Mabel Dwight (1875-1955) fue una artista estadounidense cuyas litografías mostraban escenas de la vida cotidiana con humor y tolerancia. Carl Zigrosser , que lo había estudiado detenidamente, escribió que "su obra está imbuida de piedad y compasión, un sentido de ironía y la comprensión que surge de una experiencia profunda". [1] Entre finales de la década de 1920 y principios de la de 1940, logró popularidad y éxito de crítica. En 1936, la revista Prints la nombró una de las mejores grabadoras vivas , y un crítico de la época dijo que era una de las litógrafas más destacadas de Estados Unidos. [2] [3]
Temprana edad y educación
Imagen No. 1, portada del catálogo de Mabel Dwight (Mabel Williamson) San Francisco Sketch Club, 1898Imagen No. 2, Mabel Dwight, "Él la reclamó como suya", ilustración de A lo largo de senderos de cuatro patas; Animales salvajes de las llanuras como los conocía por Ruth A. Cook (J. Pott & Company, Nueva York, 1903) frontispicio y portada.
Nacida en Cincinnati y criada en Nueva Orleans , se mudó con sus padres a San Francisco a finales de la década de 1880. [2] Allí, estudió con Arthur Mathews en el Instituto Mark Hopkins . [4] [5] A principios de 1899, un crítico de una revista semanal local llamada The Wave dijo que sus retratos eran los mejores de la muestra, "siendo manejados con un grado de delicadeza y sentimiento característico del verdadero colorista". [6] Más tarde ese año, se unió y se convirtió en directora del San Francisco Sketch Club. [7] En 1898, dibujó la ilustración para la portada del catálogo de la exposición del club, que se muestra aquí, Imagen No. 1. Dos años más tarde, recibió el encargo de un retrato de una revista mensual llamada The Critic . [8] Casi al mismo tiempo, todavía viviendo con sus padres, se mudó a Manhattan, y allí un editor le encargó que hiciera ilustraciones para un libro sobre animales en el oeste de los Estados Unidos. Sus trece dibujos incluían un frontispicio de ciervo, que se muestra aquí, Imagen No. 2. Un crítico calificó las imágenes de "encantadoras" y agregó que atraerían a lectores viejos y jóvenes. [9]
Cuando tenía veintitantos años, acompañó a Helen Bartlett Bridgman, esposa del explorador Herbert Lawrence Bridgman , en una gira mundial que incluyó escalas en Egipto , Ceilán , India , Java y Gran Bretaña. [10] Al regresar a los Estados Unidos en 1903, se reunió con sus padres en Greenwich Village . [4] [5] Durante los siguientes años continuó sus esfuerzos por establecerse como artista profesional y, de 1903 a 1906, se incluyó en el American Art Annual como pintora e ilustradora. [11] Conoció y en 1906 se casó con el también artista Eugene Patrick Higgins. Aunque ambos eran socialistas y, por tanto, defendían la igualdad de sexos, Dwight asumió el papel de ayudante y dejó de pintar. [2] [nota 1]
Dwight y Higgins no tuvieron hijos. En 1917 se separaron y ella retomó su carrera pictórica. [5] Al año siguiente, se unió al recién fundado Whitney Studio Club de Gertrude Vanderbilt Whitney y se convirtió en secretaria de Juliana Force , directora del club. [2] [nota 2] Durante los siguientes años asistió a sesiones de dibujo al natural y expuso en exposiciones anuales que realizaba el club. [4] Aunque hizo algunos experimentos con el grabado, trabajó principalmente en acuarela en este momento. [2] Cuando mostró una pintura llamada Nocturne en una exposición de un club en diciembre de 1918, un crítico de American Art News la llamó una "imagen negra" que tenía "una figura femenina desnuda de líneas y tonos poco comunes". [12] En 1923, realizó una acuarela de un tema que luego reaparecería como una de sus litografías más conocidas. Mostrar a la gente en un acuario público fue, dijo un crítico, "divertido y hábilmente manejado". La crítica elogió otro de sus cuadros, llamado Retrato de un hombre , por su "fina caracterización" y su riqueza cromática que "funciona definitivamente en la consecución de la forma". [13] Al revisar otra exposición del Whitney Club, en 1926, un crítico del New York Sun dijo: "La señorita Dwight es ingeniosa y en sus pinturas de sujetos capturados en el metro, los parques y otros lugares públicos entreteje una gran cantidad de insidiosos críticas a sus conciudadanos." [14]
