John Chester Cato (2 de noviembre de 1926 – 30 de enero de 2011) fue un fotógrafo y profesor australiano. [1] Cato comenzó su carrera como fotógrafo comercial y luego se inclinó por la fotografía de bellas artes y la educación. Cato pasó la mayor parte de su vida en Melbourne , Australia. [2] [3] [4]
John Chester Cato nació el 2 de noviembre de 1926 en Hobart , Tasmania, hijo de Mary Booth y John (Jack) Cato.
Su carrera en la fotografía comenzó a los 12 años como aprendiz de su padre, Jack Cato . Regresó en 1946 después de prestar servicio en el Pacífico para la Marina Real Australiana durante la Segunda Guerra Mundial , [5] [6] Cato trabajó como fotógrafo autónomo antes de ser contratado por The Argus como fotógrafo de prensa en 1947.
Cato ocupó ese puesto hasta 1950, cuando se convirtió en fotógrafo y asistente de Athol Shmith Pty Ltd. en el edificio Rue de la Paix en 125 Collins Street , Melbourne. [7] Se casó con Dawn Helen Cadwallader de Brighton en el registro de la Iglesia de Inglaterra de St. Mary, East Caulfield , en octubre de ese año. [8] [9] [10] Su hijo mayor, también John, nació en 1952. [11]
Durante este período, realizó investigaciones para su padre Jack sobre La historia de la cámara en Australia, publicada en 1955. [12] [13] Ese año, Cato y Shmith se convirtieron en socios comerciales y fundaron Athol Shmith–John Cato Pty Ltd. [7]
Cuando la exposición The Family of Man del MoMA llegó al Preston Motors Show Room de Melbourne el 23 de febrero de 1959, Cato visitó la muestra varias veces y se sintió inspirado por sus temas humanistas y su optimismo. [2] [14]
El negocio de los socios prosperaba y en ocasiones empleaba a 26 personas [15] [16] [17] y contrataba a otros fotógrafos, entre ellos Norman Ikin [18] y Hans Hasenpflug , para hacer frente al volumen de negocio. En 1958 eran tan conocidos por el público que sus retratos podían utilizarse para promocionar una marca de televisión en su publicidad. [19] Los clientes de Cato incluían a USP Benson Pty. Ltd., [20] Worth Hosiery, Myer , [21] Hammersley Iron Pty Ltd, [22] The Australian Ballet , [23] Southern Cross Hotel [24] y General Motors , y su fotografía de moda [25] ocupaba páginas completas de periódicos y revistas. [26]
Sin embargo, Cato se alejó de la fotografía comercial en 1974 después de experimentar lo que describió como "una especie de menopausia". Poco después de dejar su asociación con Athol Shmith, Cato comenzó su carrera docente y comenzó a centrarse en la fotografía de bellas artes. Cato fue uno de los primeros fotógrafos de Melbourne en abandonar su práctica comercial para convertirse en fotógrafo de bellas artes. [3] [27] [28] [29]
En 1970, cuatro años antes de dejar su profesión comercial, Cato comenzó a explorar la fotografía como forma de arte. Su fotografía artística establecía conexiones entre la humanidad y el medio ambiente, explorando un tema diferente en cada ensayo fotográfico .
