Kahlil G. Gibran (`ka-lil jə-ˈbrän) (29 de noviembre de 1922 - 13 de abril de 2008), a veces conocido como "Kahlil George Gibran" (tenga en cuenta la ortografía americanizada preferida del artista de su nombre), era un estadounidense libanés. pintor y escultor de Boston, Massachusetts. Alumno del pintor Karl Zerbe en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston , Gibran recibió por primera vez elogios como pintor realista mágico a finales de la década de 1940, cuando expuso con otros artistas emergentes más tarde conocidos como los "expresionistas de Boston" . [1] Llamado un "maestro de los materiales", como artista y restaurador, Gibran se dedicó a la escultura a mediados de los años cincuenta. En 1972, en un esfuerzo por separar su identidad de la de su famoso pariente y tocayo, el autor de El Profeta , Gibran Kahlil Gibran , que era primo de su padre Nicholas Gibran y de su madre Rose Gibran, el escultor coescribió con su esposa Jean una biografía del poeta titulada Kahlil Gibran Su vida y su mundo . [2] Gibran es conocido por sus múltiples habilidades, incluida la pintura; tallado en madera, cera y piedra; soldadura; y fabricación de instrumentos.
Gibran aspiraba a ser artista desde los siete años. El tercero de cinco hermanos, se inspiró en su primo y padrino homónimo, el poeta Gibran Khalil Gibran. Relacionado con el autor por ambos lados de su familia, fue criado por su familia de inmigrantes libaneses en Boston . Gibran pasaba horas en el taller de carpintería de su padre. De su padre, ebanista, aprendió sobre fabricación de instrumentos y ayudó a diseñar instrumentos de cuerda, incluido un violín en miniatura que atesoró toda su vida.
Gibran vivió en lo que hoy es Chinatown, Boston , y asistió a escuelas públicas locales. Cuando era niño, frecuentaba Denison House [3] , donde ocasionalmente veía a la trabajadora social Amelia Earhart llegar en su famoso roadster amarillo. Visitaba regularmente la biblioteca pública local y disfrutaba elaborando objetos exóticos como la cimitarra de El pozo y el péndulo de Edgar Allan Poe o la guillotina de El cuento de dos ciudades . A los once años, recibió una Mención de Honor en un concurso nacional de talla de jabón, y durante su último año en English High School, [4] recibió el Premio Lawrence de Arte .
Gibran ingresó en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston en 1940. Le ofrecieron una beca completa si se concentraba en la escultura. Sin embargo, optó por una beca parcial del departamento de pintura donde estudió con Karl Zerbe. La experiencia marcó su carrera. “Era un atelier”, recuerda. “Nos permitieron desarrollar nuestra propia visión mientras nos asentaban en los fundamentos: dibujo, anatomía, técnicas y materiales”. Ganador del Concurso de Verano de Boit en 1942, el joven artista pronto fue reconocido como un maestro de diversos materiales. Era conocido como el nervioso Gibran por su prodigiosa producción impulsada por una abundancia de energía nerviosa y por su profunda preocupación por no ser una carga para su familia. En 1943, poco después de que su estudio para un mural Entrée á Paradis [5] recibiera el premio Karl Zerbe , dejó la escuela para trabajar como aprendiz en varias organizaciones relacionadas con la artesanía.
Durante un período durante la Segunda Guerra Mundial, se desempeñó como dibujante en el Laboratorio de Sonido Submarino de Harvard. [6] Más tarde, sus habilidades para tallar lo llevaron a trabajar para Martin Heiligmann, un dorador de objetos finos y marcos. Al encontrar un estudio en Joy Street en Beacon Hill, también comenzó a trabajar para Boris Mirski [7] cuya Charles Street Gallery atraía a artistas y coleccionistas de Boston. Se corrió la voz sobre el talento del joven artista y Gibran perfeccionó brevemente sus habilidades en el Laboratorio de Conservación del Museo Fogg de la Universidad de Harvard. [8] Finalmente localizó un estudio en 15 Fayette Street en Bay Village de Boston, donde se instaló como trabajador independiente, restaurando y reparando objetos de bellas artes durante el día y pintando por la noche. Poco después de mudarse, conoció al escultor y conservador Morton C. Bradley. [9] Los dos mantendrían una amistad para toda la vida.
