Keri Ataumbi (nacida en 1971) es una artista kiowa que pinta y esculpe, pero es más conocida como fabricante de joyas . Sus obras han aparecido en exhibiciones y colecciones permanentes de varios museos, entre ellos el Museo Heard , el Instituto de Arte de Minneapolis , el Museo Peabody Essex , el Museo de Arte Philbrook y el Museo Nacional Smithsonian del Indio Americano . En 2015, ella y su hermana, Teri Greeves, fueron honradas como Tesoros Vivientes por el Museo de Arte y Cultura Indígenas en Santa Fe, Nuevo México .
Keri Sue Greeves nació en 1971 [1] en la reserva india de Wind River en Lander, Wyoming, hija de Jeri Ah-be-hill y Richard V. Greeves. Su padre era un artista y escultor de ascendencia italoamericana. Su madre, miembro de la tribu Kiowa de Oklahoma con herencia comanche , dirigió el puesto comercial en Fort Washakie durante casi treinta años. [2] [3] Ella y su hermana mayor, Teri, crecieron en la parte oriental de Shoshone , en lugar de en la parte norte de Arapaho de la reserva Wind River, y fueron fuertemente influenciadas por sus padres. Cuando era niña, Keri observó a su padre verter metal en su forja para su escultura [4] y quedó fascinada con su fundición . Aprendió de su padre tanto la rebelión como el aprecio por las habilidades técnicas requeridas para el arte, y más tarde dijo que ella y su hermana "le debemos nuestras carreras". [5] También vio a su madre comercializar productos nativos americanos para tratar de llevarlos a un público más amplio y aprendió a identificar las características del trabajo de calidad. [4] Ella le da crédito a su madre por haberle enseñado a celebrar su herencia Kiowa a través de su expresión individual. [6]
Educado en casa hasta la escuela secundaria, Ataumbi se graduó en la Escuela Cambridge de Weston , cerca de Boston . Luego, por sugerencia de su profesor de arte Todd Bartel, se matriculó en la Escuela de Diseño de Rhode Island . [7] Después de un año en 1990, Greeves decidió dejar la escuela y mudarse a Santa Fe, Nuevo México , donde se había mudado su madre. [7] [8] Ese año, cambió legalmente su nombre a Keri Sue Ataumbi, [9] añadiendo el apellido de su abuela Carrie Susie Ataumbi, de quien había sido nombrada. [10] Trabajó brevemente en el comercio minorista y luego abrió un negocio de jardinería con un amigo. Al mismo tiempo, comenzó a exponer y vender pinturas en varias galerías de arte. Cuando su socio decidió ir a la escuela de medicina, disolvieron la sociedad y Ataumbi también regresó a la escuela. Se matriculó en el Instituto de Artes Indígenas Americanas para mejorar sus habilidades pictóricas y, después de obtener un título asociado en 1996, continuó su educación en el College of Santa Fe , ahora Universidad de Arte y Diseño de Santa Fe, donde se graduó magna cum laude. Licenciado en pintura con especialización en Historia del Arte. [7] [8] Ella estuvo fuertemente influenciada por su instructora Linda Swanson, quien le enseñó a encontrar su propia visión y enfrentar las críticas de su trabajo. Después de graduarse, Ataumbi decidió realizar una maestría y se matriculó en la Universidad de Nuevo México . Al cabo de seis meses decidió marcharse porque no quería ser profesora y quería centrarse en su arte. Al tomar un curso para principiantes en fabricación de joyas en un colegio comunitario local, Ataumbi encontró su nicho en el mundo del arte y comenzó a producir joyas. [11]
Las pinturas de Ataumbi son resúmenes de técnicas mixtas que a menudo se centran en la belleza y la ironía opuestas de su entorno. Por ejemplo, en un viaje de estudios en 2000 a Indonesia , trabajó en una serie que presentaba un muro derrumbado en Bali , en lugar de pintar los exuberantes alrededores de la isla. [1] [5] Mientras estaba en Bali, estudió técnicas de fundición con Nyoman Partha para mejorar sus habilidades de fabricación. [12] Sus elecciones escultóricas también desafían la percepción del espectador de que debe utilizar íconos y motivos nativos tradicionales y aceptados para ser un artista nativo. Una de esas esculturas, una mesa de Lucite con patas de hierro fundido extraídas de un molde de los brazos de Ataumbi, desafía la noción de estereotipar el trabajo del artista nativo, mientras que otra, con Pillsbury Doughboys de 12 pulgadas , explora los paralelismos entre los objetos icónicos y la representación cosificadora de los pueblos nativos. en la cultura popular Otra pieza, más tradicional, que creó para el Museo Heard es un bolso plateado forrado en piel de ante, decorado con estrellas de oro y diamantes para representar la leyenda de la Osa Mayor Kiowa [5] .
