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Cómics filipinos

Los cómics filipinos ( en filipino : Komiks ) han sido populares en todo el país desde la década de 1920 hasta la actualidad. El experto en cómics John A. Lent postuló que la tradición de los cómics filipinos tiene "el mayor atractivo para el público, los genios de la caricatura más conocidos y el contenido de cómics más variado" en Asia después de Japón y Hong Kong . [1]

Los orígenes de las tiras cómicas filipinas se remontan a principios del siglo XX, y los cómics ganaron un amplio número de lectores después de la Segunda Guerra Mundial . [2] Estos primeros cómics estaban profundamente arraigados en los estilos y formatos occidentales, [3] pero poseían un carácter distintivo como melodramas disfrutados tanto por niños como por adultos. [4] Marcados por ilustraciones barrocas ornamentadas dibujadas en líneas gruesas, [4] [5] los cómics filipinos alcanzaron su máxima popularidad como pasatiempo nacional durante la década de 1980. También sirvieron como material de origen para películas, así como para promover iniciativas gubernamentales. [6] Sin embargo, a finales del siglo XX, el interés público comenzó a decaer, y las formas alternativas de entretenimiento como la televisión e Internet tomaron precedencia, lo que llevó al declive de los cómics distribuidos a nivel nacional. Posteriormente, florecieron la autoedición y las editoriales independientes , y se formaron comunidades de cómics a través de convenciones . La aparición de los webcomics proporcionó una nueva vía para publicar obras.

Historia

Origen: Siglo XIX – Segunda Guerra Mundial

Una de las ilustraciones de José Rizal que representan el cuento popular La tortuga y el mono ( tagalo : Ang Pagong at ang Matsing o Si Pagong at si Matsing ).

Algunos creen que el origen de las caricaturas indígenas filipinas se remonta al activista independentista José Rizal . Rizal creó en forma privada varias historias ilustradas , siendo un ejemplo notable su versión ilustrada de 1885 del cuento popular filipino La tortuga y el mono , que presentaba una combinación de palabras e imágenes similar a las caricaturas modernas. [7]

Como en muchos países, la caricatura comercial en Filipinas se originó con caricaturas políticas de un solo panel en publicaciones satíricas . [8] Revistas y periódicos como Te con Leche y El Tio Verdades durante el período colonial español , seguidos por Lipang Kalabaw y Philippines Free Press bajo el dominio estadounidense , criticaron extensamente tanto a las potencias coloniales como al gobierno local a través de caricaturas. [8] [9] Las primeras caricaturas políticas personificaron a la nación como "filipinas", una doncella ingenua cortejada por el Tío Sam , quien luego fue reemplazada por Juan dela Cruz , un hombre común que usaba pantuflas presentado por Jorge Pineda en The Independent . [10] Pintores notables de esta época, como Fernando Amorsolo y Botong Francisco , también fueron conocidos por sus caricaturas. [11]

El semanario Liwayway , la primera revista literaria de Filipinas, presentó su primera tira cómica en 1929. [8] [12] [13] Titulada Mga Kabalbalan ni Kenkoy (Desventuras de Kenkoy), la tira se centraba en Kenkoy , un filipino que intentaba imitar a los estadounidenses. [13] [14] [15] Este notable personaje fue creado por el escritor Romualdo Ramos y por el ilustrador Tony Velasquez , que tenía 18 años en ese momento, por encargo del editor Ramon Roces  [tl] . [14] La historieta corta se expandió rápidamente hasta ocupar una página a todo color, [8] luego avanzó a las distintas ediciones lingüísticas de la revista. [16] El apodo "Kenkoy" se arraigó en la lengua vernácula filipina como un término que significa "alguien que es escandalosamente hilarante, gracioso o divertido", [17] y el personaje persistió en los cómics y los medios visuales hasta bien entrado el siglo XXI. [14] Velasquez ha llegado a ser llamado "padre de los cómics filipinos", en parte debido a su papel como editor en años posteriores, proporcionando a numerosos creadores una plataforma para publicar sus obras. [18]

Durante la década de 1930, los cómics filipinos reflejaban en gran medida las tiras cómicas estadounidenses. [19] José Zabala-Santos era famoso por sus creaciones inspiradas en Popeye , Lukas Marakas y Popoy . [20] [21] El primer cómic de aventuras, Kulafu de Francisco Reyes , presentaba a un héroe al estilo de Tarzán en las selvas de Luzón durante la era prehispánica . [19] [22] [23] En medio de las presiones de la occidentalización, estas aventuras pseudohistóricas continuaron cautivando al público de Filipinas. [24]

Durante la Guerra del Pacífico , Manila cayó bajo control militar japonés en enero de 1942. [25] Las autoridades militares japonesas impusieron una prohibición a los periódicos locales, mientras utilizaban publicaciones propiedad de la familia Roces, como Liwayway y The Tribune , para propaganda. [26] Las tiras cómicas estadounidenses, incluidas The Lone Ranger y Fritzi Ritz , que se habían serializado en The Tribune , fueron reemplazadas por The Boy 'Pilipino' del dibujante japonés Keizo Shimada  [ja] y The KALIBAPI Family de Tony Velasquez. [27] Estas obras, sujetas a la censura del Cuerpo de Propaganda Japonés, promovieron programas de asimilación como la educación en idioma japonés y sugirieron formas de abordar la escasez de suministros. [28]