Cato tomó fotografías de paisajes "directas" (con imágenes directas) generalmente con cámaras de formato grande o mediano para "explorar los elementos del paisaje", generalmente realzándolos en la impresión. Durante un período de diez años, Cato pasó dos años seguidos concentrándose en un tema simbólico particular en el paisaje australiano, a menudo pasando una gran cantidad de tiempo en la naturaleza observando las condiciones y esperando la oportunidad perfecta. A menudo esperaba y contemplaba una escena durante días antes de finalmente presionar el obturador cuando era el momento adecuado. El trabajo de Cato fue profundamente meditado y mostró claramente su perspectiva única sobre los elementos naturales que nos rodean. [3] [30]
"El encuentro entre la tierra y el mar siempre ha ejercido sobre mí una fascinación mística. A través de mi cámara, mi experiencia de ese encuentro se ha acentuado, mi conciencia de su maravilla se ha profundizado. Sobre todo, recuerdo su clamoroso silencio." [29]
Juan Catón 1976
Cato utilizó el simbolismo en su obra, siendo la imagen construida conscientemente un interés entre los fotógrafos de la década de 1970, jóvenes y experimentados, incluido su colega Paul Cox . [31] [32]
La cuestión del estatus de la fotografía como forma de arte se estaba resolviendo durante esta década; Lynne Warren escribe: "Los usos creativos de la fotografía se expandieron considerablemente en la década de 1970. El medio comenzó a ser absorbido por el mundo del arte convencional a medida que los artistas conceptuales y de performance comenzaron a emplear el medio. Para el artista corporal Stelarc , las fotografías fueron un complemento creativo importante para sus eventos artísticos en la década de 1970. En una línea diferente, Jon Rhodes fue uno de los varios fotógrafos de la época que abordaron cuestiones sociales cuando utilizó el medio para llamar la atención sobre los problemas de los derechos territoriales de los aborígenes en la península de Gove en su serie, Just Another Sunrise? Otros, como John Cato y Les Walkling, exploraron el potencial metafórico de la fotografía. [33]
El director de fotografía Nino Martinetti, uno de los antiguos alumnos de Cato, dijo: "Observen atentamente las sencillas fotografías de John Cato de rocas, ramas, árboles, cortezas, arena, agua y reflejos... ¿es eso la realidad? Sí, pero no como mucha gente la ve. Esta es la delgada línea entre el arte de la fotografía y la realidad, donde el artista captura una emoción para que la compartamos e interpretemos". [34]
El trabajo personal de Cato fue descrito como "un reflejo de la psique , no de la luz, que permite que una conciencia esté presente en la figuración de las impresiones fotográficas. El trabajo personal es una expresión de su yo, su experiencia, su historia y su lenguaje". [35] La directora de la galería Rebecca Hossack , quien mostró su trabajo en su galería de Londres en 2002, informa que;
Cato no se contenta con verse simplemente como un «artista» o un «fotógrafo». Se describe a sí mismo –en sus creencias– como un «animista»:
- "Creo que las rocas tienen alma tanto como las personas. Creo que la palabra que se ha utilizado para referirse a mi obra y que más me agrada es... Elemental, y es ese elemento de vida dentro del paisaje que para algunos es una experiencia religiosa profunda".
Se trata de una visión que remonta a la mitología de los antiguos griegos, pero que también tiene resonancias interesantes con las creencias de los aborígenes australianos y la práctica de su arte. [36]
Earth Song fue la primera colección de trabajos personales de Cato que se exhibió. Esta serie constaba de 52 fotografías en color secuenciadas de manera que permitieran reconocer la obra como fotografías individuales y como parte de un concepto general. El uso que Cato hace de analogías musicales se puede ver en la secuenciación de Earth Song , que se describe como el uso de "líneas melódicas y formas sinfónicas como base metafórica". [29]
Earth Song se exhibió como parte de la exposición Frontiers , una muestra grupal de 1971 en la Galería Nacional de Victoria de fotógrafos que exploraban la idea del medio como una forma de arte. [29] La secuencia de Cato pasó a la Galería de Arte Horsham del 14 de diciembre de 1974 al 30 de enero de 1975 para su primera exposición individual. [37]
Para el primer ensayo fotográfico de Cato descrito como tal, completó cinco secuencias de fotografías en blanco y negro entre 1971 y 1979. [38] En cada secuencia, Cato exploró la expresión de la naturaleza y la creación, que veía como la representación física de sus propias experiencias de vida y filosofía. [29]
En la evaluación de 1982 del crítico de Age Geoff Strong, el Ensayo 2 es "material de comentario social" en comparación con otros trabajos, y se centra en "la sublimación de la cultura aborigen por parte de los europeos". [39] Esta serie explora la idea de la destrucción de la cultura, la espiritualidad y la fisicalidad utilizando la dualidad para representar la idea fotográficamente. [29]
"Cato vio que, aunque son parte del todo, la dualidad de positivo/negativo, negro/blanco, masculino/femenino siempre está en conflicto". [29]
Juan Catón: retrospectiva
Double Concerto fue el último ensayo fotográfico de Cato. Este ensayo fotográfico se publicó bajo los nombres deliberadamente andróginos de " hombre común " Pat Noone y Chris Noone, dos identidades que Cato creó para "visualizar condiciones alternativas dentro de sí mismo". Cada secuencia, una de imágenes individuales monocromas y la otra en montajes a todo color, exploraba cómo las personas individuales pueden presenciar y experimentar el mundo de manera muy diferente entre sí. [29] Esta serie se exhibió como la "muestra de despedida" de Cato en la galería Luba Bilu en Greville St. Prahran con motivo de su retiro de la docencia.
