparados unos rayos divinos, Adán se cubre el rostro con desesperación y culpa; Eva cubre su desnudez de vergüenza y grita con cara de dolor. El dinamismo de los cuerpos, especialmente el de Adam, confiere una pasión sin precedentes a las figuras, firmemente plantadas en el suelo y proyectando sombras a partir de la luz violenta que las modela. Muchos son los detalles que aumentan el drama emocional: el cabello húmedo y pegajoso de Adán (en la Tierra tendrá que luchar con trabajos duros y suciedad), la postura del ángel, en escorzo como si se lanzara desde arriba. La posición de Eva proviene de una representación antigua, la de Venus Pudica (Venus modesta) . El follaje que cubría los desnudos de la pareja fue eliminado durante una restauración en 1990. [5]
Por Masolino .
En la luneta izquierda, destruida en 1746-48, Masolino había pintado la Vocación de Pedro y Andrés , o Vocación , conocida gracias a algunas indicaciones de testigos del pasado como Vasari , Bocchi y Baldinucci . Roberto Longhi identificó por primera vez en un dibujo posterior una imagen de este fresco perdido, que no se ajusta a la curvatura superior de la luneta, pero que hoy aparece como una hipótesis muy probable. En esta escena, Masolino había dividido su composición en dos extensiones, el mar y el cielo.
En la luneta de enfrente se encontraba el fresco de la Navicella , título tradicional de la escena en la que Cristo, caminando sobre el agua, rescata a Pedro de las olas de una tormenta y lo arrastra a bordo de la barca. Esta luneta proponía nuevamente un escenario marino, en equilibrio con la escena opuesta y creando así una especie de parábola de la Creación: desde los cielos de los evangelistas en la bóveda, a los mares del registro superior, a las tierras y pueblos del medio. y registros más graves, precisamente como en el Génesis . En cierto modo, la mirada del espectador se desplaza del Paraíso al mundo terrestre de manera consecuente. Las fuentes atribuyen esta luneta a Masolino, pero considerando los giros alternos que dieron los dos artistas en el andamio, algunos proponen un fresco de Masaccio. [6]
El Arrepentimiento de Pedro se encuentra en la semiluneta izquierda del registro superior, donde se alojaba un dibujo preparatorio muy esquemático de la sinopia [7] . La escena fue atribuida a Masaccio, en base a su mayor incisividad en el tratamiento respecto a la obra de Masolino.
La pintura más famosa de la capilla es Tribute Money , en la pared superior derecha, con figuras de Jesús y Pedro mostradas en una narrativa de tres partes. La pintura, atribuida en gran parte a Masaccio, representa la historia de Pedro y el publicano de Mateo 17:24-27. El lado izquierdo muestra a Pedro sacando una moneda de la boca de un pez y el lado derecho muestra a Pedro pagando sus impuestos. El conjunto parece estar relacionado con el establecimiento del Catasto , el primer impuesto sobre la renta en Florencia, en la época en que se ejecutaba el cuadro. [8]
El milagro no se representa en clave hagiográfica, sino como un acontecimiento humano que plantea una decisión divina: un acontecimiento histórico, pues, con un significado moral explícito e indudable. En el plano narrativo, el Homenaje se desarrolla en tres etapas: en la parte central, Cristo, a quien el recaudador de impuestos pide un tributo para el Templo , ordena a Pedro que vaya a buscar una moneda de la boca del primer pez que pueda pescar. ; a la izquierda, Pedro, en cuclillas en la orilla, toma la moneda del pez; a la derecha, Pedro ofrece la moneda al recaudador de impuestos. Las tres etapas se unen y las secuencias temporales se expresan en medidas espaciales. La ausencia de una escansión cronológica en la narración debe buscarse en el hecho de que el motivo más destacado de la pintura no es tanto el milagro, sino la actuación de la Voluntad Divina, expresada por el gesto imperativo de Jesús. Su voluntad se convierte en voluntad de Pedro quien, repitiendo el gesto de su Señor, indica al mismo tiempo el cumplimiento de la voluntad de Cristo. La solidaridad de los apóstoles se manifiesta en su agrupamiento dentado alrededor de Jesús, como formando un anillo, un "coliseo de hombres". [9] Sin embargo, la tarea misma le corresponde a Pedro: él solo tendrá que ocuparse de las instituciones mundanas. El pilar del pórtico se convierte en un elemento simbólico de separación entre los apóstoles agrupados y de entrega concluyente del tributo al recaudador de impuestos por parte de Pedro.