Edad de oro: década de 1940-1950

Después de la Segunda Guerra Mundial , los editores filipinos comenzaron a adoptar el formato de los cómics estadounidenses , influenciados por la abundancia de cómics en las guarniciones de los soldados estadounidenses. [2] [20] [29] A diferencia del formato de una sola historia común en los EE. UU., Estas publicaciones periódicas filipinas eran típicamente antologías que iban de 36 a 45 páginas. [4] Liderando esta tendencia estaba Halakhak Komiks , una publicación semanal de corta duración lanzada por Tony Velasquez en 1946. [16] Posteriormente, en 1947, Ramon Roces estableció Ace Publications, nombrando a Velasquez como editor en jefe. [30] Ace presentó Pilipino Komiks y varios otros, incluidos Tagalog Klasiks , Hiwaga Komiks y Espcsyal Komiks . [16] A medida que estas revistas quincenales se hicieron populares, evolucionaron a publicaciones semanales y luego semestrales. La tirada inicial comenzó con 10.000 ejemplares, superando con el tiempo los 100.000 ejemplares. [31] En 1950, otras editoriales entraron en la industria y las revistas de divulgación empezaron a dedicar números especiales a los cómics. Además, los cómics estadounidenses traducidos se hicieron cada vez más comunes. [31] Aunque muchas de estas editoriales se enfrentaron a diversos retos y fluctuaciones de la industria, Roces y su familia seguirían siendo una figura dominante en la industria del cómic durante décadas. [32]

Los cómics filipinos vivieron una época dorada durante la década de 1950, [31] cuando los cómics asequibles se hicieron ampliamente disponibles en los quioscos callejeros y las tiendas generales ( tiendas sari-sari ), suplantando gradualmente a las revistas literarias. [2] [33] Mientras que los títulos estadounidenses como Superman , Archie y MAD , vendidos en supermercados y librerías, eran consumidos principalmente por las clases medias, [34] los cómics locales fueron adoptados por la gente común. [35] La mayoría de los creadores tampoco provenían de la élite intelectual. [36] Debido al grupo compartido de escritores, los cómics filipinos heredaron la característica del melodrama didáctico de las literaturas populares. [37] Inicialmente sirviendo como un medio de escapismo de la realidad, los cómics evolucionaron con el tiempo, con historias cada vez más sofisticadas y géneros diversos que surgieron a lo largo de la década de 1980. [38]

Desde sus inicios, los cómics se enfrentaron a las críticas de grupos conservadores y religiosos debido a la percepción de contenido de baja calidad. [39] [40] En 1954, tras el establecimiento del Código del Cómic en la industria del cómic estadounidense, [41] se formó la Asociación de Editores y Editores de Cómics-Revistas de Filipinas (APEPCOM), encabezada por Ace. En colaboración con la Iglesia Católica, APEPCOM implementó un código de autorregulación destinado a excluir de sus obras "la suciedad perjudicial para la moral", como el sexo explícito, el terror y las actividades delictivas. [42] En consecuencia, los cómics filipinos persistirían en evitar el humor ofensivo o vulgar hasta el siglo XXI, centrándose predominantemente en el humor simple y la sátira política. [43]

Una hoja de sellos que destaca Slice of Life de Larry Alcala , emitida en 2022.

Durante esta era, surgieron muchos artistas que darían forma a la historia de los cómics filipinos. [42] Francisco Coching , un guerrillero de la Segunda Guerra Mundial, [22] estableció el estilo autóctono de los cómics filipinos con sus dibujos dinámicos e intrincados. [2] Apodado "el decano de los cómics filipinos", Coching fue honrado póstumamente con un premio al Artista Nacional . [44] Larry Alcala dejó un legado duradero con su carrera de 56 años, en particular a través de su Slice of Life , una serie de tiras cómicas de un solo panel que retrata la vida cotidiana en Filipinas sin diálogo. [45] Alcala también recibió el título de Artista Nacional. [46] Mars Ravelo presentó al icónico superhéroe filipino, Darna . [2] [47] Otras creaciones de Ravelo, como el Capitán Barbell , Lastikman , [a] la sirena Dyesebel y el personaje humorístico Bondying , [2] han visto remakes en el siglo XXI, cautivando a una nueva generación de lectores. [49] Otras figuras notables incluyen a Alfredo Alcalá , Clodualdo del Mundo , Néstor Redondo , Alex Niño , Pablo S. Gómez y Jesse Santos . [42]

Regulación bajo la dictadura, salida de talentos a Estados Unidos: décadas de 1960 y 1970

Cuando Ace Publication se declaró en quiebra en 1963 tras una huelga de impresores, los creadores que habían contribuido a la empresa se aventuraron a emprender sus propios negocios. [31] Velasquez dirigió GASI (Graphic Arts Services Incorporated) con el apoyo de Roces. [50] Pablo Gómez y Mars Ravelo establecieron sus respectivas editoriales PSG (1964) y RAR (1970) y publicaron varios títulos semanales. Sin embargo, muchos de los nuevos participantes en la industria del cómic a menudo se enfrentaban a la inestabilidad, en parte debido a la lenta economía filipina. [51] Larry Alcala reflexionó sobre este período y señaló que la sobreproducción condujo a una disminución de la calidad, lo que marcó el final de la época dorada. [31]