"La verdad del asunto es que las personas tienen sentimientos encontrados y opiniones confusas y están sujetas a expectativas y resultados contradictorios en todas las esferas de la experiencia". [29]
Juan Catón: retrospectiva
Cato comenzó su carrera docente en 1974 en el Prahran College of Advanced Education [40] , que se hizo conocido como la escuela de arte más innovadora de Melbourne, [41] donde trabajó a tiempo completo. Sin embargo, en 1975, la financiación del gobierno terminó con el despido de Whitlam . Aceptó un puesto en la recién establecida Impact School of Photography de Roger Hayne antes de que le ofrecieran trabajar nuevamente en Prahran más tarde en 1975. Hasta 1979, Cato enseñó a tiempo parcial y luego asumió el cargo de Jefe de Fotografía cuando Athol Shmith se jubiló debido a problemas de salud en 1980, [42] y permaneció en el cargo hasta el último año de Arte y Diseño en Prahran, 1991, cuando a los 65 años se vio obligado, a regañadientes, a jubilarse. [43]
Entre 1977 y 1979, Cato también contribuyó a la fundación de la Escuela de Estudios de Fotografía de la Impact School, y al mismo tiempo impartió clases allí hasta convertirse en director a tiempo completo del departamento de fotografía de Prahran. Cato era un profesor apasionado y generoso y era muy apreciado por sus alumnos y compañeros. [44] Se describió a sí mismo como "obligado" a compartir su experiencia con estudiantes y colegas, [3] [29] y ellos se beneficiaron de su conocimiento cercano de la historia de la fotografía australiana adquirido mientras ayudaba a su padre en la investigación para La historia de la cámara en Australia y en el encuentro con sus protagonistas. [12] [45]
Muchos de los antiguos alumnos de Cato han llegado a ocupar puestos de prestigio en los campos de la fotografía, el arte y la educación y, como señala Deborah Ely, "el departamento produjo algunos de los profesionales más aclamados del país", [42] entre ellos Bill Henson , Carol Jerrems , [46] Steve Lojewski, Rozalind Drummond , Janina Green, Andrew Chapman , Phil Quirk , Jacqueline Mitelman , Polly Borland , Susan Fereday , Robert Ashton , Peter Milne , Leonie Reisberg , Paul Torcello , Stephen Wickham , Kate Williams, hija del artista Fred Williams , y Christopher Koller, entre otros. [43] Henson, que consideraba a Cato "muy generoso y entusiasta", [47] se inspiró en su uso de analogías musicales, [48] que Henson incorporó más tarde a su propio trabajo. [3] [27] [49] [50] Courtney Pedersen, quien desde entonces se ha convertido en una académica de alto nivel, describe su aprendizaje de Catón como "formativo". [51]
Paul Cox , uno de los colegas de Cato en el Prahran College of Advanced Education, comentó que, si bien el personal del departamento de Cato estaba formado por fotógrafos, ninguno de ellos era profesor cualificado: "¿Pueden imaginar que eso sucediera hoy? ... En Prahran, profesores y estudiantes aprendían unos de otros. Era un intercambio". [30]
Cato prefería utilizar cámaras de formato grande y mediano en su propio trabajo por la mayor resolución que ofrecían y cuando llevaba a los estudiantes de excursión, insistía en que utilizaran las mismas cámaras en lugar de las SLR de 35 mm que usaban más comúnmente, de modo que la cámara con una vista más técnica obligara a los estudiantes a pensar antes de presionar el obturador y previsualizar su fotografía, en lugar de "disparar" con una película en rollo descartable. [34] [52] Cato creía firmemente en la fotografía como una forma de expresionismo individualizado, una visión que era compartida y apoyada por Athol Shmith, quien fue uno de los primeros en enseñar fotografía como un curso creativo a fines de la década de 1960. [53]