En el grupo central, las direcciones transversales formadas por el gesto de Cristo con su brazo derecho –replicado por el de Pedro y, en oposición, por el coleccionista convertido– se cruzan con las formadas por los gestos del grupo derecho, enfatizando los puntos de fuga situados en el espacio más profundo. [10]
La escena superior de la pared derecha muestra, en el lado izquierdo, la Curación del Cojo y, en el lado derecho, la Resurrección de Tabita . El fresco se atribuye generalmente a Masolino, [11] aunque algunos estudiosos han descubierto la mano de Masaccio. La escena muestra dos episodios diferentes, apareciendo en ambos San Pedro encerrado en un escenario de una típica ciudad toscana del siglo XV representada según las estrictas reglas de la perspectiva central. Esta última se considera generalmente como la principal contribución de Masaccio, mientras que las dos figuras centrales muestran influencias góticas.
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Por Masolino da Panicale .
En la pared superior izquierda se puede ver San Pedro Predicando de Masolino , terminado en ocho días. Se muestra a Pedro, con un gesto expresivo, predicando ante una multitud. Las personas del grupo tienen muchos y variados comportamientos, desde la dulce atención de la monja velada en primer plano, hasta la somnolencia tanto de la chica detrás de ella como del anciano barbudo, hasta el miedo de la mujer detrás, cuyos ojos preocupados sólo se puede ver. Las montañas parecen una continuación de la escena anterior, con una unidad espacial que era una de las señas de identidad de Masaccio. Las tres cabezas detrás de San Pedro son probablemente retratos de personas contemporáneas, al igual que las dos frailes de la derecha: todas ellas fueron atribuidas antiguamente a Masaccio. [12]
Por Masaccio .
Toda la composición presenta detalles de un realismo asombroso: el neófito tembloroso, las gotas de agua del cabello bautizado, la sábana blanca retirada al fondo. Los efectos cromáticos del "cangiantismo", [13] donde las cortinas se modelan utilizando colores contrastantes para crear un efecto que simula textiles cangiantes, son logrados por Masaccio a través de una técnica pictórica basada en la yuxtaposición de colores complementarios, retomada posteriormente por Miguel Ángel . [14]
Muro central inferior, lado izquierdo, de Masaccio . El episodio describe Hechos 5:12–16.
La atribución del cuadro a Masaccio se basa en la estructura perspectiva utilizada para crear el escenario callejero y el naturalismo escarpado de las fisonomías del anciano y del lisiado. Según Federico Zeri, hermano de Masaccio, el pintor Giovanni di ser Giovanni Guidi , conocido como Lo Scheggia, pudo haber servido de modelo para el apóstol Juan y el anciano barbudo del fondo es un posible retrato de Donatello . [15]
Muro central inferior, lado derecho, de Masaccio .
Según la narración de Hechos 4:32; 5:1–11, cada cristiano, después de vender sus propias posesiones, llevaba las ganancias a los apóstoles, quienes las distribuían a cada uno según las necesidades. Sólo Ananías "se quedó con parte de las ganancias y trajo sólo una parte y la puso a los pies de los apóstoles". Severamente reprendido por Pedro, cayó al suelo y murió. La composición se centra en el momento en el que Ananías yace en el suelo, mientras la mujer con el niño recibe limosna de Pedro, acompañada de Juan. La estructura compositiva es bastante densa y emotiva, involucrando al espectador en el corazón del evento. [16]
Muro inferior izquierdo, de Masaccio, completado por Filippino Lippi aproximadamente cincuenta años después.
