El Doni Tondo o Doni Madonna es la única pintura sobre tabla terminada del Miguel Ángel maduro que se conserva. [1] (Otras dos pinturas sobre tabla, generalmente aceptadas como de Miguel Ángel pero inacabadas, El Entierro y la llamada Madonna de Manchester , se encuentran en la Galería Nacional de Londres.) Ahora en los Uffizi de Florencia , Italia , y todavía en Su marco original, el Doni Tondo probablemente fue encargado por Agnolo Doni para conmemorar su matrimonio con Maddalena Strozzi, hija de una poderosa familia toscana . [2] La pintura tiene la forma de un tondo , que en italiano significa "redondo", una forma que se asocia frecuentemente durante el Renacimiento con ideas domésticas. [3]
La obra probablemente fue creada durante el período posterior al matrimonio de Doni en 1503 o 1504, y antes de que se comenzaran los frescos del techo de la Capilla Sixtina en 1508. El Doni Tondo retrata a la Sagrada Familia (el niño Jesús , María y José ) en primer plano, junto con con Juan el Bautista en el medio y contiene cinco figuras masculinas desnudas al fondo. La inclusión de estas figuras desnudas se ha interpretado de diversas formas.
María es la figura más destacada de la composición y ocupa gran parte del centro de la imagen. [4] Se sienta directamente en el suelo sin un cojín entre ella y la hierba, para comunicar mejor el tema de su relación con la tierra (?). [5] José está colocado más alto en la imagen que María, aunque esta es una característica inusual en las composiciones de la Sagrada Familia . María está sentada entre sus piernas, como si él la estuviera protegiendo, y sus grandes piernas forman una especie de trono de facto. Existe cierto debate sobre si María recibe el Niño de José o viceversa. [6] San Juan Bautista , el santo patrón de Florencia , se incluye muy comúnmente en las obras florentinas que representan a la Virgen y el Niño. [7] Está en el centro del cuadro, entre la Sagrada Familia y el fondo. La escena parece ser rural, con la Sagrada Familia divirtiéndose en el césped y separada del grupo curiosamente (aparentemente) no relacionado en la parte de atrás por un muro bajo.
La pintura todavía se encuentra en su marco original, uno en el que Miguel Ángel podría haber influido o ayudado a diseñar. [8] El marco está profusamente tallado y es bastante inusual por las cinco cabezas que contiene, que sobresalen tridimensionalmente en el espacio. Al igual que los desnudos del fondo, el significado de estas cabezas ha sido objeto de especulación. El marco también contiene tallas de lunas crecientes, estrellas, vegetación y cabezas de leones. Estos símbolos son, quizás, referencias a las familias Doni y Strozzi , tomadas del escudo de armas de cada uno. [9] Como se muestra en el marco, "las lunas están unidas con cintas que se entrelazan con los leones", posiblemente refiriéndose al matrimonio de las dos familias. [9]
Hay una banda horizontal, posiblemente una pared, que separa el primer plano y el fondo. [6] [7] [10] Las figuras de fondo son cinco desnudos, cuyo significado y función están sujetos a mucha especulación y debate. Debido a que están mucho más cerca de nosotros, los espectadores, la Sagrada Familia es mucho más grande que los desnudos del fondo, un dispositivo para ayudar a crear la ilusión del espacio profundo en una imagen bidimensional. Detrás de San Juan Bautista hay una cresta semicircular, contra la cual se apoyan o se sientan los ignudi Sixtinos. Este semicírculo refleja o refleja la forma circular de la pintura misma y actúa como contraste con la naturaleza vertical del grupo principal (la Sagrada Familia). María y José miran a Cristo, pero ninguno de los desnudos del fondo lo mira directamente. [11] El fondo lejano contiene un paisaje montañoso representado en una perspectiva atmosférica.
Se cree que el Doni Tondo es el único cuadro existente que Miguel Ángel pintó sin la ayuda de asistentes; [7] y, a diferencia de su Manchester Madonna y Entombment (ambas en la National Gallery, Londres ), la atribución a él nunca ha sido cuestionada. La yuxtaposición de colores brillantes presagia el mismo uso del color en los frescos posteriores del Techo Sixtino de Miguel Ángel. Los pliegues de las cortinas están nítidamente modelados y el modelado de las figuras es claramente escultórico, lo que sugiere que están talladas en mármol mediano. [7] Las figuras desnudas del fondo tienen un modelado más suave y parecen ser precursoras de los ignudi , las figuras masculinas desnudas de los frescos del Techo Sixtino. [7] La técnica de Miguel Ángel incluye sombrear desde los colores más intensos primero hasta los tonos más claros en la parte superior, usando los colores más oscuros como sombras. [12] Al aplicar el pigmento de cierta manera, Miguel Ángel creó un efecto "desenfocado" en el fondo y detalles enfocados en el primer plano. [13] El color más vibrante se ubica dentro de las vestiduras de la Virgen, lo que significa su importancia dentro de la imagen. [14] La masculinidad de María podría explicarse por el uso que hizo Miguel Ángel de modelos masculinos para figuras femeninas, como se hizo en la Capilla Sixtina.