El profesor asociado Noel Hutchinson dedicó el catálogo de la Exposición de Graduados de Bellas Artes de Prahran de 1991 "en memoria" de Cato en reconocimiento a su jubilación. [43] Al año siguiente, el Prahran College se incorporó al Victorian College of the Arts , anteriormente la National Gallery of Victoria Art School , y Christopher Koller, uno de los antiguos alumnos de Cato, fue nombrado director de su departamento de fotografía, heredando la creencia de su mentor en la importancia de la conceptualización y la previsualización en el medio. [54]
Cato expuso su obra con otros fotógrafos en 30 exposiciones colectivas hasta 2003, [29] la primera de ellas en 1964 en la Blaxland Gallery de Sídney, y en 20 exposiciones individuales en galerías australianas e internacionales antes de su muerte en 2011. La exposición Frontiers de 1973 en la NGV con Stan Ostoja-Kotkowski , Mark Strizic , Peter Medlen y John Wilkins estuvo de gira por la Embajada de Australia en Bangkok , del 27 de junio al 5 de julio [55] y se mostró en la Abraxas Gallery, Manuka , en diciembre de 1974 con Sue Ford , Les Gray y Mark Strizic. [56] La primera exposición individual de Cato se celebró en la Horsham Regional Art Gallery (Victoria, Australia) en 1975, y las exposiciones individuales posteriores se realizaron cada pocos años hasta 2004.
La obra de Cato se conserva en numerosas colecciones de galerías de toda Australia, incluidas la Galería Nacional de Australia , la Galería Nacional de Victoria, la Galería de Arte Regional de Horsham, la Galería de Arte Regional de Albury , la Universidad de Deakin , la Galería de Arte de Tasmania y el Melbourne State College . Además de las galerías australianas, la obra de Cato también se conserva en colecciones de la Biblioteca Nacional de París y el Schmidtbank Weiden en Alemania . [29]
Paul Cox y Bryan Gracey, colegas del Prahran College, fueron co-curadores de la primera retrospectiva de las fotografías de paisajes en blanco y negro de Cato tomadas entre 1971 y 1991, que exhibieron en la Bienal Internacional de Fotografía de Ballarat de 2013. Ambos creen que el trabajo de Cato merece un mayor reconocimiento. [57] Paul Cox comentó: "John va a estar en la cresta de la ola. Su lugar está en la Galería Nacional, en los escalones más altos, y creo que este es un primer paso maravilloso". [30]
La primera crítica sustancial de la obra de Cato fue negativa; el historiador de arte y académico Patrick McCaughey describió la exposición inaugural del recién creado departamento de fotografía de la National Gallery como "optimista", pero criticó las obras de Stan Ostoja-Kotkowski, Mark Strizic, Peter Medlen y John Wilkins, y la primera exhibición de imágenes de bellas artes de Cato, como "un golpe combinado a la aspiración de la fotografía como un arte serio", considerando "su aspiración al arte [como] pastiches tibios de las formas modernistas más disponibles y familiares". Continuó destacando la secuencia de impresiones en color montadas en la pared de Cato (una exhibición novedosa iluminada sucesivamente con luces estroboscópicas temporizadas para indicar su secuencia); [58]
Sin embargo, nadie supera a John Cato en sentencios, excepto el autor del catálogo. Noguchi , Arp y Dubuffet aparecen todos en la serie Earth Song de Cato . Pero las imágenes que aparecen aquí no son nada en comparación con las palabras que acompañan a las fotografías:
Conocimiento insensato
Poder sin restricciones,
estos destetan al hombre
del pecho de su madre
"Nunca menciones a Farex", bromeó McCaughey, quien luego criticó...