La " bomba " y los "cómics de desarrollo" son géneros exclusivos de Filipinas que surgieron en la década de 1960. [31] Los cómics de bomba, publicados por editoriales efímeras, presentaban historias pornográficas , fotos de desnudos y mensajes políticos ocasionales. A pesar de enfrentarse a la condena de grupos religiosos y feministas, las revistas de bomba siguieron siendo populares hasta que se vieron obligadas a pasar a la clandestinidad tras las medidas de aplicación intensificadas durante la ley marcial a partir de 1972. [43] [52] Los cómics de desarrollo, publicados por agencias públicas, tenían como objetivo crear conciencia sobre la planificación familiar y se informó de su impacto en el control de la población. [42] Los cómics también se utilizaron como herramienta de relaciones públicas del gobierno. [36] Durante la presidencia de Corazón Aquino a finales de la década de 1980, los cómics se utilizaron para difundir mensajes que instaban a las guerrillas comunistas a rendirse, camuflados como historias románticas y distribuidos en todo el país. [36]

En la década de 1970, los artistas filipinos comenzaron a penetrar en el mercado estadounidense, iniciados por Tony DeZuniga , un inmigrante filipino radicado en Nueva York. Reclutado por el editor de DC Comics Joe Orlando en 1970, DeZuniga crearía al héroe western Jonah Hex y contribuiría a Conan el Bárbaro , así como a varios títulos de romance , terror y guerra . [53] [54] [55] En 1971, DeZuniga recomendó al editor de DC Carmine Infantino que visitara Filipinas para buscar nuevos talentos a tarifas moderadas. [54] Esta iniciativa resultó en una salida significativa de artistas filipinos, incluidos Alex Niño, Nestor Redondo y Alfredo Alcala. [53] [54] Reconocidos por su habilidad para el dibujo, velocidad y rango artístico diverso, los artistas filipinos se convirtieron en una presencia importante en los cómics estadounidenses. Sin embargo, a medida que las preferencias de los lectores cambiaron en la década de 1980, muchos artistas filipinos hicieron la transición a trayectorias profesionales alternativas, como la animación. [54]

En 1972, la administración de Ferdinand Marcos impuso la ley marcial , obligando a todos los editores a alinearse con una postura pro-régimen. [57] La ​​administración reconoció la influencia significativa de los cómics en la opinión pública y publicó cómics para promover sus políticas, [57] [58] al tiempo que establecía el Consejo Asesor de Medios para regular el contenido de los cómics. [59] La industria del cómic cumplió, lo que llevó a la desaparición de obras que retrataban la pobreza o el malestar social de sus páginas. [57] Aunque Filipinas había disfrutado anteriormente de un nivel excepcional de libertad para la sátira política entre los países del sudeste asiático, [10] los caricaturistas políticos críticos con el gobierno comenzaron a ser condenados al ostracismo. [60] Los periódicos y revistas bajo la influencia de Marcos publicaron caricaturas humorísticas desprovistas de comentarios políticos, lo que fomentó el florecimiento del género. [36] [61] Nonoy Marcelo , uno de los incluidos en la lista negra, evadió la censura al unirse a la agencia de medios estatal e infundió una sutil sátira política en sus caricaturas que presentaban a su personaje rata Ikabod . [60] Finalmente, Marcos fue derrocado en 1986, pero las caricaturas satíricas no recuperaron su antigua prominencia, ya que los conglomerados de medios excluían cada vez más el contenido considerado perjudicial para los intereses comerciales. [62]

La década de 1970 presentó múltiples desafíos para la industria del cómic filipina. Además de perder talentos en beneficio de su contraparte estadounidense, que pagaba más, [b] la industria enfrentó críticas de la administración y de la Iglesia Católica por el contenido percibido como "dañino", por no mencionar la recesión económica. [64] Mientras que varias editoriales más débiles sucumbieron a estas presiones, empresas como GASI y Atlas, propiedad de Ramon Roces, continuaron prosperando. La circulación y los ingresos de GASI se cuadriplicaron entre 1975 y 1978. [57]

La decadencia de la industria: los años 1980 y 1990

La popularidad de los cómics filipinos alcanzó su punto máximo en la década de 1980, marcada por la publicación de 47 cómics semanales y una circulación total de 2,5 a 3 millones de copias a mediados de la década de 1980. El número real de lectores superó con creces estas cifras debido a la compartición convencional de copias entre amigos y familiares, lo que convirtió a los cómics en la forma de publicación más consumida, incluso superando a los periódicos. [65] Con una red de distribución nacional bajo su propiedad, Roces continuó manteniendo una posición dominante, [66] poseyendo 62 de los 71 títulos en el mercado en 1992. [67] El modelo editorial establecido por la familia Roces, caracterizado por los cortos períodos de publicación, una amplia gama de títulos y precios asequibles, enfrentó desafíos mínimos por parte de editoriales más pequeñas. [67] Sin embargo, este oligopolio condujo a un enfoque conservador del contenido, a menudo favoreciendo las ideas recicladas sobre la innovación. [66] La búsqueda incesante de velocidad de producción resultó en una disminución de la calidad, ejemplificada por el escritor Carlo Caparas , quien una vez produjo 36 obras (generalmente de 4 páginas cada una [68] ) por semana, mientras que otro artista completó 19 obras por semana con ayuda para el trabajo de pluma. [66]