estilo maduro
Imagen No. 3, Mabel Dwight, Chess on Deck , 1926 o 1927, acuarela y grafito, 8 7/8 x 12 1/8 pulgadas
Imagen No. 4, Mabel Dwight, Iglesia Vasca , 1927, litografía, 13 1/8 x 16 pulgadas, edición de 12
Imagen No. 5, Mabel Dwight, Mansión desierta , 1928, litografía, 15 7/8 x 11 1/2 pulgadas, edición de 50
Imagen No. 10, Mabel Dwight, Queer Fish , 1936, litografía, 10 5/8 x 13 pulgadas
Dwight cumplió 50 años en 1925. Conoció al comerciante de grabados artísticos de Nueva York Carl Zigrosser en algún momento antes del estallido de la Primera Guerra Mundial y, con su apoyo, viajó a París en 1926 para pasar un año estudiando arte litográfico en el Atelier Duchatel. . [15] [nota 3] Mientras estaba en París, hizo bocetos que mostraban a personas involucradas en actividades cotidianas (viendo espectáculos de marionetas , sentadas en cafés, adorando, recorriendo puestos junto al Sena ) y transformó los bocetos en impresiones litográficas. Tanto en sus posturas y gestos como en sus expresiones faciales, los personajes que ella representaba mostraban sus personalidades y debilidades individuales. [16] Una acuarela que ella llamó Ajedrez en cubierta , que se muestra aquí, Imagen No. 3, probablemente fue realizada en su viaje de ida o de regreso. La litografía llamada Iglesia Vasca , que aquí se muestra, Imagen No. 4, la realizó mientras se encontraba en el extranjero. Cuando el Philadelphia Print Club mostró las obras litográficas completas de Dwight en 1929, CH Bonte, crítico del Philadelphia Inquirer , llamó la atención sobre grabados de escenas francesas como ésta, diciendo: "Ella está sobre todo interesada en las personas y sus personajes. Rich es el habilidad que se ha empleado para dar distinción individual a todos los detalles de esta comedia humana, porque seguramente es comedia tal como la ve la señorita Dwight ". [dieciséis]
Un año después de su regreso, las impresiones de París y las que comenzó a realizar en Nueva York ayudaron a establecerla como una de las mejores artistas litográficas de Estados Unidos. [4] En 1928, Zigrosser organizó su primera exposición individual. [2] Ese año, un crítico del Brooklyn Daily Eagle señaló que ella tenía "un talento para lo fantástico y romántico y puede despertar la imaginación". El crítico agregó: "Mabel Dwight, cuya exposición se lleva a cabo en las Galerías Weyhe, ya se ha ganado una reputación considerable en este medio", y agregó que era "apta para responder al aspecto humorístico de la vida". [17] En 1929, el Print Club de Filadelfia le ofreció una exposición individual que incluía todos los grabados que había realizado en París, Chartres y Nueva York hasta finales del año anterior. En una extensa reseña, Margaret Breuning del New York Evening Post escribió que la muestra contenía "litografías alegres y felices realizadas por una verdadera artista, cuyo pulso afectuoso está muy en sintonía con los latidos del corazón de aquellos a quienes representa tan fielmente". [dieciséis]
Una litografía realizada en 1928 llamada Deserted Mansion fue una de sus primeras impresiones que atrajo mucha atención. El crítico del Brooklyn Daily Eagle llamó la atención sobre ella y sus otras "imágenes emotivas de casas antiguas desiertas". [17] Una crítica del Philadelphia Inquirer escribió que había infundido al sujeto un "espíritu de misterio percibido" y de ese modo logró un "truco emocional de la creación de imágenes". [18] Dwight dijo más tarde que el lugar le recordaba a Jane Eyre , y agregó: "Las ventanas superiores no estaban tapiadas ni cerradas, y miraban a una con esa expresión demencial que adquieren las ventanas de las casas largas y vacías". [19] Esta impresión se muestra aquí, Imagen No. 5.