Filippino compuso los cinco transeúntes de la izquierda, los ropajes de las carmelitas y la parte central del brazo de San Pedro en la representación "entronizada". Según la Legenda Aurea ( Leyenda Dorada ) de Jacobus de Voragine , después de salir de prisión, San Pedro resucita, con la ayuda de San Pablo , al hijo de Teófilo, que había muerto catorce años antes. [17] Entonces el pueblo veneró a San Pedro y le erigió una nueva iglesia, donde está entronizado para ser venerado y orado por todos. [18] Sin embargo, el verdadero significado de este fresco reside en la política de la época: es decir, en el conflicto entre Florencia y el Ducado de Milán . [19]
Existe un parecido iconográfico preciso entre Teófilo (sentado a la izquierda, en una posición elevada dentro de un nicho) y Gian Galeazzo Visconti , el enemigo acérrimo de Florencia. Este último era un temido tirano, cuya sed de poder le empujó a iniciar una guerra con Florencia, casi destruyendo su libertad. El recuerdo de este episodio volvió con toda su cruda viveza, cuando Florencia tuvo que afrontar una disputa con Filippo Maria Visconti , hijo de Gian Galeazzo. La figura sentada a la derecha de Teófilo (es decir, Gian Galeazzo) sería el canciller florentino Coluccio Salutati , autor de una invectiva contra el señor lombardo. La presencia de San Pedro simboliza, por tanto, el papel mediador de la Iglesia, en la persona del Papa Martín V , para calmar el conflicto entre Milán y Florencia. En el extremo derecho, un grupo de cuatro espectadores debería personificar a Masaccio (mirando hacia otro lado del cuadro), Masolino (el más bajo), Leon Battista Alberti (en primer plano); y Filippo Brunelleschi (el último). El uso frecuente del retrato hace converger el mundo imaginario de la pintura y la experiencia personal del espectador. Para los contemporáneos de Masaccio debería haber sido más fácil leer esta escena como un reflejo de ellos mismos y de sus propias realidades sociales. Las figuras del fresco pueblan un espacio dilatado de su propio mundo y tienen un comportamiento natural: estiran el cuello para ver mejor, miran por encima del hombro del vecino, gesticulan, observan y chismorrean sobre el acontecimiento con el siguiente espectador. [20]
Por Filippino Lippi .
El ciclo continúa hacia la izquierda, sobre el pilar, en el registro inferior, con la escena de San Pedro en prisión visitado por San Pablo , pintada por Filippino Lippi. San Pedro es visible en una ventana con rejas, mientras el visitante da la espalda al espectador. Quizás la escena siguió un dibujo de Masaccio, como lo demuestra la perfecta continuidad arquitectónica con la escena adyacente de la Resurrección del Hijo de Teófilo .
La decoración de la Capilla Brancacci quedó incompleta debido a la partida de Masaccio a Roma en 1427, donde murió un año después. Además, el exilio del mecenas encargado en 1436 obstaculizó cualquier posibilidad de que otros artistas completaran los frescos; de hecho, es probable que algunas partes ya pintadas por Masaccio fueran eliminadas como una especie de damnatio memoriae , a causa de su retrato de los miembros de la familia Brancacci . Sólo con el regreso de esta familia a Florencia en 1480 se pudieron retomar los frescos, encargando al artista más cercano y fiel a la gran tradición Masaccio, es decir, Filippino Lippi, hijo de su primer aprendiz. La intervención de Filippino no está documentada con precisión, pero se puede datar en ca. 1485 gracias a algunas indicaciones dadas por Giorgio Vasari . [21]
Pared inferior derecha, lado derecho. Por Filippino Lippi .
