Kara Elizabeth Walker (nacida el 26 de noviembre de 1969) es una pintora, siluetista, grabadora, artista de instalaciones, cineasta y profesora contemporánea estadounidense que explora la raza , el género , la sexualidad , la violencia y la identidad en su trabajo. Es más conocida por sus cuadros del tamaño de una habitación de siluetas de papel negro recortado . Walker recibió una beca MacArthur en 1997, a la edad de 28 años, convirtiéndose en una de las receptoras más jóvenes del premio. [2] Ha sido la presidenta de la Cátedra Tepper en Artes Visuales en la Escuela de Artes Mason Gross , Universidad Rutgers desde 2015. [3]
Walker es considerado uno de los artistas afroamericanos más destacados y aclamados de la actualidad. [4] [5] [6] [7]
Walker nació en 1969 en Stockton, California . [8] Su padre, Larry Walker , era pintor y profesor. [8] [9] [10] Su madre, Gwendolyn, era asistente administrativa. [11] [12] Una reseña de 2007 en el New York Times describió su vida temprana como tranquila, señalando que "nada en la vida muy temprana [de Walker] parece haberla predestinado para esta tarea. Nacida en 1969, creció en un suburbio integrado de California , parte de una generación para la que el levantamiento y el fervor del movimiento de los derechos civiles y la ira del poder negro eran noticias de ayer". [13]
Cuando Walker tenía 13 años, su padre aceptó un puesto en la Universidad Estatal de Georgia . Se establecieron en la ciudad de Stone Mountain. [14] [11] La mudanza fue un choque cultural para la joven artista. En marcado contraste con el entorno multicultural de la costa de California, Stone Mountain todavía celebraba mítines del Ku Klux Klan . En su nueva escuela secundaria, recuerda Walker, "me llamaban ' nigger ', me decían que parecía un mono , me acusaban (no sabía que era una acusación) de ser una ' yanqui '". [15]
Walker recibió su Licenciatura en Bellas Artes del Atlanta College of Art en 1991 y su Maestría en Bellas Artes de la Rhode Island School of Design en 1994. [16] Walker se sentía incómoda y temerosa de abordar la raza dentro de su arte durante sus primeros años universitarios, preocupada de que fuera recibido como "típico" u "obvio"; sin embargo, comenzó a introducir la raza en su arte mientras asistía a la Rhode Island School of Design para su Maestría.
Walker recuerda haber reflexionado sobre la influencia de su padre: "Uno de mis primeros recuerdos es el de estar sentada en el regazo de mi padre en su estudio en el garaje de nuestra casa y verlo dibujar. Recuerdo que pensé: 'Yo también quiero hacer eso', y prácticamente decidí en ese momento, a los 2 años y medio o 3 años, que era una artista como mi padre". [17]
Walker es mejor conocida por sus frisos panorámicos de siluetas de papel recortado, generalmente figuras negras contra una pared blanca, que abordan la historia de la esclavitud y el racismo estadounidenses a través de imágenes violentas e inquietantes. [18] También ha producido obras en gouache , acuarela , animación de video, marionetas de sombras , proyecciones de linternas mágicas , así como instalaciones escultóricas a gran escala como su ambiciosa exhibición pública con Creative Time llamada " A Subtlety , or the Marvelous Sugar Baby, an Homage to the unpaid and overworked Artisans who have refined our Sweet tastes from the cane fields to the Kitchens of the New World on the Occasion of the demolition of the Domino Sugar Refining Plant" (2014). Las siluetas en blanco y negro confrontan las realidades de la historia al mismo tiempo que usan los estereotipos de la era de la esclavitud para relacionarse con preocupaciones persistentes de la actualidad. [19]
En 1994, llamó la atención del mundo del arte con su mural "Gone, An Historical Romance of a Civil War as It Occured Between the Dusky Thighs of One Young Negress and Her Heart". Este mural de siluetas de papel recortado, que presenta un sur de la época anterior a la Guerra de Secesión lleno de sexo y esclavitud, fue un éxito instantáneo. [20] El título de la obra de arte hace referencia a la popular novela Lo que el viento se llevó de Margaret Mitchell , y las figuras individuales del cuadro indican el universo de cuento de hadas de Walt Disney en la década de 1930. [21] A la edad de 28 años, se convirtió en la segunda beneficiaria más joven de la beca "genio" de la Fundación John D. y Catherine T. MacArthur, [22] solo superada por el reconocido mayista David Stuart . En 2007, la exposición del Walker Art Center "Kara Walker: My Complement, My Oppressor, My Enemy, My Love" fue la primera muestra a gran escala de la artista en un museo de Estados Unidos.