En la década de 1990, la inestabilidad económica, la agitación política y los desastres naturales tensaron las finanzas familiares y provocaron una marcada caída en las ventas de cómics. [69] Al mismo tiempo, las nuevas formas de entretenimiento, incluida la televisión, los videojuegos, Internet y los cómics extranjeros, intensificaron aún más la competencia. [66] Además, la marcha de los mejores artistas a otras industrias o a oportunidades en el extranjero, combinada con técnicas de impresión y encuadernación obsoletas, contribuyó a las dificultades de la industria. [70] Para abordar la caída del mercado, los editores de cómics emplearon varias estrategias, incluida la integración de la estética del anime japonés y los videojuegos en los títulos infantiles y la incorporación del humor para adultos. Estas medidas ofrecieron solo un respiro temporal. [71] Algunos de los títulos de más larga duración en el mundo, en particular los cuatro iniciales fundados por Tony Velasquez alrededor de 1950, que en conjunto acumularon 11.500 números, dejaron de publicarse durante este período. [70]

El fallecimiento del gigante de la industria Ramon Roces en 1993 marcó un momento crucial. Tras su muerte, las empresas familiares de Roces cerraron o interrumpieron por completo la publicación de cómics. [72] Muchos sostienen que los cómics filipinos murieron durante este período. [73] Como señaló un crítico, "Cuando el monopolio de los cómics de Roces cayó a fines de la década de 1990, se llevó todo con él". [70] Aunque la publicación de cómics persistió, la disolución de la red de distribución de Roces disminuyó significativamente la industria y obligó a un cambio en el estilo editorial. [74] Muchos artistas optaron por vías de autopublicación , como Pol Medina Jr. , quien reimprimió su serial de periódico Pugad Baboy como novelas gráficas. [75]

Nuevas olas: década de 1990 a 2000

En la década de 1990, surgió una nueva tendencia cuando los artistas comenzaron a autopublicar minicomics fotocopiados , predominantemente dentro del género de superhéroes de estilo estadounidense , a menudo vendiéndolos en festivales universitarios. [70] Alamat Comics, fundada en 1994 como una pequeña convención para que los creadores independientes se conectaran, [70] eventualmente se expandió para publicar formalmente obras como Wasted de Gerry Alanguilan . [76] Mango Comics y otras editoriales también surgieron, lo que significa un cambio generacional en la publicación de cómics. [77]

Muchos artistas jóvenes se inspiraron para entrar en la industria del cómic estadounidense gracias a Whilce Portacio , un inmigrante filipino que había alcanzado el éxito en Estados Unidos. [78] Portacio realizó visitas periódicas a su país natal a principios de la década de 1990, interactuando con artistas locales y asesorándolos, incluido el grupo Alamat. El estudio que Portacio fundó en Manila ha nutrido talentos como Alanguilan y Leinil Francis Yu , quienes posteriormente han contribuido a Marvel Comics . [79] [80]

Durante la década de 2000, los estilos de publicación de cómics se diversificaron, y más artistas aceptaron obras de editoriales no relacionadas con el cómic o internacionales, junto con la tendencia de la autoedición. [84] [85] Esto último facilitó la creación de una gama más amplia de obras. [86] A fines de la década de 2000, Alanguilan autoeditó Elmer , un drama social con pollos inteligentes, [84] [87] que le valió una nominación al prestigioso premio Eisner . [88]

Las novelas gráficas surgieron como una alternativa viable a los cómics semanales tradicionales. [89] Obras notables como Trese de Budjette Tan, miembro de Alamat, y Kajo Baldisimo , The Mythology Class y Trip to Tagaytay de Arnold Arre , y One Night in Purgatory de Carlo Vergara han sido publicadas en forma de libro por editoriales convencionales. [89] [90] La superheroína queer de Vergara , Zsazsa Zaturnnah , creada en 2002, ganó gran popularidad, lo que llevó a su adaptación a una película y una producción de teatro musical. [91] [92]

La década de 1990 también fue testigo de un aumento en la influencia del manga y el anime japoneses. [93] Esta tendencia se remonta a la década de 1970, cuando los títulos de anime como Voltes V y G-Force habían ganado popularidad entre la creciente audiencia televisiva de la clase media. Sin embargo, el impulso del auge del anime se vio obstaculizado cuando la administración de Marcos prohibió estas series, aunque las razones de estas restricciones siguen siendo debatidas. [94] [95] [c] A fines de la década de 1980, luego de un cambio de régimen, el anime experimentó un resurgimiento con la emisión de Dragon Ball Z y Sailor Moon . [96] Sin embargo, no fue hasta fines de la década de 1990 que el anime realmente penetró en el público en general. El popular programa de comedia Bubble Gang jugó un papel importante en esto al presentar Voltes V , evocando recuerdos del régimen militar y contribuyendo al atractivo más amplio del anime. [94] [96]

En medio de la contracción del mercado, Combatron aprovechó la popularidad de la serie de videojuegos Mega Man , convirtiéndose en un éxito. [71]

La subcultura japonesa cautivó a una generación más joven distinta de los lectores de cómics tradicionales. [4] En 2000, Culture Crash Comics debutó, mostrando obras inspiradas en el manga de alta calidad. [70] [97] Aunque la revista no duró mucho debido a dificultades financieras, [97] su popularidad estimuló el surgimiento de seguidores como Mangaholix del mismo editor, [70] junto con Questor y Nautilus Comics . [98] La editorial de cómics de superhéroes Mango Comics lanzó el título shōjo Mango Jam . [70] [85] Incluso revistas infantiles de larga data como Funny Komiks adoptaron ilustraciones de estilo manga. [4] [99] Estas creaciones de artistas filipinos, denominadas "manga Pinoy", marcaron una era de "cómics, komiks y manga" (obras en los estilos estadounidense, filipino y japonés). [100] [101] Entre las obras de manga Pinoy notables se incluyen Love is in the Bag de Ace Vitangcol. [85]