Gibran exhibió por primera vez su trabajo creativo original en la Charles Street Gallery de Boris Mirski en 1944. Una reseña de sus cuadros en enero de 1946 en la Stuart Art Gallery lo presentó al mundo del arte de Boston: “Mr. Gibran tiene poco más de veinte años. ... Es un místico y busca un simbolismo que pueda transmitir ideas trascendentes... un romántico del clan artístico de Redon. [10] En otra exposición de la Stuart Art Gallery, Estudio de una cabeza de Kahlil Gibran fue descrito como "la tenue empresa de otro joven místico de Boston". [11] Pronto sus pinturas aparecieron en el Symphony Hall, [12] junto con paneles de su mentor Karl Zerbe en una selección de obras de artistas contemporáneos titulada La fantasía en el arte . Un crítico escribió: “También hay entre estos fantásticos artistas visionarios que perciben imágenes en tenues nieblas oníricas... El retrato, por ejemplo, de Kahlil Gibran”. [13]
En junio de 1947, una reseña del New York Times de las pinturas que expuso en la galería de Jacques Seligmann en la exposición colectiva, Artistas menores de 25 años , reconoció sus esfuerzos con el breve pero elogioso comentario: "Kahlil Gibran trabaja sutil y eficazmente en encáustica ". Cinco meses después, el Instituto de Arte Moderno de Boston (ahora Instituto de Arte Contemporáneo de Boston ) presentó obras "cuidadosamente elegidas entre la producción reciente de artistas notables de Massachusetts". [15] Los expositores incluyeron a Karl Knaths , [16] Edward Hopper y Edwin Dickinson [17] junto con artistas más jóvenes de Boston. ART News publicó un retrato de John Brook [18] de once pintores de Boston, entre ellos Karl Zerbe , Reed Champion , Ture Bengtz , Giglio Dante , Maud Morgan y Lawrence Kupferman. La fotografía muestra a un Gibran serio y pensativo de perfil sentado en una escalera cerca de la pintora Esther Geller . [19]
En su reseña de esta exposición fundamental, Dorothy Adlow , [20] escribió en el Christian Science Monitor : “Kahlil Gibran, que al igual que el señor David Aronson [21] tiene 24 años, pinta una Piedad al óleo con una notable adaptación técnica del pigmento. ". [22] Y más tarde, cuando la Piedad se exhibió en una exposición de Artists' Equity en marzo de 1948, este crítico la anunció como "uno de los cuadros más distinguidos pintados en Boston en los últimos años". [23]
Al cabo de un año, su identidad de “visionario” con gran técnica se fue extendiendo. Al revisar a los pintores contemporáneos de Nueva Inglaterra en el Centro de Arte Fitchburg, la Sra. Adlow reforzó esta imagen: “ The Old Fashioned Bouque ' [24] de Kahlil Gibran expone una vez más el don sensible de ese joven visionario. El Sr. Gibran emplea su técnica de cera de manera más efectiva. Trabaja con coherencia, gracia y poesía". [25]
Gibran continuó exponiendo en exposiciones colectivas en la Galería Niveau e hizo su debut en solitario en Nueva York en la Galería Mortimer Levitt, en abril de 1948. En The Artists Speaks , Adlow lo presentó nuevamente: [26] "Gibran es uno más del grupo excepcional de artistas talentosos que han pasado a primer plano en Boston en los últimos años. Tiene una rara capacidad de imaginar lo intangible, de conjurar lo inmaterial en la tenue y exiguaidad de la imagen concreta... el cuadro más reciente Joseph's Cloak [27] descarta el. esquema cromático tenue para una rica paleta de colores que cantan conmovedoramente".
En junio de 1949, entonces casado con Eleanor “Elly” Mott, una compañera de estudios en Museum School, Gibran comenzó a trabajar para el escultor Ken Campbell [28] durante un verano en Provincetown. Con su creciente reputación como realista mágico, formó amistades cercanas con varios artistas de Provincetown, incluidos Varujan Boghosian , [29] Mischa Richter , [30] Giglio Dante , [31] el poeta Cecil Hemley y el pintor y poeta Weldon Kees . [32] Para The Noonday Press del editor Hemley [33] diseñó el primer colofón de esa editorial. También se involucró con Forum 49 , fundado por Hemley y Kees, un evento fundamental en la cultura estadounidense del siglo XX. Jules Aarons [34], brillante físico y fotógrafo de la comunidad artística de Provincetown, documentó a Gibran, su esposa y sus colegas durante ese fecundo período. Es notable un retrato [35] del artista con su pintura de esqueleto de pez En la playa mostrado en la Galería 200 durante la exhibición original de Forum 49 , [36] y luego nuevamente, en la exhibición conmemorativa del quincuagésimo aniversario de la Asociación de Arte de Provincetown en 1999. Durante los veranos en Provincetown, Gibran y su esposa abrieron una boutique llamada Paraphernalia . Se hizo conocido por sus extravagantes letreros, exhibiciones innovadoras y hermosos maniquíes, todos elaborados por Gibran. Pero pronto, despotricando contra la vida como comerciante, exploró otras vías profesional y personalmente. La pareja acordó separarse, Gibran regresó a Boston y Elly se hizo cargo de la tienda.