Sus influencias incluyen a Andy Warhol , cuyo arte Walker dice que admiraba cuando era niña, [12] Adrian Piper , [23] [24] y Robert Colescott . [20]
Las imágenes de siluetas de Walker sirven para unir el folclore inacabado en el sur de Estados Unidos antes de la Guerra Civil , planteando cuestiones de identidad y género para las mujeres afroamericanas en particular. Walker utiliza imágenes de libros de texto históricos para mostrar cómo se representaba a los afroamericanos esclavizados durante el sur de Estados Unidos antes de la Guerra Civil. [12] La silueta era típicamente una tradición refinada en la historia del arte estadounidense; a menudo se usaba para retratos familiares e ilustraciones de libros. Walker continuó con esta tradición de retratos, pero los usó para crear personajes en un mundo de pesadilla, un mundo que revela la brutalidad del racismo y la desigualdad estadounidenses.
Walker incorpora fragmentos amenazantes y nítidos del paisaje del Sur, como árboles de musgo español y una luna gigante oscurecida por nubes dramáticas. Estas imágenes rodean al espectador y crean un espacio circular y claustrofóbico. Este formato circular rindió homenaje a otra forma de arte, la pintura histórica de 360 grados conocida como ciclorama. [19]
Algunas de sus imágenes son grotescas; por ejemplo, en "La batalla de Atlanta", [25] un hombre blanco, presumiblemente un soldado sureño, está violando a una niña negra mientras su hermano observa en estado de shock; y un esclavo negro derrama lágrimas sobre un adolescente blanco. El uso de estereotipos físicos como perfiles más planos, labios más grandes, nariz más recta y cabello más largo ayuda al espectador a distinguir inmediatamente a los sujetos negros de los sujetos blancos. Walker retrata las desigualdades y el maltrato de los afroamericanos por parte de sus homólogos blancos. Los espectadores del Studio Museum en Harlem parecían enfermizos, conmocionados y horrorizados al ver su exposición. Thelma Golden , curadora en jefe del museo, dijo que "a lo largo de su carrera, Walker ha desafiado y cambiado la forma en que vemos y entendemos la historia estadounidense. Su trabajo es provocador, emocionalmente desgarrador, pero abrumadoramente hermoso e intelectualmente convincente". [26] Walker ha dicho que su obra aborda la forma en que los estadounidenses ven el racismo con un "enfoque suave", evitando "la confluencia de disgusto, deseo y voluptuosidad que están todos envueltos en [...] el racismo". [19]
En una entrevista con el Museo de Arte Moderno de Nueva York , Walker afirmó: "Supongo que hubo un poco de rebelión, tal vez un poco de deseo renegado que me hizo darme cuenta en algún momento de mi adolescencia de que realmente me gustaban las imágenes que contaban historias de cosas: pinturas de género , pinturas históricas , el tipo de derivados que tenemos en la sociedad contemporánea". [10]
Walker es más conocida por sus instalaciones inmersivas específicas para cada lugar. Walker juega y casi difumina las fronteras entre los tipos de formas de arte. Sus instalaciones pueden fluir entre el arte visual y el arte escénico. Elementos de sus instalaciones como la puesta en escena teatral o las figuras talladas a tamaño natural contribuyen a evocar de alguna manera este comportamiento escénico. Como Walker ha mencionado antes, se centra más en las ideas y conceptos detrás de la obra de arte en lugar de centrarse en el aspecto estético y visual inicial de la obra de arte, creando más una perspectiva conceptual.