El gobierno japonés promovió activamente el manga como una exportación cultural en Filipinas, al igual que en otras naciones asiáticas. [89] La recepción del manga japonés ha provocado debates controvertidos, reflejando los de otras naciones. [89] Alanguilan ha criticado a los artistas profesionales de manga filipinos por adoptar estilos estrechamente asociados con la identidad cultural japonesa, etiquetándolos como "filipinos". [91] [102]

A medida que surgían nuevos desarrollos, también se estaban realizando esfuerzos para revivir los cómics filipinos tradicionales. Mango Comics reinició viejos superhéroes como Darna, Lastikman y Captain Barbell alrededor de 2003. [49] Con el objetivo de un grupo demográfico de ingresos más altos, Mango optó por distribuir a través de tiendas especializadas de cómics en lugar de quioscos. [84] En 2007, la empresa se embarcó en una infructuosa aventura en los cómics semanales de mercado masivo, nombrando al cineasta y escritor Carlo Caparas como portavoz. [103] El propio Caparas promovió los cómics filipinos a través de iniciativas como el establecimiento de premios para nuevos creadores y la organización de la Caravana de Formación de Artistas para impulsar la escena local del cómic. También inició el Congreso Nacional de Komiks y la Caravana de Komiks con el apoyo de la Comisión Nacional para la Cultura y las Artes para aumentar el conocimiento de los cómics dentro del país. [84] [104]

Década de 2010 hasta la actualidad

En las convenciones se venden obras de artistas filipinos.

En la década de 2010, los cómics se diversificaron aún más en contenido y formatos de publicación. [105] [106] Desde el establecimiento de Komikon en 2005, [107] las convenciones para fanáticos de subculturas como los cómics, el anime y los videojuegos se han convertido en eventos regulares en todo Filipinas. Estas convenciones sirven como plataformas vitales para que los artistas independientes distribuyan sus obras. [86] [100] [108] Las actividades de los fanáticos en línea han prosperado, [100] lo que permite una mayor exposición a influencias internacionales y crea nuevas vías de publicación. [109] Varias plataformas originarias de Filipinas, como Penlab, Webkom Alliance y Kudlis, permiten a los aficionados publicar webcomics. [86] [110] Algunos artistas han encontrado reconocimiento en los webtoons coreanos . [86] Artistas veteranos, incluido Pol Medina Jr., se han aventurado en la publicación y monetización en línea. [74] [111] La adaptación al anime de Trese de Budjette Tan , estrenada en Netflix en 2021, atrajo la atención internacional. [86]

La evolución de la cultura del cómic ha facilitado un aumento de creadoras. [106] En el pasado, los artistas de cómics operaban dentro de una dinámica similar a un aprendizaje, a menudo excluyendo a las mujeres. [112] Sin embargo, con el surgimiento de una nueva generación influenciada por los cómics y el manga occidentales como Sailor Moon y CLAMP , los cómics independientes de artistas femeninas se han vuelto más comunes. [106] A pesar del persistente dominio masculino en el panorama del cómic de la década de 2020, eventos como Komiket empoderan y apoyan activamente las actividades creativas de las mujeres. [113]

Los cómics son cada vez más reconocidos como una forma de arte, con frecuentes retrospectivas que honran a los primeros artistas como Ravelo y Coching. [105] En 2010, se presentó un proyecto de ley para un proyecto de archivo de novelas gráficas. [100] La creación de cómics ahora se está integrando en los planes de estudio universitarios, [107] y los grupos de estudiantes están fomentando activamente a los artistas de cómics emergentes. [114] Si bien las cifras de circulación pueden no alcanzar los máximos anteriores, la cultura del cómic está experimentando un resurgimiento en el siglo XXI. [108] Los cómics con el género de amor entre chicos que se centran en las experiencias vividas de la comunidad queer filipina se han vuelto populares en el país en los últimos años, mientras que los festivales de cómics queer se han vuelto comunes cada Mes del Orgullo. [115] [116] [117]

Formatos

El formato tradicional del cómic filipino se estableció firmemente en la década de 1990. [118] Estos libros generalmente abarcaban de 32 a 48 páginas en color y tenían un precio de entre 17 y 20 centavos de dólar estadounidense. Cada número semanal constaba de varios cuentos ( wakasan ) y seriales ( nobela ), cada uno de cuatro páginas. [68] [118] Durante la década de 1970, cada revista presentaba seriales largos característicos, destacándose Anak ni Zuma en Aliwan Komiks como un ejemplo destacado que siguió siendo popular durante más de una década. [119] Además, estos libros de cómics presentaban crucigramas, gags cortos, secciones de cartas, anuncios y secciones en prosa que cubrían temas como chismes de celebridades, biografías y trucos de vida. [68] [118] El título de los cómics era a menudo sencillo, empleando objetos cotidianos, el nombre del personaje principal (de acuerdo con la convención filipina de "característica + nombre de pila") o juegos de palabras basados ​​en el nombre de una celebridad. [67]