A principios de los años cincuenta, Gibran, con el joven pintor de Boston William Georgenes, [37] pasó dos veranos en Nantucket, trabajando en nuevas pinturas y explorando nuevas técnicas. Siempre experimentando con lo último en materiales, él y el artista Alfred Duca, que también vive en el estudio del número 15 de Fayette Street, lograron importantes avances en los medios. El nuevo medio plástico utilizado por el pintor fue la respuesta de Dorothy Adlow a la técnica innovadora de Gibran mostrada en la Galería Margaret Brown, [38] durante el invierno de 1952. [39]
A los 30 años, Gibran recurrió a una forma de arte completamente nueva. "Mi matrimonio se estaba rompiendo...", dijo al Globe en 1967. "Tenía demasiada energía... Después de mi divorcio, la psiquiatría me hizo comprender que tenía que esculpir". [40] Acreditando al Dr. Clemens Benda , [41] al señalar su camino hacia la escultura y, de alguna manera, transformar toda su personalidad, incluso su acercamiento al arte, Gibran desarrolló un fuerte vínculo con ese psiquiatra junguiano que había aprendido de él a través de Hyman Bloom< [42] quien . , como muchos artistas de Boston de la época, buscaban la espiritualidad de formas no tradicionales.
A lo largo de la década de 1940, la amistad de Gibran con Bloom se debió, en parte, a su mutua devoción por la música de lo que entonces se llamaba "Oriente". El joven Gibran siempre había buscado grabaciones de cantantes e instrumentistas árabes de principios del siglo XX, y pronto se unió a un grupo de devotos de la música india y de Oriente Medio que incluía a Bloom, el compositor Alan Hovhaness , [43] el pintor Hermon Di Giovanno , [44] los escultores Frank y Jean Teddy Tock, la Dra. Betty Gregory y, más tarde, James Rubin. fundador de la Pan Orient Arts Foundation de Boston [45] .
A medida que creció la reputación de Gibran en la construcción de instrumentos, también reparó instrumentos para intérpretes de clubes nocturnos locales, además de crear y restaurar instrumentos para el Museo de Bellas Artes de Boston y músicos folclóricos. Lutier autodidacta, comenzó a construir ouds, sazes, laúdes de tipo renacentista e incluso arcos. Su vihuela, precursora española de la guitarra actual de los siglos XV y XVI, fue admirada y tocada por muchos guitarristas clásicos, y apareció en un concierto de 1954 Música de la corte del Renacimiento español [46] [47] en el Museo de Bellas Artes . A lo largo de su vida, continuó entregando su pasión por la construcción de violines y otros instrumentos exóticos. [48] A principios de los años 90 se tomó el tiempo para autopublicar su teoría profundamente investigada que ilumina el misterio de la brillante calidad tonal de Stradivarius y otros violinistas cremoneses. Observations On The Reasons For The Cremona Tone apareció en el boletín de enero de 1994 [49] de Southern California Violin Makers, con el argumento convincente y probado de que pulir la cara de madera de los instrumentos antes de barnizarlos creaba una superficie comprimida, no esponjosa y más caja armónica resonante y el consiguiente brillo y riqueza tonal.