Además, Shelly Jarenski analiza el arte de Waker en el contexto de los panoramas. Como contexto de fondo, los panoramas eran muy populares en el siglo XIX y se utilizaban como una forma de entretenimiento. [27] Por lo general, representaban escenas históricas o vastos paisajes. El trabajo de Walker demuestra que las experiencias estéticas incrustadas en el panorama (aunque esas experiencias están arraigadas en los contextos particulares del siglo XIX) persisten como una preocupación en el arte afroamericano, al igual que las consecuencias sociales de la esclavitud y las narrativas raciales que la estructuraron persisten en la configuración de nuestras narrativas culturales contemporáneas de raza y espacio. El trabajo de Walker también proporciona un segundo ejemplo visual de la forma en que los panoramas pueden afectar a los espectadores, ya que es una lucha continua para los académicos contemporáneos comprender la visualidad de los panoramas, dado que las fuentes escritas son a menudo todo lo que sobrevive en el archivo histórico [28] . Al ver los panoramas de Walker, son ilustrativos de eventos pasados o representaciones de la esclavitud de los afroamericanos. Su capacidad para combinar dispositivos que se utilizaban en el pasado y recontextualizarlos con las escenas pecaminosas que crea en sus instalaciones a gran escala deconstruye la estética de estas instalaciones. Como Jarenski mencionó en su artículo, los panoramas de Walker proporcionan un ejemplo visual de cómo sus panoramas afectan a los espectadores, algo que es diferente de los panoramas del siglo XIX que se limitaban a fuentes escritas. Las instalaciones de Walker pueden crear una interpretación visual contemporánea y reforzar uno de los temas de los panoramas: representar eventos históricos. De este modo, arrojan más luz y crean interconexiones sobre el proceso artístico y el resultado artístico final.
Kara Walker explicó una vez su proceso artístico como “dos partes de investigación y una parte de histeria paranoica”, una descripción que captura el enredo de historia y fantasía que impregna su obra. [29] En ese sentido, a través del proceso de Walker de crear su arte, dos tercios de él tienen que ver con el análisis lógico, la investigación y otros recursos de mentalidad racional. Mientras que, por otro lado, sugiere un componente de miedo racional o paranoia. Incluso a pesar del aspecto racional, hay una sensación de inquietud y complejidad que se vincula y se ilustra a través de su obra.
En su pieza creada en 2000, "Insurrección! (Nuestras herramientas eran rudimentarias, pero seguimos adelante)", los personajes silueteados se encuentran sobre un fondo de proyecciones de luz de colores. Esto le da a la pieza una calidad transparente, evocadora de las celdas de producción de las películas animadas de la década de 1930. También hace referencia a la historia de la plantación "Lo que el viento se llevó" y la película Technicolor basada en ella. Además, los proyectores de luz se instalaron de manera que las sombras de los espectadores se proyectaran en la pared, lo que los convirtió en personajes y los alentó a evaluar los temas difíciles de la obra. [19] En 2005, creó la exhibición "8 posibles comienzos" o: "La creación de Afroamérica, una imagen en movimiento", que introdujo imágenes en movimiento y sonido. Esto ayudó a sumergir aún más a los espectadores en sus mundos oscuros. En esta exhibición, las siluetas se utilizan como marionetas de sombras . Además, utiliza la voz de ella misma y de su hija para sugerir cómo la herencia de la temprana esclavitud estadounidense ha afectado su imagen como artista y mujer de color. [19]
En respuesta al huracán Katrina , Walker creó "Después del diluvio", ya que el huracán había devastado muchas áreas pobres y negras de Nueva Orleans . Walker fue bombardeada con imágenes de "corporeidad negra" en las noticias. Comparó estas víctimas con africanos esclavizados amontonados en barcos para el Paso Medio , la travesía del Atlántico hacia América. [12]
Estaba viendo imágenes que me resultaban demasiado familiares. Eran personas negras en un estado de desesperación de vida o muerte, y todo lo corpóreo estaba saliendo a la superficie: agua, excrementos, aguas residuales. Era una reinscripción de todos los estereotipos sobre el cuerpo negro. [30]
Walker participó en la exposición inaugural de 2009 en la Galería Scaramouche de la ciudad de Nueva York con una exposición colectiva llamada "La práctica de la alegría antes de la muerte; simplemente no sería una fiesta sin ti". [31] Entre las obras recientes de Kara Walker se incluyen Frum Grace, Miss Pipi's Blue Tale (abril-junio de 2011) en Lehmann Maupin, en colaboración con Sikkema Jenkins & Co. Una exposición simultánea, "Dust Jackets for the Niggerati- and Supporting Dissertations, Drawings submitted sadfully by Dr. Kara E. Walker", se inauguró en Sikkema Jenkins el mismo día. [32]