Los cómics se vendían en los quioscos de prensa y se calcula que entre seis y diez personas leían cada ejemplar, gracias a la accesibilidad de los locales de préstamo callejeros y a la práctica de compartirlos dentro de las familias y entre vecinos. [34] [36] Una proporción significativa de los lectores eran adultos, en particular mujeres de bajos ingresos, lo que los diferenciaba de sus homólogos estadounidenses. [36]

La mayoría de los cómics se publicaron en tagalo [36] y sirvieron para promover el filipino , el idioma oficial basado en el tagalo, en todo el país. [31] Alrededor de 1980, durante el auge de las giras de prostitución desde Japón a Filipinas, algunas obras con protagonistas japoneses fueron ilustradas por artistas filipinos y publicadas en japonés . [120]

Los cómics tradicionales experimentaron un declive en la década de 1990 y desde entonces han evolucionado hacia formas modernizadas con contenido y encuadernación actualizados, dirigidas a estudiantes universitarios y residentes urbanos adinerados. [121] El público lector ahora está compuesto predominantemente por hombres. [113] Tras la disolución del monopolio de la familia Roces, han surgido numerosas editoriales independientes. [122] Sus propietarios a menudo obtienen su ingreso principal de los medios de comunicación o el mundo académico y con frecuencia son ellos mismos creadores. Estos editores mantienen estrechas conexiones con su base de seguidores, nutriendo una comunidad de nicho. [123] Las librerías generales en Filipinas se centran principalmente en publicaciones extranjeras, lo que coloca a los cómics nacionales en desventaja en términos de ventas y distribución. En consecuencia, los editores independientes ven las convenciones de cómics como canales vitales para las ventas. [124]

Las novelas gráficas , que comprenden principalmente obras occidentales y japonesas en idioma inglés, son ampliamente accesibles en las librerías generales. [125] Este formato de publicación relativamente nuevo abarca una amplia gama de contenido, incluidas antologías, reimpresiones de obras serializadas y cómics de nueva creación. [89]

La mayoría de los mangas pinoy, cómics filipinos influenciados por el manga japonés, se imprimen en color y cubren una amplia gama de temas, ganando popularidad particularmente entre las mujeres de 8 a 25 años. [4] [89] Los editores de manga se centran en los estudiantes de secundaria y preparatoria, ya que las publicaciones adaptadas a este grupo de edad eran limitadas en el pasado. [91]

Características

Estilos de arte

Los cómics tradicionales filipinos se inspiran no solo en las historietas estadounidenses, sino también en las ilustraciones de revistas dibujadas a lápiz, como las de Charles Dana Gibson . [126] El icónico personaje Darna, creado por Mars Ravelo, estuvo influenciado por las obras del ilustrador peruano Alberto Vargas . [48] Según Gerry Alanguilan , un dibujante de cómics conocido por sus esfuerzos en reimprimir y popularizar los cómics antiguos, los dibujantes de cómics filipinos estuvieron significativamente influenciados por los ilustradores estadounidenses reconocidos por sus exquisitas obras de arte, [126] como Franklin Booth , JC Leyendecker , Norman Rockwell y Frank Frazetta . [77] Alanguilan caracteriza el estilo artístico filipino como "clásico y romántico, delineado por pinceladas deliciosas y elegantes". [77]

Francisco Coching fue un artista influyente que dejó una huella duradera en sus contemporáneos a partir de la década de 1950, ganándose el apodo de "Decano de la Ilustración de los Komiks Filipinos". Alanguilan elogió su pincelada "audaz y frenética", señalando que sus figuras "parecían moverse incluso cuando estaban quietas". [127]

Géneros

Los cómics filipinos se originaron en la década de 1930 con obras humorísticas como Kenkoy , seguidas de la popularidad de cuentos heroicos históricos como Kulafu . El posterior auge del melodrama en las décadas de 1940 y 1950, basándose en la tradición de la ficción popular filipina, [128] marcó el tono predominante de los cómics filipinos. [129] Mars Ravelo, uno de los escritores más reconocidos del género, creó Roberta , en la que una niña es intimidada por su madrastra. [128] En la década de 1980, las narrativas melodramáticas infundidas con temas de sexo, violencia y desigualdad de clases ganaron prominencia. [65] A pesar del dominio masculino en la industria, este género fue contribuido por muchas escritoras, entre ellas Elena Patron , que produjo más de 350 cómics cortos y 120 seriales en 20 años, junto con Nerissa Cabral y Gilda Olvidado . [65] [130]

La acción y la fantasía también han sido populares durante mucho tiempo en los cómics filipinos. [131] En la década de 1950, Ravelo presentó a Dyesebel , la sirena que se enamora de un humano, y a la niña superhéroe Darna. [68] Una historia común presentaba al protagonista adquiriendo un objeto mágico (como una máquina de escribir, un bolígrafo o una canasta para aventar) para superar la adversidad. [132] El género también presentaba una variedad de personajes inusuales, incluidos niños mitad bestia, delfines parlantes, [67] mujeres con una serpiente o un ratón como hermanos gemelos, niñas de tres cabezas y "Las Manos", manos cortadas y animadas con ojos y poderes mágicos. [133] Estos personajes a menudo se inspiraban en una mezcla ecléctica de mitos filipinos , romanos y griegos . [134] El género alcanzó su apogeo en la década de 1970 con las obras de Pablo Gómez y Carlo Caparas, y en 1980, las narrativas de fantasía estaban presentes en alrededor del 70% de todas las revistas de cómics. [134]