Una litografía que Dwight realizó en 1929 llamada Ferry Boat fue elegida por el Instituto de Artes Gráficas como una de sus "Cincuenta impresiones del año". [20] En 1931, un crítico dijo que era "muy divertido en su sátira". [21] Escribiendo en el New York Times , Edward Alden Jewell lo consideró una de sus obras notables en 1932 y en 1937 dijo que entonces se consideraba "familiar desde hace mucho tiempo". [22] [23] Unos años más tarde, en una reseña de cuatro grabadores contemporáneos, Zigrosser llamó a esta litografía "inmortal". [15] En 1930, la revista Fortune le encargó que ilustrara un artículo titulado "To Make a Circus Pay". [24] La ilustración que hizo para las dos primeras páginas de la pieza se muestra aquí, Imagen No. 7. Cuando, en 1932, realizó una segunda exposición individual en la Galería Weyhe, mostró acuarelas y dibujos, además de su huellas dactilares. [22] El programa obtuvo de Edward Alden Jewell una evaluación de su capacidad para evocar una variedad de estados de ánimo en su trabajo. Escribió que ella representaba mansiones que se habían convertido en "fantasmas solemnes", junto con cementerios y otros temas sombríos, pero también presentaba obras "francamente despreocupadas", incluso "divertidas", que mostraban circos y fiestas de alquiler. [22] Entre los extremos, citó imágenes, como Ferry Boat , que se habían vuelto "más cómodas" para los espectadores. [22]
Una litografía de 1931 llamada Life Class , que se muestra aquí, Imagen No. 8, llamó poca atención en ese momento, pero recientemente ha sido analizada con cierto detalle. En 1952, un crítico advirtió en él la capacidad de Dwight para personificar acontecimientos concretos, empleando un toque "seguro y poco halagador". [25] En 1990, Christine Temin, escribiendo en el Boston Globe, explicó que la imagen conmemoraba el momento en que a las mujeres se les permitió por primera vez unirse a los hombres para dibujar modelos desnudas en el Whitney Studio Club. Ella escribió: "La pura inofensividad de la escena se burla del mundo del arte sexista". [26] En 2014, el catálogo de una exposición señaló que la modelo mira a los artistas justo cuando ellos la examinan y dijo que las mujeres dibujantes en la imagen podrían ser vistas "como representantes de la idea feminista de la mirada masculina". [27] En 1942, Zigrosser comparó la imagen con una muy similar de Peggy Bacon diciendo que la de Bacon era una caricatura mientras que la de Dwight era "drama" y agregó que la de Dwight era "un conjunto de estudios individuales de personajes, que por la lógica de la situación también adquieren un aspecto cómico." [15]
En 1933, la reputación de Dwight estaba firmemente establecida. Su trabajo había aparecido en exposiciones colectivas del Whitney Studio Club, el Philadelphia Print Club, la Philadelphia Art Alliance y en exposiciones individuales en la Weyhe Gallery y la Universidad de Duke. [nota 4] Su trabajo había aparecido en Vanity Fair siete veces entre noviembre de 1928 y septiembre de 1930. [30] En 1933, sus pinturas, dibujos y grabados estaban presentes en colecciones de museos destacados, incluido el Museo Metropolitano de Arte , el Museo de Bellas Artes de Boston , el Museo de Arte de Cleveland , el Instituto de Arte de Chicago , el Museo Fogg de la Universidad de Harvard, el Museo de Victoria y Alberto y la Biblioteca Nacional de Francia . [29] [31] Escribiendo en Publishers Weekly , Walter Pach había señalado simplemente que había sido "aclamada en los últimos años". [32] Edward Alden Jewell la había llamado una "dotada satírica estadounidense". [22]
En 1935, hizo un retrato que recibió poca o ninguna atención pública en ese momento. Aquí se muestra la imagen n.° 9, y su autorretrato, que se muestra en la parte superior del cuadro de información, ilustran su habilidad para retratar. Los críticos observaron esta habilidad por primera vez en 1899 y nuevamente en 1923, como se señaló anteriormente. En 1997, un crítico del New York Times señaló un "modo clásico" en su estilo de retrato. [33]