Walker creó "Katastwóf Karavan" para el festival de arte de 2018 "Prospect.4: The Lotus in Spite of the Swamp" en Nueva Orleans. Esta escultura era un carro antiguo, con las siluetas características de Walker que representan a los dueños de esclavos y a las personas esclavizadas en los costados y un calíope a vapor hecho a medida que tocaba canciones sobre "la protesta y la celebración de los negros". [33]
Aunque Walker es conocida por sus exposiciones serias con un profundo significado general detrás de su trabajo, admite que confía en "el humor y la interacción con el espectador". Walker ha declarado: "No quería un espectador completamente pasivo" y "quería hacer un trabajo donde el espectador no se alejara; o bien se riera nerviosamente, se dejara arrastrar hacia la historia, hacia la ficción, hacia algo totalmente degradante y posiblemente muy hermoso". [34]
En 2002, Walker creó una instalación específica para el lugar, "An Abbreviated Emancipation (from a largest work: The Emancipation Approximation)", que fue encargada por el Museo de Arte de la Universidad de Michigan, Ann Arbor . [35] La obra representaba motivos y temas de relaciones raciales y sus raíces en el sistema de esclavitud anterior a la Guerra Civil. Varios años después, en 2005, The New School presentó la primera instalación de arte público de Walker, un mural específico para el lugar titulado "Event Horizon", y ubicado a lo largo de una gran escalera que conduce desde el vestíbulo principal a un importante espacio de programas públicos. [36]
El encargo más conocido de Walker debutó en mayo de 2014. Su primera escultura, esta obra fue una obra de arte pública monumental titulada " Una sutileza, o el maravilloso bebé de azúcar, un homenaje a los artesanos no remunerados y sobrecargados de trabajo que han refinado nuestros dulces gustos desde los campos de caña hasta las cocinas del Nuevo Mundo con motivo de la demolición de la planta refinadora de azúcar Domino ". La enorme obra se instaló en la abandonada refinería de azúcar Domino en Brooklyn y fue encargada por Creative Time . La instalación consistía en una figura de esfinge femenina , que medía aproximadamente 75 pies de largo por 35 pies de alto, precedida por un arreglo de quince figuras masculinas jóvenes de tamaño natural, apodadas asistentes. La esfinge, que tenía la cabeza y los rasgos del arquetipo Mammy , se hizo cubriendo un núcleo de bloques de poliestireno cortados a máquina con 80 toneladas de azúcar blanca donada por Domino Foods . [37] Los quince asistentes masculinos fueron modelados a partir de figuras racistas que Walker compró en línea. Cinco estaban hechas de azúcar sólido y las otras diez eran esculturas de resina recubiertas de melaza. Los quince asistentes medían 60 pulgadas de alto y pesaban entre 300 y 500 libras cada uno. [38] [39] La fábrica y la obra de arte fueron demolidas después de que la exposición cerrara en julio de 2014, como se había planeado previamente. [14] [40] [41] [42]
Walker ha insinuado que la blancura del azúcar hace referencia a su "calidad estética, limpia y pura". La escultura también resalta el comercio de esclavos. Al comentar la abrumadora mayoría de la audiencia blanca en la exposición junto con el contenido político e histórico de la instalación, la crítica de arte Jamilah King argumentó que "la exhibición en sí es un comentario sorprendente e increíblemente bien ejecutado sobre la relación histórica entre la raza y el capital, es decir, el dinero obtenido a costa de los esclavos negros en las plantaciones de azúcar en todo el hemisferio occidental. Por lo tanto, la presencia de tanta gente blanca -y mi presencia como mujer negra descendiente de esclavos- también parecía ser parte de la muestra". [43] La obra atrajo a más de 130.000 visitantes en sus ocho fines de semana de exhibición. En su comentario sobre la escultura, el historiador de arte Richard J. Powell escribió: "No importa cuán noble o festivo parezca el título que Walker le dio a esta obra, en este momento posmoderno de escepticismo moral y desconfianza colectiva, una obra de arte en un espacio público —especialmente un desnudo visualmente desconcertante— estaría sujeta no solo a críticas serias, sino también a burlas y troleo en Internet". [44]
En 2016, Walker presentó "La matanza de los inocentes (pueden ser culpables de algo)". En la pintura, Walker representa a una mujer afroamericana cortando a un bebé con una pequeña guadaña . La influencia para este detalle fue la de Margaret Garner , una persona esclavizada que mató a su hija para evitar que su hija volviera a la esclavitud.