Miguel Ángel utilizó una paleta limitada de pigmentos [15] que incluía blanco de plomo, azurita , cardenillo y algunos otros. Evitó los ocres y utilizó muy poco bermellón . [dieciséis]
Lo más probable es que la composición esté parcialmente influenciada por la caricatura (término que se refiere a un dibujo preliminar detallado de una etapa posterior) de La Virgen y el Niño con Santa Ana de Leonardo da Vinci . La Sagrada Familia de Miguel Ángel forma un grupo apretado y separado en el primer plano central de la imagen, con la figura de la Virgen construyendo una típica pirámide o triángulo renacentista. Miguel Ángel vio el dibujo en 1501 mientras estaba en Florencia trabajando en el David . [7]
El Doni Tondo también está asociado con la Madonna Medici de Luca Signorelli en los Uffizi . [17] Miguel Ángel probablemente conocía la obra y sus ideas, y quería incorporar esas ideas a su propia obra. La Virgen de Signorelli utiliza de manera similar una forma de tondo , representa figuras masculinas desnudas en el fondo y muestra a la Virgen sentada directamente en la tierra. [6]
Tres aspectos de la pintura pueden atribuirse a un antiguo camafeo de sardónice y a un relieve del círculo de Donatello del siglo XV , a disposición de Miguel Ángel en el Palacio Medici : la forma circular, la masculinidad de María y la posición del Niño Jesús . [17] El brazo derecho de la Virgen refleja el brazo del sátiro en el camafeo, y el camafeo también representa a un niño ubicado sobre los hombros del sátiro, una posición similar a la del Niño Jesús pasando sobre el brazo derecho de María. [10]
Además, algunos estudiosos sugieren que Miguel Ángel se inspiró en el famoso grupo grecorromano de Laocoonte y sus hijos , excavado en 1506 en Roma, evento en el que se cree que Miguel Ángel estuvo presente. [18] La pose de la figura desnuda en el fondo inmediatamente detrás de San José, a nuestra derecha, parece haber sido influenciada por las contorsiones de las figuras capturadas por la serpiente en el Laocoonte (nuevamente, si esto fuera así, alterar la fecha del Doni Tondo por varios años).
Además, la inclusión de las cinco cabezas que sobresalen en el marco de la pintura se ve a menudo como una referencia a un motivo similar encontrado en la Porta del Paradiso de Ghiberti , las puertas de bronce del Baptisterio de Florencia que Miguel Ángel admiraba mucho. [8] [9]
La planta frente a Juan el Bautista tiene aspectos tanto de hisopo como de aciano , pero lo más probable es que sea un hisopo porque crece en una pared. El aciano es un atributo de Cristo y simboliza el cielo , mientras que el hisopo simboliza tanto la humildad de Cristo como el bautismo . Al fondo hay un cidro , que representa el cedro del Líbano . Miguel Ángel utiliza el hisopo y el árbol como representación visual de una cita de Rabano Mauro : "Desde el cedro del Líbano hasta el hisopo que crece en un muro de piedra tenemos una explicación de la Divinidad que Cristo tiene en su Padre y de la humanidad que deriva de la Virgen María." El trébol en primer plano representa la Trinidad y la salvación. [19] La planta de anémona representa la Trinidad y la Pasión de Cristo. [20]
Hay multitud de interpretaciones para las distintas partes de la obra. La mayoría de las interpretaciones difieren en la definición de la relación entre la Sagrada Familia y las figuras del fondo. [4]
Paul Barolsky sostiene que el Doni Tondo es una "imagen devocional [...] más que un ejemplo de estilo, simbolismo [o] iconografía ". [21] Barolsky basa gran parte de su tesis en el lenguaje utilizado por Giorgio Vasari en su obra Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos italianos, desde Cimabue hasta nuestros tiempos . Su apoyo a la idea de devoción proviene de que Cristo se presenta en la pintura como un regalo, que vincula con el mecenas de la pintura debido a un juego de palabras percibido con la palabra italiana para "regalo", donare , y el nombre del mecenas, Doni (que significa literalmente, en italiano, 'regalos'). Profundizando en la metáfora de Cristo como regalo, se considera que el hecho de que María sostenga a Cristo en la pintura hace referencia a la elevación de la hostia durante la misa. [22] Mirella Levi D'Ancona sostiene que la imagen refleja las opiniones de Miguel Ángel sobre el papel de los miembros de la Sagrada Familia en la salvación humana y la inmortalidad del alma. La ubicación y el