Durante las siguientes seis décadas, Gibran se concentró principalmente en la escultura. Experimentando con metal, construyó sus figuras iniciales a partir de alambre encontrado mientras caminaba por la playa en Nantucket; Pronto combinó esta técnica con la proyección térmica de metales. [50] A mediados de los años cincuenta, Gibran se matriculó en el Instituto Wentworth de Tecnología de Boston , donde aprendió el proceso de soldadura con oxiacetileno . En cuestión de meses, había comenzado a trabajar en su primera figura soldada importante, Juan el Bautista [51], votado como "El más popular" en el Festival de las Artes de Boston de 1956 y nombrado "un espectáculo y coleccionista de multitudes" [52] por Edgar Driscoll del Boston Globe. . Gibran explicó el proceso de creación de Juan el Bautista años más tarde en Sculpture Review [53] en un párrafo que recuerda la afirmación de Miguel Ángel de que una escultura simplemente estaba esperando a ser liberada del interior del bloque de mármol: [54] " Juan el Bautista , mi primer La figura soldada surgió de la fascinación por un revoltijo de alambres descubiertos en un muelle de Boston [nb: el mismo muelle donde se encuentra hoy el Instituto de Arte Contemporáneo] Su bastón, un tirante para muelles, fue erosionado por el mar. una longitud de hierro de lo más bellamente orgánica y táctil. La figura ya estaba allí. Todo lo que se necesitaba era orden. Todo estaba allí, lo conceptual y lo técnico: las cualidades crudas y primarias de John en el desierto reflejadas a través de la brutalización de los objetos del hombre. ".
Voice in the Wilderness , [55] una figura de 7 pies con una varilla de hierro soldada recibió la medalla de oro George D. Widener en la Academia Anual de Pensilvania en 1958. Un año más tarde, Pieta expuso en el octavo Festival de las Artes de Boston y recibió elogios, según lo expresado por The Crítico del New York Times Stuart Preston: “El Gran Premio de Arte de este año fue otorgado a... la figura de la playa de Gilbert Franklins ... pero debe haber sido muy difícil decidir entre ella y la noble y expresiva Piedad de Kahlil Gibran ". [56 ]
Al mismo tiempo que sus figuras soldadas, Gibran aceptaba encargos de trabajos decorativos que a veces eran combinaciones de talla de madera o de tapices de pared de metal soldado extruido abstracto. [57] Para una mansión de Chestnut Hill diseñada por Walter Bogner [58] y su casa de piscina adyacente diseñada por Saltonstall y Morton, [59] ahora incluida en una lista de Edificios Históricos Nacionales, Gibran ejecutó una valla de acero Corten soldada de 100 pies [ 60] que rodea la piscina, los pomos de las puertas [61] y otros elementos arquitectónicos forjados a mano en toda la casa, culminando con su escultura Javelier . [62]
Sculpture/Kahlil Gibran [63] publicado por The Bartlett Press en 1970, se centró en las obras de hierro soldado y acero martillado del artista.
Una vez más, Gibran recurrió a una forma de arte completamente diferente. Con su segunda esposa, Jean English Gibran, pasó tres años coautor de la biografía definitiva de su pariente, Gibran Kahlil Gibran, el autor de El profeta . [64] Kahlil Gibran His Life and World , [65] publicado por primera vez por la New York Graphic Society en 1974 y por Interlink en 1991, fue un esfuerzo no sólo por separar su identidad y la del poeta, sino también por presentar una historia bien investigada, Historia precisa de la inmersión del adolescente en la vida cultural de Boston poco después de su llegada en 1895, y su meteórico ascenso en el mundo de las artes y las letras.
Inmediatamente después de la aparición de la biografía de su famoso pariente, Gibran abandonó la soldadura, pero se expandió hacia varios campos que lo habían fascinado. [66]
Admirador y coleccionista de medallas desde hace mucho tiempo, en 1977, el primer esfuerzo significativo de Gibran relacionado con ese medio fue un retrato en bajorrelieve de su primo para un monumento ubicado en Copley Square [67] [68] frente a la sucursal principal del Boston Public. Biblioteca. La escultura en cera dio lugar a varios encargos, incluidos bajorrelieves del cardenal Richard Cushing , [69] Amy Beach , [70] medalla Elliot Norton [71] y cabezas de retrato Karon, [72] Najwa , [73] Nureyev , [74] Autorretrato . [75] Finalmente tuvo el tiempo y, como siempre, la pasión para cumplir una promesa de la infancia de honrar a sus padres Rose Gibran (su apellido de soltera) y Nicholas Gibran. En 1981, la escultura monumental de Gibran, la Dama de los Cedros del Líbano, de bronce de 12 pies de altura [76], fue colocada en una alta colina de Jamaica Plain sobre una repisa de piedra de pudding de Roxbury , en el sitio de la Iglesia Maronita a la que pertenecía la familia.