En 1936, fue catalogada como una de las mejores grabadoras de Estados Unidos en la revista Prints y, en un artículo de prensa, se decía que había "escalado a la cima de un campo difícil y altamente competitivo". [2] [3] Ese año, hizo una litografía llamada Queer Fish que recibió elogios del público y la crítica y eventualmente se convertiría en su impresión más popular. [4] [34] La imagen número 10 que se muestra aquí proviene de bocetos que tomó en el Acuario de Nueva York en Battery Park . [4] Cuando se mostró dos años después, un crítico dijo que "ya era famoso por su humor". [35] La propia Dwight lo discutió más tarde con cierto detalle y dijo:
Está oscuro debajo del balcón y las siluetas negras de las personas se recortan contra los tanques iluminados. ... La gente se retuerce en formas grotescas mientras se apoya en la barandilla bastante baja; los posteriores se agrandan y las piernas largas se enredan. Un día vi un mero enorme y un hombre gordo tratando de mirarse fijamente; Fue un momento psicológico. La boca del pez estaba abierta y sus ojos telescópicos enfocaban intensamente. El hombre, sobresaltado por la repentina aparición,... dejó caer la mandíbula; ... se hipnotizaron mutuamente por un momento, luego ambos se alejaron nadando. ¡¡Pescado raro!! [4]
En 1934, Dwight se unió al Proyecto de Obras Públicas de Arte . Una de sus biógrafas, Carol Kort, informa que a pesar de su éxito profesional, en ese momento se encontraba en una situación financiera desesperada. [36] Cuando ese proyecto se disolvió, se unió al Proyecto Federal de Arte de la Administración de Proyectos de Obras y permaneció como empleada federal hasta 1939. [37] Durante estos cinco años continuó siendo productiva produciendo grabados que, "en la tradición de Honoré Daumier ", como dice una fuente, "combinaba humor con comentario político". [34] Además de sus dificultades financieras, su salud empeoró durante estos años. Sufría de asma y cada vez tenía más problemas de audición hasta el punto de quedar sorda. [5] [38]
En 1936, Dwight contribuyó con un ensayo a un libro que el Federal Art Project pretendía publicar para demostrar la importancia y la calidad del programa y sus artistas. El gobierno se negó a publicarlo en ese momento, y en 1973 la Sociedad Gráfica de Nueva York finalmente lo puso en imprenta ( Art for the Millions; Essays from the 1930s by Srtists and Administrators of the WPA Federal Art Project , compilado por Francis V. O' Connor, Greenwich, Connecticut). En su ensayo, Dwight dice que las exigencias estéticas entran en conflicto con el deseo satírico de mostrar "los defectos inevitables inherentes a la vida". Nombra a Francisco Goya y Honoré Daumier como dos de los pocos maestros que lograron resolver este conflicto. Del arte realista social de su época, escribe: "Algunos de los artistas jóvenes, con conciencia de clase, son demasiado arrogantes y vehementes en sus representaciones de la vulgaridad, la fealdad, la injusticia, etc., y uno es consciente de su agonizante esfuerzo por torcer el Todo en un patrón de arte. El resultado deja al espectador indiferente." Señala que otros artistas de su época muestran gente deprimida, calles urbanas malas y diversiones vulgares sin ser satíricos. "Francamente, disfrutan pintando Coney Island, gasolineras, puestos de perritos calientes, calles principales baratas, casas de madera con bandas de sierra de calar, todo el crecimiento tipo Topsy de nuestras ciudades". El ensayo termina con una afirmación que podría aplicarse a su propio trabajo. El artista, afirma, debe mantener "la cabeza fría y el corazón cálido". Él o ella no necesita exagerar las debilidades de las personas, ya que es imposible "rivalizar con la naturaleza, que ha creado seres tan fuera de toda proporción razonable" [sino] "sólo tiene que mirar a estas personas con simpatía y traducirlas en arte". ser tan trágico o humorístico como desee." [39]