En 2019, Walker creó "Fons Americanus", la quinta Comisión Hyundai anual en el Turbine Hall de la Tate Modern . [45] La fuente, que mide hasta 13 pies (4,0 m), contiene motivos alegóricos que hacen referencia a las historias de África, América y Europa, particularmente relacionadas con el comercio de esclavos en el Atlántico . En su reseña de "Fons Americanus" de Walker para Artnet News , Naomi Rea señaló que "la pieza está tan cargada de referencias históricas y culturales del arte que se podría enseñar un curso completo de historia universitaria sin salir de Turbine Hall". [45] Por ejemplo, Walker cita obras de arte específicas, entre ellas The Slave Ship de 1840 del pintor británico JMW Turner y The Gulf Stream de 1899 del pintor estadounidense Winslow Homer . [46] También observó que, debido al agua corriente de la fuente, la gran obra de arte podía verse y escucharse en el Turbine Hall. [45] La obra es, al mismo tiempo, una especie de monumento público inspirado en parte en el Victoria Memorial frente al Palacio de Buckingham . En 2019, la aclamada escritora Zadie Smith observó algo sobre los monumentos públicos que Walker cuestiona en "Fons Americanus": "Los monumentos son complacientes; ponen un sello al pasado, nos liberan del miedo. Para Walker, el miedo es un motor: nos impulsa a recordar y temer con razón las ruinas a las que no deberíamos querer regresar y no deseamos recrear, si somos sabios". [47]
En 2023, el Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA) encargó a Walker la creación de la primera instalación específica para su galería de la familia Roberts. [48]
Para la temporada 1998/1999 en la Ópera Estatal de Viena , Walker diseñó un cuadro de gran formato (176 m2 ) como parte de la serie de exposiciones "Safety Curtain", concebida por museum in progress . [49] En 2009, Walker se encargó de la curaduría del volumen 11 de Score!, de Merge Records . Invitado por su colega artista Mark Bradford en 2010 para desarrollar un conjunto de planes de lecciones gratuitos para profesores de K-12 en el Museo J. Paul Getty , Walker ofreció una lección en la que los estudiantes colaboraban en una historia intercambiando mensajes de texto . [50]
En marzo de 2012, el artista Clifford Owens interpretó una partitura de Walker en el MoMA PS1 . [51]
En 2013, Walker produjo 16 litografías para una edición limitada de impresión de bellas artes del libreto Porgy & Bess , de DuBose Heyward e Ira Gershwin , publicado por Arion Press .
El Instituto de Arte de Detroit retiró su obra "Los medios para un fin: un drama de sombras en cinco actos" (1995) de una exposición de 1999 "Dónde están las chicas: grabados de mujeres de la colección del DIA" cuando artistas y coleccionistas afroamericanos protestaron por su presencia. La silueta de cinco paneles de una escena de plantación anterior a la guerra civil estaba en la colección permanente y se volvería a exhibir en algún momento, según un portavoz del DIA. [52]
Una pieza de Walker titulada "El arco moral de la historia idealmente se inclina hacia la justicia pero tan pronto como no se curva de nuevo hacia la barbarie, el sadismo y el caos desenfrenado" causó controversia entre los empleados de la Biblioteca Pública de Newark, quienes cuestionaron su idoneidad para la sala de lectura donde estaba colgada. La obra de arte incluía representaciones del Ku Klux Klan acompañado de una cruz en llamas , una mujer negra desnuda practicando sexo oral a un hombre blanco y Barack Obama . [53] La pieza fue cubierta pero no retirada en diciembre de 2012. [54] Después de un debate entre empleados y administradores, la obra fue descubierta de nuevo. [55] En marzo de 2013, Walker visitó la Biblioteca Pública de Newark, Nueva Jersey, para hablar sobre la obra y la controversia. Walker habló sobre el contenido de la obra, incluido el racismo, la identidad y su uso de figuras "heroicas" como Obama. Walker preguntó: "¿Estos arquetipos colapsan la historia? Se supone que deben expandir la conversación, pero a menudo la colapsan". [53] Walker describió la abrumadora temática de sus obras como "demasiado". [53]
En el documental de PBS de 1999 "I'll Make Me a World", la artista afroamericana Betye Saar criticó la obra de Walker por su representación "repulsiva y negativa" de los estereotipos negros y de las personas esclavizadas. Saar acusó al arte de complacer el disfrute del "establishment artístico blanco". En 1997, Saar envió un correo electrónico a 200 colegas artistas y políticos para expresar sus preocupaciones sobre el uso de imágenes racistas y sexistas por parte de Walker y su recepción positiva en el mundo del arte. [56] Esta atención a la práctica de Walker condujo a un simposio de 1998 en la Universidad de Harvard, Change a Joke and Slip the Yoke: A Harvard University Conference on Racist Imagery , que analizó su obra. [57]
Tras el ataque liderado por Hamás contra Israel del 7 de octubre de 2023 , Walker fue uno de los 8.000 artistas que firmaron una carta en Artforum que incluía el siguiente pasaje, que fue criticado por ser antisemita [58] ya que no mencionaba a la organización terrorista Hamás ni a los israelíes que fueron asesinados. [59]
Apoyamos la liberación palestina y pedimos el fin de los asesinatos y daños a todos los civiles, un alto el fuego inmediato, el paso de la ayuda humanitaria a Gaza y el fin de la complicidad de nuestros órganos de gobierno en graves violaciones de los derechos humanos y crímenes de guerra.