Los cómics románticos se habían convertido en un género dominante en la década de 1990, y comprendían más de la mitad de las historias publicadas en revistas populares, como lo indica una encuesta de 1992. [67] [68] El editor de cómics Emmanuel Martínez sugiere que los filipinos se sienten particularmente atraídos por las historias de amor debido a su naturaleza romántica, emocional y familiar. [66] Martínez señala que los lectores prefieren cuentos alegres con finales optimistas. [68] Estas historias retrataban con frecuencia personajes como una prostituta compasiva, una hija que se sacrifica por su familia o una mujer engañada por su amante, y el protagonista finalmente prevalece y encuentra la felicidad. [68] [134] Los géneros queer, como el amor entre chicos , han disfrutado recientemente de un aumento de popularidad, especialmente después del auge de las series cinematográficas queer en la década de 2020. [135] [136] [137] [138]

Además de estos géneros principales, los cómics filipinos exploraron una amplia gama de temas, incluidas noticias, política, agricultura, biografía, historia [77] y deportes. Algunas historias mostraban dramas que giraban en torno a personas comunes basadas en narrativas enviadas por los lectores. A menudo se presentaban elementos de ciencia ficción , como aventuras espaciales, trasplantes de órganos, clonación y bebés probeta. [65] Además, no eran infrecuentes las obras que imitaban películas de éxito como Tiburón , El coloso en llamas y James Bond . [139]

Representaciones sexuales y de género

En Filipinas, donde la mayoría de la población es católica, la pornografía está prohibida por ley y la homosexualidad también tiende a considerarse indecente. Las representaciones positivas de la homosexualidad son raras en los medios de comunicación tradicionales. [140] Según la estudiosa de cómics Soledad Reyes , muchos cómics románticos tradicionales mostraban a protagonistas que experimentaban una transformación de la noche a la mañana de "bebés mayores, hombres y mujeres que se chupaban el dedo, [...] y hombres afeminados" a individuos orgullosos y seguros "profundamente conscientes de su sexualidad" a través del poder del amor. [141] Zsazsa Zaturnnah (2003) de Carlo Vergara , un hombre gay que se transforma en una superheroína, marcó un avance significativo en la representación LGBTQIA+ en los cómics. [142] La obra atrajo la atención tanto del público en general como de la academia y allanó el camino para los cómics autobiográficos de artistas LGBTQIA+. [142] [143] Además, existe un fandom de yaoi de estilo japonés , que tenía una pequeña base de fans antes de 2015, [144] [145] pero ha crecido drásticamente desde la década de 2020 y se ha transformado en su propio subgénero de Pinoy BL. Las nuevas generaciones de autores de cómics queer, la mayoría de los cuales son queer ellos mismos, se han centrado en la creación de libros para presentar a la gente el mundo LGBTQIA+, cubriendo tanto las diferencias como las similitudes con la corriente principal heterosexual. Entre las obras notables se incluyen Ang Jowa Kong Crosswise , Champion of the Rose , Nang Mainlove Ako sa Isang Sakristan y Sari Sari Story , [146] [147] [148] [149] mientras que también se han publicado varias antologías de cómics queer en los últimos años. [150] [151]

Temas locales

El idioma, la geografía y la cultura filipinos a menudo se fusionaron con influencias estadounidenses y japonesas en varias obras. [4] Mientras que los superhéroes estadounidenses suelen operar en entornos donde las habilidades sobrehumanas surgen de cualidades innatas o se obtienen a través de medios científicos y entrenamiento, los poderes de los héroes filipinos tradicionales a menudo provienen de la fe. Personajes como Darna, Panday y otros adquieren objetos mágicos como símbolos de la pureza de sus corazones. [4] La obra de Arnold Arre de 1999, The Mythology Class, exploró ampliamente la mitología filipina, revitalizando el género de fantasía que había sido fuertemente influenciado por los cómics de superhéroes estadounidenses. [152] Alrededor de 2020, las obras comerciales incorporan cada vez más noirs y misterios infundidos con criaturas folclóricas . [86] [153]

Adaptaciones

Los cómics tradicionales filipinos habían mantenido una estrecha asociación con la industria cinematográfica. Adaptados a las preferencias y aspiraciones del público filipino " usuario de zuecos ", los cómics demostraron ser un material fuente adecuado para películas, y aproximadamente el 30-40% de los lanzamientos de los principales estudios en 1986 fueron adaptaciones de cómics. [65] Estas adaptaciones cubrieron una variedad de géneros, incluidos melodramas, comedias románticas y aventuras. El cineasta Lino Brocka reconoció su práctica de alternar entre proyectos de orientación artística y aquellos basados ​​​​en cómics que atraen a audiencias existentes. [65] Además de las adaptaciones directas, algunos cineastas proporcionaron historias originales para revistas de cómics, lanzando luego adaptaciones cinematográficas que coincidían con el clímax de la serialización del cómic, con actores que se parecían a los personajes de los cómics. [65]

Una ilustración de la versión de la serie de televisión de 2022 de Darna , interpretada por Jane De Leon .