Los años ochenta y noventa trajeron más exposición a Gibran como creador multifacético. [77] Volviendo al dibujo, sus obras de técnica mixta [78] se presentaron en varias galerías del área de Boston, incluidas la Cambridge Arts Association, [79] Obelisk Gallery, Pierce Galleries, [80] y la Copley Society [81], donde se convirtió en un maestro Copley. En 1989, durante una exposición individual en la Galería Esthetix en State Street de Boston, [82] Mark Wilson del Boston Sunday Globe lo caracterizó como: [83]
"Un dibujante, un pintor, un coleccionista, un fotógrafo, un fabricante de lentes (hizo su propio teleobjetivo de 600 mm f/4,5 para su Nikon), un restaurador de instrumentos musicales, un artesano, un inventor (tiene nuevos diseños para un horno, un cartucho de escopeta y un destornillador) y un ávido jugador de billar "Me acuesto jugando al billar en mi cabeza", dice, "juego para el juego interior". "
Aunque olvidó mencionar a Gibran como fabricante de joyas [84] y diseñador de muebles, [85] Wilson describió el trípode Gibran que él y Chris Casgrande comenzaron a fabricar y distribuir a instituciones, incluida la tienda de regalos del Museo de Arte Moderno. Al igual que los tacos de billar que fabricó y los cinturones de cuero que diseñó, el diseño de Gibran para este objeto fue elegante y se describió como “un nuevo y brillante producto estadounidense” que, durante su exhibición en la exposición alemana Photokina, “atrajo a los franceses, los alemanes y los italianos”. babeando". [86]
También fue a finales de los noventa cuando Gibran abandonó más o menos el competitivo mundo del arte. A pocos pasos de su estudio en South End , West Canton Street Child [87] presidía Hayes Park. Por primera vez en su vida, evitó deliberadamente la publicidad y le explicó a un vecino que lo entrevistó con éxito: “Aquí vivo en un mundo que es muy diferente. Cuando compramos esta casa creé una especie de refugio, la equipé con todas las herramientas que necesito y me ocupa todo mi tiempo". [88]
Dentro del vibrante mundo del arte de South End, Gibran formó estrechos vínculos con artistas locales, incluido su compañero de clase de Museum School y miembro del grupo de arte de Boston Direct Vision Francesco Carbone, el pintor Steven Trefonides, [89] y los fotógrafos Morton Bartlett , [90] Marie Cosindas y David Robinson. [91]
Junto con su estudio, el cementerio Forest Hills de Boston había simbolizado el escape para Gibran desde que era un niño vagando por sus caminos rurales. En Garden of Memories de Susan Wilson , [92] recordó lo significativo que era el espacio: “Forest Hills tenía una tranquila soledad y magia... Entré por las puertas, y era MÍO, todo mío". [93] En el A principios del siglo XXI, poco después de la creación de su doble figura, Into the Millennium , [94] Gibran se involucró en Forest Hills Educational Trust. Su Seated Ceres [95] se unió a otras obras de arte contemporáneo en su Sculpture Path.
Gibran entregó a Ceres Sentado al cementerio. Apareció en una presentación de diapositivas del New York Times [96] en enero de 2008, y su presencia, sentado en la orilla del lago Hibiscus, se convirtió en un ícono querido.
Los últimos cuatro años de Gibran los pasó contribuyendo a la comunidad. La Colección Jean y Kahlil Gibran [97] se exhibió en el Museo de Arte Danforth de Framingham [98] en 2002. La exposición incluía a muchos colegas de Gibran en Boston [99] –pintores, fotógrafos y escultores a menudo poco representados– a quienes él y su esposa había recopilado a lo largo de las décadas.
La donación de estas obras a Danforth, un museo local que respeta y continúa mostrando a los artistas olvidados de Boston, pronto fue seguida por la búsqueda de la pareja para encontrar un eventual hogar permanente para su archivo Gibran Kahlil Gibran de pinturas, correspondencia y documentos que tenían. cuidadosamente recogido y nutrido. Ayudando y apoyando este plan estuvieron viejos amigos, historiadores del arte, marchantes y escritores Stuart y Beverly Denenberg. [100] Al publicar un catálogo digital confidencial de la Colección Gibran Kahlil Gibran, los Gibran y Denenberg determinaron que entre las diversas instituciones interesadas en adquirir la colección se encontraba el Museo Soumaya de la Ciudad de México . Este instituto proporcionó el espacio, la seguridad, el personal curatorial, los académicos y Pasión por cuidar las obras y bienes del poeta. El 21 de octubre de 2007 el archivo pasó a manos de ese museo.