Esta es la última escena que se relaciona con el santo encarcelado en la pared opuesta. De hecho, muestra la liberación de San Pedro de la prisión por un ángel, y es enteramente atribuible a Filippino Lippi . También aquí la arquitectura está relacionada con la de la representación adyacente. El guardia armado con espada duerme en primer plano, apoyado en un palo, mientras se produce el milagroso rescate: esto implica la salvación cristiana , así como quizás la autonomía recuperada de Florencia después de la contienda con Milán.
Pared inferior derecha, centro. Por Filippino Lippi .
El gran panel del registro inferior, en la pared derecha, es de Filippino Lippi . Fuera de las murallas de la ciudad (en Roma , como lo indican la pirámide de Cestio a lo largo de las murallas aurelianas y los edificios que se asoman desde las almenas ) se puede ver, a la derecha, la disputa entre Simón el Mago y San Pedro frente a Nerón . con un ídolo pagano tendido a los pies de este último. A la izquierda se produce la crucifixión de Pedro: el santo está colgado boca abajo porque rechazó ser crucificado en la misma posición que Cristo. La escena está repleta de retratos: el joven con boina en el extremo derecho es el autorretrato de Filippino. El anciano con sombrero rojo del grupo cerca de San Pedro y Simón el Mago es Antonio del Pollaiuolo . El joven debajo del arco y mirando hacia el espectador es un retrato de Sandro Botticelli , amigo y maestro de Filippino. En Simón Mago, algunos críticos desean ver al poeta Dante Alighieri , celebrado como el creador de la reconocida lengua vernácula italiana utilizada por Lorenzo il Magnifico y Agnolo Poliziano .
Muro izquierdo, parte superior II. Expulsión de Adán y Eva (Masaccio), V. Homenaje (Masaccio), IX. San Pedro Predicando (Masolino, detalle)
Muro izquierdo, parte inferior XIII. San Pablo visitando a San Pedro en prisión (Filippino Lippi, sin restaurar), XV. Resurrección del Hijo de Teófilo y San Pedro entronizado (Masaccio y Filippino Lippi), XI. San Pedro curando a los enfermos con su sombra (Masaccio)
Muro derecho, parte superior X. Bautismo de los Neófitos (Masaccio), VI. Curación del lisiado y resurrección de Tabitha (Masolino), I=Pecado Original (Masolino)
La aplicación de Masaccio de la perspectiva científica , la iluminación unificada, el uso del claroscuro y la habilidad para representar las figuras de manera naturalista establecieron nuevas tradiciones en la Florencia del Renacimiento que algunos estudiosos atribuyen a ayudar a fundar el nuevo estilo renacentista. [22]
El joven Miguel Ángel fue uno de los muchos artistas que recibió su formación artística copiando la obra de Masaccio en la capilla. La capilla también fue el lugar de un asalto a Miguel Ángel por parte del escultor rival Pietro Torrigiano , a quien le molestaban los comentarios críticos de Miguel Ángel sobre su dibujo. Golpeó al artista con tanta fuerza que "le aplastó la nariz como una galleta" (según Benvenuto Cellini ) [23] , lo que deformó el rostro de Miguel Ángel hasta convertirlo en el de un boxeador.
La primera restauración de los frescos de la capilla fue en 1481-1482, a cargo de Filippino Lippi , quien también se encargó de completar el ciclo. Debido a las lámparas utilizadas para iluminar la oscura capilla, los frescos se cubrieron relativamente rápidamente de polvo y suciedad debido al humo. A finales del siglo XVI se llevó a cabo otra restauración. Alrededor de 1670, se agregaron esculturas y se agregaron frescos-secco a los frescos, para ocultar los diversos casos de desnudez. La restauración de finales del siglo XX eliminó la pintura superior y acumuló polvo y suciedad. Algunos críticos, incluido el profesor e historiador del arte James H. Beck , [24] han criticado estos esfuerzos, mientras que otros, incluidos profesores, historiadores y restauradores, han elogiado el trabajo realizado en la capilla.
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