El siglo XXI sigue siendo testigo de adaptaciones cinematográficas tanto de clásicos antiguos como de cómics más recientes. Entre los clásicos adaptados a series de televisión en la década de 2000 se encuentran Darna (2005) de Mars Ravelo, Bakekang (2006) de Carlo Caparas, Pedro Penduko (2006) de Francisco Coching y Kampanerang Kuba (2005) de Pablo Gómez . [100] A partir de 2016, Darna ha aparecido en 13 películas, tres dramas televisivos, una serie de televisión animada [47] e incluso en representaciones de ballet. [100] Las adaptaciones cinematográficas de cómics recientes incluyen Mulawin (2004), Encantadia (2005) y Atlantika (2006). [100]

En 2004, la Corporación Postal de Filipinas conmemoró los cómics filipinos con la emisión de una serie de sellos . Entre las obras de arte que se presentaron se encontraban Darna de Gilbert Monsanto, Darna de Nestor Redondo, Kulafu de Francisco Reyes y Lapu-Lapu de Francisco Coching. [154]

Premio Nacional del Libro

Lan Medina recibió un premio Eisner en 2003 por su contribución a la serie de cómics estadounidense Fables . [155]。

Los Premios Nacionales del Libro , administrados por la Junta Nacional de Desarrollo del Libro , han incluido una categoría para literatura gráfica desde 1999. [156] [157] A continuación se muestra una lista de artistas y obras premiadas hasta 2024, excluyendo los premios otorgados a antologías.

Arnold Arre
La clase de mitología (1999), en la que los estudiantes de etnografía se enfrentan a hadas y demonios ; Viaje a Tagaytay (2000), una ciencia ficción lírica ambientada en un futuro cercano en Filipinas. [158]
Carlos Vergara
La serie Zsazsa Zaturnnah (2002, 2013), en la que un hombre gay se transforma en una bella superheroína. [159]
Zach Yonzon, Lan Medina
Darna (2003), de Mars Ravelo, un reinicio de la serie de 60 años de antigüedad. [160]
Francis Alfar, Vincent Simbulan
Perfiles de la historia contemporánea de Filipinas; Siglo: Libertad (2004) y Siglo: Pasión (2005). [160]
Budjette Tan y Kajo Baldisimo
La serie Trese (2010, 2012, 2013), en la que el protagonista resuelve casos paranormales que unen el otro mundo con el nuestro. [161]
Budjette Tan, Bow Guerrero y JB Tapia
The Dark Colony (2014), una aventura de lucha contra demonios. [161]
Borg Sinaban
Pilandokomiks (2014), que presenta un pilandok ( ciervo-ratón filipino ) derivado del folclore. [162]
Melvin Malonso
Tabi Po (2014), una historia de un hombre renacido como un demonio caníbal en la era precristiana. [162] [163]
Gerry Alanguilan y Arnold Arre
Rodski Patotski: Ang Dalagang Baby (2014), protagonizada por la niña más brillante del mundo, que se enfrenta a problemas de amor y a una crisis militar. [162]
Mannix Abrera
14' (2015), una serie de humor filosófico protagonizada por seres mitológicos indígenas; News Hardcore! (2016), una comedia ambientada en la industria de los medios; [164] y Kikomachine Komix (2020), una serie de tiras cómicas que aborda los absurdos de la vida. [165] [166]
Rob Cham
Light (2016), una representación colorida y sin palabras de una búsqueda del tesoro en la oscuridad. [167]
Andrés Drilon
Kare-kare Komiks (2016), una aventura metaficcional que abarca múltiples historias. [167]
Bong Redila
Meläg (2017), una historia nostálgica ambientada en una ciudad fantástica. [167]
Emiliana Kampilan
Dead Balagtas (2018), que establece paralelismos entre el mito de la creación filipino y el drama romántico de los humanos. [167]
Kevin Eric Raymundo
Tarantadong Kalbo (2020), un retrato de la vida durante la pandemia de COVID-19. [168]
Philip Ignacio y Alex Niño
Alandal (2023), una aventura histórica ambientada en las Filipinas del siglo XVIII. [169] [170]
R.H. Kirantan
Ang Mga Alitaptap ng Pulang Buhangin (2023). [169]
Mike Alcázaren, AJ Bernardo, et al.
Death Be Damned (2024), una historia de venganza por parte de los muertos. [171]
Russell L. Molina, Ace C. Enriquez
Josefina (2024), ambientada durante la ocupación japonesa y protagonizada por un manananggal , una criatura sobrenatural. [171]

Véase también

Referencias

Notas

  1. ^ Estos superhéroes se inspiraron en personajes estadounidenses. Darna fue concebida como una versión filipina femenina de Superman , [48] el Capitán Barbell se basó en el Capitán Marvel , [4] mientras que Lastikman se inspiró en Plastic Man .
  2. ^ Tony DeZuniga recordó que los artistas filipinos de la época recibían 50 centavos por página en Filipinas, mientras que DC Comics había pagado 12 dólares. [63]
  3. ^ Según el experto en cómics Cheng Chua, hay múltiples perspectivas con respecto a la prohibición del anime por parte de Marcos: algunos sugieren que la historia de Voltes V , que retrata la revuelta contra la opresión, se consideró peligrosa; otros argumentan que fue parte de una ofensiva contra las estaciones de radiodifusión no estatales; mientras que algunos lo atribuyen a la presión de los grupos de mujeres católicas que abogaban contra la representación de la violencia. [94]

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Obras citadas

Lectura adicional

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