énfasis de la Virgen se deben a su papel en la salvación humana. [4] Ella es a la vez la madre de Cristo y la mejor intercesora para apelar a él. Miguel Ángel, que había sido fuertemente influenciado por el dominico fray Girolamo Savonarola en Florencia, utiliza la imagen para defender el punto de vista maculista, una filosofía de la orden dominicana que rechaza la idea de la Inmaculada Concepción de María. [4] La visión maculista es que la Virgen no recibió su santificación al nacer sino en el momento de la encarnación de Cristo; así, la imagen representa el momento de la santificación de María al mostrar al Niño Jesús bendiciéndola. Miguel Ángel representa a Cristo como si estuviera saliendo del hombro de María para tomar forma humana, con una pierna colgando sin fuerzas y la otra no visible en absoluto, convirtiéndolo así en parte de María. Además, sus músculos y su equilibrio transmiten un movimiento ascendente, como si estuviera saliendo de ella, aunque está por encima de María, afirmando su superioridad sobre ella. [5] Además, sostiene que los desnudos deben interpretarse como pecadores que se han quitado la ropa para limpiarse y purificarse mediante el bautismo. Por lo tanto, el agua que separa a los pecadores de la Sagrada Familia, justo más allá de la franja horizontal en el centro del cuadro, puede considerarse como las "aguas de separación" mencionadas en la Biblia . También sostiene que las cinco figuras pueden representar las cinco partes del alma: el alma superior (alma e intelecto) a la izquierda y el alma inferior (imaginación, sensación y facultad nutritiva) a la derecha, una representación visual de las vistas. de Marsilio Ficino, a quien Miguel Ángel hace referencia en otras obras. [23] Además, al mirarlos como grupos separados, sugiere que las dos figuras a la derecha de María representan las naturalezas humana y divina de Cristo, mientras que las tres a su izquierda representan la Trinidad. [11]
Andrée Hayum sostiene que el encargo del tondo por parte de la familia Doni ayudó a enfatizar los "ideales seculares y domésticos" de la pintura en lugar de verlo como un "objeto devocional". [3] Al elegir un tondo como formato para la imagen, Miguel Ángel hace referencia a la larga asociación de la forma con la representación de la " Adoración de los Magos , la Natividad , [y] la Virgen y el Niño ". [3] Hayum también encuentra muchas alusiones a Noah a lo largo de la obra. Ella postula una referencia de la Virgen a la nuera de Noé, una sibila, lo que convierte a José en una encarnación del propio Noé. [24] Hayum apoya aún más esto al reconocer el vínculo directo entre José y Noé como se muestra en las pinturas del Techo Sixtino de Miguel Ángel. [25] Este vínculo con Noé también da una explicación a los desnudos del fondo, cuyas formas pueden haber inspirado a los hijos en La embriaguez de Noé . [26] La alusión a la historia de Noé también trae a colación temas del agua bautismal, dando lugar así a una interpretación de los desnudos similar a la de D'Ancona: "catecúmenos en espera del bautismo" de Juan Bautista, cuyo "aislamiento en una fosa espacio" indica su papel especial de bautizador. [8]
Roberta Olson afirma que la pintura representa la "importancia de la familia" y está relacionada con "los descendientes esperados de Doni". [27] Una de las formas en que la pintura representa un "buen matrimonio" es mediante la aparentemente "acción recíproca" del trato de Jesús entre José y María. [28] Se le da mucha importancia a José por los colores de su ropa: el amarillo, que indica el aspecto divino de la familia, así como la "verdad", y el púrpura, que representa el linaje real que se remonta a la Casa de David . [28] Además, José es importante para la pintura al hacer referencia al segundo nombre del "tercer hijo de Doni que vivió más allá de la infancia". [29] El tema del bautismo también se sugiere en el marco de la pintura a través de una posible referencia a la Porta del Paradiso de Ghiberti – siendo uno de los tres juegos de puertas del Baptisterio florentino (dos de las cuales fueron de Ghiberti) – los detalles esculpidos se refieren indirectamente a el rito del Bautismo, importante para los Donis y su deseo de tener un hijo como producto de un buen matrimonio, ejemplificado por la Sagrada Familia, quizás uno de los motivos detrás del encargo de la obra. [9]
Medios relacionados con Tondo Doni en Wikimedia Commons