Una década después de la primera, la Galería Weyhe ofreció a Dwight una tercera exposición individual, que abarca unas 93 obras que, como comentó un crítico del New York Times , abarcaban "desde escenas de París de 1927 hasta los mordaces comentarios neoyorquinos de los años siguientes, pasando por la Ferry Boat de 1930 y el muy admirado Queer Fish de 1936. [40] Citando su "comentario humano rico y saludable", un crítico escribió: "Dondequiera que circulen masas de personas, en los transbordadores y en las esquinas de las calles, en los parques y en las salas de cine, casas, la señorita Dwight ha encontrado material aparentemente inagotable. Su trabajo es un comentario humano rico y saludable. Está lleno de humor amigable. Pero la artista no esconde sus sentimientos detrás de la sátira. Sabemos dónde están sus simpatías. Es con los hombres del plátano pesadamente cargados, no con los hombres hinchados de mantequilla y huevos." [41]
Sobre una exhibición de sus grabados del Federal Art Project en Miami, un crítico escribió, haciéndose eco de la discusión de Dwight sobre la sátira en el arte: "Cuando ocurren distorsiones y exageraciones en estas litografías, son sutiles, maduras y sugerentes porque surgen de la simpatía más que de la arrogancia". y el desprecio." El crítico añadió: "Como litógrafa, Mabel Dwight se encuentra entre las mejores de Estados Unidos, aunque sólo empezó a trabajar en este medio en 1927, cuando tenía más de 50 años". [42]
Vida posterior y trabajo
Imagen No. 12, Mabel Dwight, Casa de campo en otoño , alrededor de 1944, acuarela y grafito sobre tabla de acuarela, 15 1/2 pulgadas x 23 pulgadas
Los últimos años de la década de 1930 resultaron ser el punto culminante de la carrera de Dwight. A principios de la década de 1940, su trabajo continuó apareciendo en exposiciones colectivas de Nueva York, incluida la Weyhe Gallery (1941, 1942), una exposición colaborativa de marchantes en el American Fine Arts Building (1941) y la Academia Nacional de Diseño (1942). , pero después de 1942 prácticamente no hubo ninguno. [nota 5] Cuando un grupo de sus litografías apareció en el Museo de Arte de St. Louis en 1947, un crítico señaló que habían sido impresas en la década de 1930. Calificándolas de "saturadas de humor" y "agradables a la vista", la crítica elogió su capacidad para retratar "aspectos cómicos con alegría en lugar de sarcasmo" y dijo que las figuras humanas que mostraba eran "sólidas y cuidadosamente construidas psicológicamente y físicamente." [43]
Durante la década de 1940, Dwight hizo una acuarela llamada Farm House in the Fall , que se muestra aquí, Imagen No. 12. Después de dedicarse a la litografía en 1926, continuó haciendo algunas acuarelas y dibujos en color. En 1933, una acuarela que llamó Listening In se incluyó en la primera exposición bienal de escultura, acuarelas y grabados estadounidenses contemporáneos del Museo Whitney. [44] A diferencia de Chess on Deck (Imagen No. 3) y la mayoría de sus otros trabajos, su escenario es rural y no contiene figuras humanas o animales. En ese sentido, puede caer en una categoría mencionada en su ensayo sobre la sátira, en el sentido de que parece abordar problemas de composición y dificultades técnicas, pero no lo que ella llamó "discrepancias entre lo real y lo ideal". [39] Desde sus primeros esfuerzos en adelante, la mayoría de sus fotografías estaban llenas de figuras humanas o temas que evocaban emociones humanas y eran, como dijo un observador, "sondeos en las profundidades del drama de la vida humana cotidiana". [36] En ellos, como dijo otro, la empatía de Dwight por sus sujetos es evidente, así como su divertido sentido del humor. [45] : 135 En una breve biografía de Dwight, un curador del Museo Smithsonian de Arte Americano caracterizó a Dwight como "un agudo observador de la comedia humana, que describió con humor y compasión en su trabajo". [46]