El trabajo de joyería de Ataumbi generalmente comienza con un tema y luego crea una serie de piezas relacionadas. Por ejemplo, en su Serie Insectos , las piezas se centraron en abejas, escarabajos, damiselas, chinches de agua y avispas avispas. [13] Ella no produce estrictamente piezas con motivos nativos, creyendo que la joyería nativa contemporánea no tiene que reflejar un diseño estereotipado. [11] En cambio, sus piezas a menudo exploran las conexiones y desconexiones de los sistemas de valores. En las culturas indígenas, los artículos de valor incluían cosas como dientes de alce o plumas, mientras que la cultura más amplia se centra en metales y gemas. Ataumbi utiliza materiales de ambas perspectivas culturales en su trabajo. [14] Aunque el oro es uno de sus medios favoritos, también trabaja con plata y platino combinando metales con piedras preciosas, cuerno de búfalo, ante [15] o púas de puercoespín . [10] Su enfoque es artístico; En lugar de prestar una atención meticulosa al engaste de las piedras, combina texturas como diamantes talla rosa y diamantes talla brillante para lograr su efecto artístico. [15] Le interesa mezclar materiales que combinen elementos "que nosotros como pueblos indígenas consideramos valiosos (dientes de alce, búfalo, plumas, etc.) con elementos considerados valiosos en la cultura popular (diamantes, oro de alto quilates, piedras preciosas, etc.). .). Hay una belleza que ocurre al combinar diferentes sistemas de valores a través de material que sea inclusivo [16] .
Una de sus piezas, un collar de conchas de mejillón de su colección Ocean , apareció en la exposición itinerante "Native Fashion Now", [17] que destacó los trabajos de 75 diseñadores de moda nativos americanos diferentes de América del Norte. [18] La exposición itinerante se estrenó en el Museo Peabody Essex en Salem, Massachusetts en 2014 [17] y luego se trasladó a otros lugares como el Museo de Arte Philbrook en Tulsa, Oklahoma , el Museo de Arte de Portland en Oregón antes de terminar en el Smithsonian ' s Museo Nacional del Indio Americano en Manhattan en 2016. [17] [18] La Colección Mommy's de Ataumbi está dedicada a reproducir algunas de las piezas icónicas usadas por su madre, quien murió en 2015. Una de ellas era un anillo de plata comercializado originalmente por Fred Harvey . El giro de Ataumbi en el anillo fue rehacerlo en oro, colocando un pequeño diamante en la parte inferior. Melaw Nakehk'o lo usó y un par de aretes diseñados por Ataumbi en el estreno de The Revenant en 2015. [17] Otra pieza de Mommy's Series presentaba la imagen pintada de su tocaya y una interpretación del fetiche del clan en la forma. de una tortuga que Carrie Susie había hecho cuando nació Greeve. La pintura se combinó con trabajos en metal y ganó el premio al mejor de su clase en 2016 en el Mercado Indio de Santa Fe . [19]
Además de su propio trabajo en series, Ataumbi ha tenido varias asociaciones colaborativas productivas. Junto con Robin Waynee ( Saginaw Chippewa ), en 2011 crearon un conjunto de aretes, anillo y collar con temática de insectos que fue donado a la subasta de gala en beneficio de la Southwestern Association for Indian Arts (SWAIA). En 2014, con el joyero Jamie Okuma ( Luiseño / Shoshone-Bannock ), Ataumbi trabajó en otro conjunto de aretes, anillo y collar basado en imágenes históricas de Pocahontas . El conjunto de técnica mixta, que utilizaba cuentas, piel de ante, diamantes, perlas de agua dulce, vidrio antiguo, oro y wampum indígena , fue adquirido para la colección permanente del Instituto de Arte de Minneapolis . En una segunda colaboración inspirada en la escultura For the Love of God de Damien Hirst , Ataumbi y Okuma crearon For the Love of Art , con un anillo de Marilyn Monroe y una calavera en una pulsera. [10] Aunque ella y su hermana, Teri, una destacada trabajadora de abalorios, normalmente no colaboran en su trabajo, [20] las hermanas hablaron juntas sobre patrimonio y arte en el Museo Wheelwright del Indio Americano , [21] después de que fueron honradas. como Tesoros Vivientes por el Museo de Arte y Cultura Indígenas de Santa Fe en 2015. [22] El premio, otorgado por una división del Departamento de Asuntos Culturales de Nuevo México, reconoció a las hermanas, individual y colectivamente, por su "trabajo con calidad de museo". , que incorpora una narrativa narrativa de su herencia cultural. [6]
Ataumbi ha sido artista residente en UCROSS dos veces. En 2024, Ataumbi realizó una residencia de una semana en Carolina del Norte como parte de su trabajo que se exhibe en el Museo de Arte de Carolina del Norte en "To Take Shape and Meeting" y para una charla en el Museo de Arte Ackland de la UNC.
En 2023 su trabajo apareció en la actriz Lily Gladstone (Blackfeet) y en 2024 recibió el encargo de trabajar con la diseñadora Gabriella Hearst en el look de Gladstone para la Met Gala. Además de colaborar en el vestido, Ataumbi confeccionó todos los complementos del look, incluidos aretes, un adorno para el cabello y anillos.