La primera investigación museística de Walker, [60] en 2007, fue organizada por Philippe Vergne para el Walker Art Center en Minneapolis y viajó al Museo Whitney en Nueva York, al Museo Hammer [61] en Los Ángeles y al ARC/Musee d'Art Moderne de la ville de Paris . [62] [14]
Entre las colecciones públicas que albergan obras de Walker se encuentran el Minneapolis Institute of Art [74] y el Weisman Art Museum (Minneapolis, Minnesota); [75] la Tate Collection , Londres; [76] el Pérez Art Museum Miami , [77] el Museum of Contemporary Art , Los Ángeles, [78] el Madison Museum of Contemporary Art (Madison, WI), la Menil Collection , [79] Houston; [80] y el Muscarelle Museum of Art , Williamsburg, Virginia. [81] Las primeras obras de papel recortado a gran escala han sido coleccionadas por, entre otros, Jeffrey Deitch y Dakis Joannou . [82]
En 1997, Walker, que tenía 28 años en ese momento, fue una de las personas más jóvenes en recibir una beca MacArthur . [11] Hubo muchas críticas [ palabras ambiguas ] debido a su fama a una edad tan temprana y al hecho de que su arte era más popular dentro de la comunidad blanca. [83] En 2007, Walker fue incluida entre las 100 personas más influyentes del mundo, artistas y animadores de la revista Time , en una cita escrita por su compañera artista Barbara Kruger . [84] En 2012, fue elegida miembro de la Academia Estadounidense de Artes y Letras . [85] Fue elegida miembro de la Sociedad Filosófica Estadounidense en 2018. [86]
Walker ha recibido el Premio Deutsche Bank [87] y el Premio Larry Aldrich . [88] Fue la representante de los Estados Unidos para la 25ª Bienal Internacional de São Paulo en Brasil (2002). [89] Es la ganadora del Premio Larry Aldrich 2005. [90] En 2016 completó una residencia en la Academia Americana en Roma . [91]
Walker ha aparecido en PBS . Su trabajo aparece en la portada de la grabación del músico Arto Lindsay , "Salt" (2004). Además, coescribió la canción "Suicide Demo for Kara Walker" en el álbum de Destroyer " Kaputt ".
Su nombre aparece en la letra de la canción de Le Tigre " Hot Topic ". [92]
En 2017, un retrato mural a gran escala de Kara Walker realizado por el artista Chuck Close se instaló en una estación de metro de la ciudad de Nueva York ( línea Q, calle 86 ), como parte de un programa de artes públicas de la MTA . [93]
En 2019, Walker fue elegido miembro de la Real Academia de las Artes de Londres, como Académico Real Honorario (HonRA) . [94]
Al principio de su carrera, Walker vivió en Providence, Rhode Island , con su marido, el profesor de joyería nacido en Alemania Klaus Bürgel, [95] [96] con quien se casó en 1996. En 1997, dio a luz a una hija. [97] [91] La pareja se separó y su divorcio se finalizó en 2010. [98] [91] A partir de 2017, Walker está en una relación con el fotógrafo y cineasta Ari Marcopoulos . [91]
Walker se mudó a Fort Greene, Brooklyn en 2003 y ha sido profesora de artes visuales en el programa MFA de la Universidad de Columbia desde entonces. Mantuvo un estudio en el Garment District, Manhattan desde 2010 hasta 2017. [91] En mayo de 2017, trasladó su práctica artística a un estudio en Industry City . [91] También es propietaria de una casa de campo en la zona rural de Massachusetts . [95]
Además de su propia práctica, Walker formó parte de la junta directiva de la Fundación para las Artes Contemporáneas (FCA) entre 2011 [99] y 2016. [100]
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