Política
Cuando era muy joven en una estudiante de arte en San Francisco, algunos compañeros de estudios me introdujeron al socialismo. El encuentro fue similar a "adquirir religión". Mi fervor conmocionó y alarmó a mis padres hasta tal punto que me vi obligado a pasar a la clandestinidad con mis ideas sociales. Por supuesto, esto hizo que el calor fuera más blanco. También el arte, pensé, debe ser un camarada heroico. Este período de mi vida al menos dio una orientación definida a mi pensamiento posterior, y la lectura realizada entonces dirigió mis impulsos naturales. Nací con odio por la dualidad de pobreza y riqueza. Una fe temprana en un mundo sin desvalidos es una experiencia saludable, incluso si experiencias posteriores apuntan a un mundo caído en desgracia. Pero cualesquiera que sean los altibajos de la fe política o social por los que haya pasado, he sido fiel a la convicción fundamental de que la pobreza es el gran mal, una forma de peste negra imperdonable en una era científica. — Mabel Dwight, "La sátira en el arte" [39]
Dwight fue una socialista de toda la vida cuyas opiniones se basaban principalmente, como escribió en su ensayo de 1936, "Satire in Art", en el odio a la gran distancia que separaba a los pobres de los ricos en los Estados Unidos. [39] En 1918, se unió a otras 49 personas de ideas afines en un grupo de presión llamado "Cincuenta Amigos" que abogaba por el indulto para los hombres que fueron encarcelados por declararse objetores de conciencia durante la Primera Guerra Mundial. [47] Vivir en Manhattan Durante la década de 1930, se unió a uno de los clubes marxistas John Reed y apoyó otra organización del Frente Popular , el Congreso de Artistas Estadounidenses . Sin embargo, como no deseaba convertirse en propagandista y temía perder las ventas que necesitaba para sustentar su precaria existencia, rara vez produjo obras de carácter abiertamente político. [5]
Vida familiar y personal
Dwight nació el 31 de enero de 1875 y se llamó Mabel Jacque Williamson. [36] [nota 6] Era la única hija de Paul Huston Williamson (1837, algún tiempo después de 1910) y su esposa Adelaide (o Ada) Jacque (nacida en 1875). [nota 7]
Paul Williamson era dueño de una granja cerca de Cincinnati en Colerain Township, condado de Hamilton, Ohio . Cuando Dwight todavía era un niño, la familia se mudó a Nueva Orleans y Dwight fue internado en una escuela de monjas en Carrollton , en las afueras de la ciudad. [5] [nota 8] En 1893, los Williamson se mudaron a San Francisco , donde Dwight recibió tutoría privada mientras asistía a la escuela secundaria. [5] A mediados de la década de 1890, Dwight completó su educación secundaria y, como se señaló anteriormente, comenzó a estudiar con Arthur Mathews en el Instituto Mark Hopkins . [4]
Antes de separarse de Higgins, el amigo de Dwight, Carl Zigrosser, le presentó a un dibujante de arquitectura llamado Roderick Seidenberg. Era un objetor de conciencia y militante socialista catorce años menor que ella. [5] Su relación se hizo más estrecha y durante algunos años vivieron juntos. [5] Terminó en 1929 cuando aceptó un trabajo en la Unión Soviética y, al regresar, se enamoró de otra mujer y luego se casó. [36] Dwight y Seidenberg se reconciliaron cuando Dwight sufrió períodos de enfermedad durante las décadas de 1930 y 1940 y Seidenberg y su esposa Catherine llevaron a Dwight a su casa para cuidarla. [50]