Poco después, Jean y Kahlil Gibran hicieron otra donación especial cuando el Museo del Condado de Los Ángeles aceptó su amplia colección de medallas europeas y americanas. [101]
Durante septiembre y octubre de 2007 se realizó una importante exposición de la obra de Gibran en el St. Botolph Club de Boston . Los curadores de esta retrospectiva As a Man/Kahlil Gibran [ 102] seleccionaron cuarenta y cinco ejemplos, entre pinturas, instrumentos musicales, esculturas y dibujos. , inventos y libros. Con un catálogo impresionante, brindis con champán y el violinista Joo-Mee Lee [103] tocando los violines de Gibran, la recepción de apertura resonó con aplausos. Stuart Denenberg leyó This Kahlil Gibran [104], un poema de alabanza en honor a su amigo durante más de cuarenta años.
El 13 de abril de 2008, a la edad de 85 años, Gibran murió repentinamente de insuficiencia cardíaca congestiva en el Hospital General de Massachusetts. Los obituarios [105] también rindieron homenaje. Su lugar de descanso final en el cementerio de Forest Hills estuvo marcado por El niño de la paloma [106], la joven figura de Hacia el Milenio . Exactamente tres meses después de su muerte, Seated Ceres [107] fue robado de su sitio en Forest Hills. Aunque atónitos y horrorizados por este acto de vandalismo, la familia de Gibran y los administradores del Forest Hills Educational Trust colaboraron para reemplazar esta figura con un Ceres en pie [108] que fue instalado y dedicado el 15 de agosto de 2008, en un lugar en el parque del cementerio que Gibran amado mejor.
El 26 de abril de 2014, se inauguró la escultura de bronce de Gibran, Ad Astra , en el parque Childe Hassam [109] ubicado en la esquina de Columbus Avenue y Chandler Street en el histórico barrio South End de Boston.
Love Made Visible [110] [111] de Jean Gibran, con un prólogo del crítico Charles Giuliano [112] y un epílogo de Katherine French, directora del Museo Danforth, [113] cuenta la historia de Escenas de un matrimonio mayoritariamente feliz mientras se paga homenaje a la apasionante escena artística de Boston que floreció en esa ciudad durante la segunda mitad del siglo XX.
En enero de 2017, Interlink Press publicó la revisión de Gibran y su esposa de su biografía de Gibran Kahlil Gibran. Kahlil Gibran Beyond Borders [114] presenta más de 200 ilustraciones en blanco y negro y en color relacionadas con la vida del poeta y recibió críticas positivas, incluida una de Magda Abu-Fadi del Huffington Post. [115]
Los artículos sobre el escultor aún revelan su reputación como "Manos de Oro". Haciendo eco del Catálogo St. Botolph de 2007 que registró los homenajes de sus amigos cercanos a él, hay un ensayo de Joseph Steinfield publicado en julio de 2017. El Monadnock Ledger recuerda la historia de amor de Gibran con los materiales. [116]
Visionary Boston [117], de la crítica de arte del Boston Globe Cate McQuaid , celebra el trío poco reconocido en el Museo de Arte Danforth y describe excelentemente a Kahlil G. Gibran como un expresionista activo de Boston.
Ganador de dos becas John Simon Guggenheim [120] en 1959 y 1960, junto con un premio del Instituto Nacional de Artes y Letras en 1961, Gibran comenzó a exhibir su creciente conjunto de esculturas en museos y galerías de todo el país. En 1962, Brian O'Doherty del New York Times describió su exposición individual de esculturas en la Lee Nordness Gallery de Nueva York [121] y sugirió que “todo escultor debería ver este “tour de force”. [122] Dos años más tarde, su Young Trunk [123] recibió el Gran Premio en el Festival de las Artes de Boston, seguido del Premio John Gregory de Escultura de la Sociedad Nacional de Escultura [124] y la medalla de oro a la Excelencia en la Exposición Internacional de Arte Religioso. Arte en Trieste, Italia. La revista Boston Globe lo destacó en 1967 cuando el autor Gregory McDonald concluyó: “Eliminar la confusión, el misticismo del nombre Kahlil Gibran, deja en esta generación a un escultor de extraordinario poder poético, absolutamente preocupado por su arte, por la doble naturaleza que es absolutamente humano, tan paradójico como él mismo, y un hombre con un futuro singular". [125] En 1974, fue elegido miembro de la Academia Nacional de Diseño como Académico Asociado.
Los premios incluyen:
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