La muerte de la Virgen (1606) es una pintura delmaestro barroco italiano Caravaggio que representa la muerte de la Virgen María. Forma parte de la colección permanente del Museo del Louvre , en París . [4]
Cuando pintó La muerte de la Virgen (c. 1601-06), Caravaggio llevaba quince años trabajando en Roma. [5] La pintura fue encargada por Laerzio Cherubini , un abogado papal, para su capilla en la iglesia carmelita de Santa Maria della Scala en Trastevere , Roma ; la pintura no podría haber sido terminada antes de 1605-06. [5] La representación de La muerte de la Virgen causó un revuelo contemporáneo y fue rechazada por la parroquia por no ser adecuada.
Giulio Mancini creía que Caravaggio había modelado a una prostituta, posiblemente su amante, como la Virgen. [a] Giovanni Baglione [b] y Gian Pietro Bellori [c] atribuyeron el rechazo a la aparición de la Virgen. La falta de decoro provocó el rechazo de la pintura por parte de los padres de Santa Maria della Scala y su sustitución por un cuadro de Carlo Saraceni , un seguidor cercano de Caravaggio. [9]
Por recomendación de Peter Paul Rubens , quien la elogió como una de las mejores obras de Caravaggio, el cuadro fue comprado por Vincenzo Gonzaga , duque de Mantua . Giovanni Magni, embajador del duque, expuso brevemente el cuadro en su casa de la Via del Corso , entre el 1 y el 7 de abril de 1607. [10] La copia estaba absolutamente prohibida. [11]
La colección del duque fue vendida a Carlos I de Inglaterra en 1627. Después de su ejecución, la Commonwealth inglesa puso su colección a la venta en 1649, y la pintura fue comprada por Everhard Jabach , quien en 1671 la vendió a Luis XIV para la Colección Real Francesa, que después de la Revolución Francesa pasó a ser propiedad del estado. [6] Hoy cuelga en el Louvre . Antes de dejar Roma, se mostró en la Academia de Pintores durante menos de dos semanas. Sin embargo, Caravaggio ya había huido de Roma para entonces, para nunca regresar públicamente. (Durante una de sus frecuentes peleas en Roma, el voluble e impulsivo Caravaggio había asesinado a un hombre, Ranuccio Tomassoni, en una pelea de espadas después de un partido de tenis ).
El cuadro recuerda al Entierro de Caravaggio en el Vaticano por su amplitud, sobriedad y naturalismo fotográfico. Las figuras son casi de tamaño natural. María yace reclinada, vestida con un sencillo vestido rojo. La cabeza inclinada, el brazo colgando, los pies hinchados y separados representan una visión cruda y realista de los restos mortales de la Virgen. Caravaggio abandona por completo la iconografía utilizada tradicionalmente para indicar la santidad de la Virgen. En este cuerpo abandonado, no queda nada de la representación respetuosa que se encuentra en las pinturas devocionales. [5]
La composición está dispuesta en torno a la Virgen, el tema central del cuadro. Alrededor de la Virgen se encuentran María Magdalena y los apóstoles , superados por la adulación. Otros se arrastran detrás de ellos. La masa compacta del conjunto y la postura de las figuras guían la mirada del espectador hacia el cuerpo abandonado. Expresa el mayor dolor de los primeros no mediante un rostro más emotivo, sino ocultando sus rostros. Caravaggio, maestro de lienzos austeros y oscuros, no está interesado en un ejercicio manierista que capture una gama de emociones. En cierto modo, se trata de un dolor silencioso, no es un velorio para llorones. El sollozo se produce en un silencio emocional sin rostro. La santidad de la Virgen se percibe por su halo en forma de hilo. Suprimiendo todo detalle anecdótico, Caravaggio inviste esta escena tenue de una monumentalidad extraordinaria a través de la sola presencia de estas figuras y la intensidad de sus emociones. El drapeado teatral de tela de color rojo sangre se cierne en la parte superior del lienzo; un motivo común en la pintura de deposición, utilizado aquí para realzar el efecto dramático de la escena. [5]
El pintor se vale de los matices de luz y sombra para modelar los volúmenes de los objetos, las figuras y los vestidos, pero sobre todo acentúa con este proceso la presencia física de la Virgen, iluminada por una luz deslumbrante. El artista crea la ilusión de profundidad mediante una serie de zonas más claras: desde la nuca de María Magdalena, en primer plano, la mirada penetra más en el cuadro, pasando del rostro de María a las manos y las cabezas de los apóstoles. [5]
Esta pintura fue terminada en una época en la que el dogma de la Asunción de María no había sido enunciado formalmente ex cathedra por el Papa, pero había ido ganando terreno durante algunos siglos. El Papa Pío XII , en su constitución apostólica Munificentissimus Deus (1950), que definió dogmáticamente la Asunción, dejó abierta la cuestión de si María realmente sufrió o no la muerte en relación con su partida, pero alude al hecho de su muerte al menos cinco veces. El Nuevo Testamento no menciona el asunto en absoluto. Cómo pasó de este mundo es y fue por lo tanto una cuestión de dogma católico, aunque en el siglo XVII, la creencia convencional entre los católicos era que fue asumida viva, como se muestra en la gran mayoría de las pinturas contemporáneas del tema. Para entonces, la mayoría creía que no sentía dolor ni enfermedad, y que fue asumida en cuerpo y alma saludables, aunque envejecidos, antes de la "muerte". Sin embargo, durante una Audiencia General el 25 de junio de 1997, el Papa Juan Pablo II afirmó que María efectivamente experimentó la muerte natural antes de su asunción al Cielo. [13]
El cuadro de Caravaggio es la última obra de arte católica de importancia en la que María está claramente muerta. Caravaggio no representa una Asunción , sino su muerte. La figura, como en casi todas las Asunciones del Renacimiento y el Barroco, parece mucho más joven que una mujer de unos 50 años o más; [d] las representaciones medievales de la muerte eran a menudo más realistas en este sentido.
Este cuadro ilustra la revolución iconográfica y formal que Caravaggio inició a finales del siglo XVI y principios del XVII. Alejándose de la moda manierista preciosista y afectada, el artista inauguró un estilo franco, robusto y enérgico. Se propuso traducir la realidad y las emociones de las personas sin preocuparse por las convenciones de las representaciones de lo sagrado. Su influencia en la evolución de las concepciones pictóricas en el siglo XVII fue considerable. [5]
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