Después de su divorcio de Higgins, no la mantuvo casada ni retomó su apellido de soltera, sino que, por razones que no reveló, eligió el apellido Dwight. [4] Su reticencia sobre su nombre no era inusual en ella. Aunque escribió una autobiografía (inédita), se desconoce mucho sobre su vida. [5] Su pérdida auditiva es un ejemplo. Algunos resúmenes biográficos no mencionan la discapacidad auditiva. Algunos dicen que era sorda, pero no especifican el grado de pérdida auditiva. [46] Una fuente dice que estaba casi sorda y otra dice que lo estaba profundamente. [51] [52]
En 1929 o 1930 viajó a Nuevo México y esta parece haber sido la primera y única vez que viajó fuera de los estados del Atlántico Medio después de su regreso de París. [53] Aproximadamente en esta época se mudó de Greenwich Village a Staten Island y algún tiempo después se mudó a Pipersville, Pensilvania . [54] Después de que Dwight cumplió 65 años en 1940, su sordera, asma crónica y pobreza empeoraron. [5] Aunque continuó trabajando, su producción disminuyó y fue confinada a residencias de ancianos en el período anterior a su muerte tras un derrame cerebral en 1955. [4]
Otras lecturas
______________. Un siglo de autoexpresión: arte estadounidense moderno en la colección de John y Joanne Payson (Bryn Mawr, Pensilvania, Bryn Mawr College, 2014)
Dwight, Mabel, "La sátira en el arte", en Art for the Millions; Ensayos de la década de 1930 de artistas y administradores del WPA Federal Art Project , editado por Francis V. O'Connor (Boston, New York Graphic Society, 1975, págs. 151-154)
Henkes, Robert. Pintoras estadounidenses de las décadas de 1930 y 1940; La vida y obra de diez artistas (Jefferson, Carolina del Norte, McFarland, 1991)
Kort, Carol y Liz Sonneborn. De la A a la Z de las mujeres estadounidenses en las artes visuales (Nueva York, Facts on File, 2002)
Robinson, Susan Barnes y John Pirog. Mabel Dwight: Catálogo razonado de las litografías (Washington, DC, Smithsonian Institution Press, 1997)
Zigrosser, Carl. "Mabel Dwight: Maestra de la Comédie Humaine" ( Artnews , Vol. 6, No. 126, junio de 1949, págs. 42-45)
ibídem. El artista en América; Veinticuatro primeros planos de grabadores contemporáneos (Nueva York, AA Knopf, 1942)
Notas
^ Más tarde escribió: "siguió la domesticidad y durante muchos años [mi] carrera como artista estuvo en suspenso". [5]
^ El Whitney Studio Club era una organización para promover el arte estadounidense moderno que evolucionó hasta convertirse en el actual Museo Whitney de Arte Americano.
^ El Atelier Duchatel era un estudio dirigido por la viuda del impresor litográfico francés Édouard Duchatel. [4]
^ Hizo su primera aparición en la Whitney Studio Gallery en 1918. [12] Su trabajo apareció por primera vez en el Print Club y Art Alliance en 1928. [28] [18] Ya se han mencionado sus exposiciones individuales en Weyhe. Se le ofreció una exposición individual en el colegio de mujeres de Duke en 1933. [29]
^ Esta lista de programas proviene de artículos que aparecen en el New York Times , 1940 a 1946, passim. Las impresiones de Dwight continuaron apareciendo en exposiciones itinerantes, pero se informó que aparecieron sólo en una exposición colectiva en Nueva York después de 1942: en Grand Central Galleries en 1946.
^ La fecha de nacimiento de Dwight figura en una solicitud de pasaporte que preparó en 1904. El registro de esta solicitud en familysearch.org incluye una imagen del original. [48]
^ Esta información proviene de los biógrafos de Dwight, ya citados, así como del registro del censo estadounidense de 1880 para la familia. El registro en familysearch.org incluye una imagen del original. [49]
^ Esta información proviene de los biógrafos de Dwight, ya citados, así como del registro del censo estadounidense de 1880 para la familia. El registro en familysearch.org incluye una imagen del original. [49]
Referencias
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Imagen No. 6, Mabel Dwight, Ferry , 1930, litografía, 11 1/2 x 16 pulgadas