La imitación de fórmulas pictóricas hace que el fotógrafo parezca un indigente e inseguro en su arte, que depende de otros medios para establecer que sus fotografías son "arte real". Estos cinco confunden la modestia de los grandes fotógrafos –Walker Evans , Cartier Bresson , Brassai , Stieglitz– con la falta de ambición en el medio. Y agravan ese error sustituyendo la pretensión por la innovación, la inflación por el experimento. Uno piensa que todos estarían mejor con un pastel de chocolate y su químico local para revelar e imprimir. [59]
Un año después, Ray Davie incluyó una referencia a la muestra en un artículo sobre el departamento de fotografía de la National Gallery, señalando que Frontiers , que estaba a punto de realizar una gira por Asia, no era "ofensivamente australiana", no se consideraba que mostrara "a nuestros vecinos... la flora y la fauna", sino que "se centraba más en el arte que en la propaganda". Se refiere a los 52 paneles en color de Cato como único ejemplo, con sus "formas naturales" destinadas "a dar una narrativa en desarrollo de la vida y la eterna recreación de la naturaleza". [60]
Nancy Borlase, al revisar la serie de Cato en Sydney en 1976, se encontró a sí misma;
... se enfrenta, en el Centro Australiano de Fotografía , con el misterio melancólico de los Petroglifos de John Cato y la imagen desnuda de la decadencia, en su odisea del viaje de un árbol... Las fotografías de Cato revelan la verdad detrás de la fachada de las apariencias externas, como pocas otras formas de arte pueden hacerlo. Son menos reflejos de la naturaleza, o de la huella del hombre en la naturaleza, que declaraciones poderosamente expresivas sobre la naturaleza, y sobre su influencia espiritual sobre el hombre, en las piedras milagrosamente apiladas de sus Petroglifos . Las texturas ásperas, las distorsiones nudosas y los dramáticos efectos de claroscuro que Cato captura en sus árboles y rocas dan paso, en su Serie Sea-Wind , a una imaginería más lírica y suavemente sensual, que en los contrastes texturales del aire, la arena, el agua, las conchas y las algas sinuosas y resbaladizas, no es menos veraz. [61]
Ruth Faerber, comparando su obra con la del co-expositor Laurie Wilson en la misma muestra, destacó los "temas dramáticos y expansivos" de Cato; "el movimiento arrollador del viento, el patrón de crecimiento en la sección transversal del tronco de un árbol", [62] y en 1979, de su muestra individual en AGNSW comentó que sus "texturas de árboles, rocas y superficies erosionadas adquieren una calidad surrealista gráfica". [63]
Cato volvió a exponer en el Centro Australiano de Fotografía en una exposición colectiva titulada Time Present and Time Past: Part II en 1984, y Mark Hinderaker, en The Sydney Morning Herald, comentó que: "John Cato, el maestro de la fotografía de paisajes de Melbourne, está representado por dos estudios de formas naturales que a primera vista parecen recordar a Edward Weston : en uno, las ramas de los árboles emergen del agua y de un fondo arenoso y, en el otro, las ramas se elevan desde la corteza agrietada de la Tierra. Juntos, estos dos nos recuerdan las condiciones extremas de la naturaleza y la lucha de los organismos por sobrevivir; además, las ramas emergen de las superficies planas como los objetos (en la ilusión de profundidad de la fotografía) emergen de la superficie de un papel plano". [64]
En una reseña de la retrospectiva de Cato de 1997 en The Photographers' Gallery , la crítica de The Age , Freda Freiberg, destacó sus logros;
Cato ha hecho una contribución inestimable a la fotografía en este estado como profesor. Como artista ha mantenido un intenso compromiso con la naturaleza, con los árboles, las rocas y los cielos. Estudia, analiza, magnifica y glorifica los múltiples diseños y patrones de la creación. El mundo social está ausente, excepto en la serie Mantracks , donde los grafitis en las rocas y los escombros en los árboles significan los efectos desfigurantes de una cultura importada. Pero incluso aquí, Cato es menos un crítico social que un observador contemplativo. Encuentra correlatos objetivos perfectos para sus estados internos privados en la oscuridad y la luz, la solidez y la suavidad, y la infinita variedad de patrones en los troncos de los árboles, las nubes y las paredes rocosas. [65]
En la guía de la Bienal Internacional de Fotografía de Ballarat de 2013 , se describió a Cato como "subestimado" y "muy adelantado a su tiempo". [34]
Paul Cox, en cuya película de 1987 aparece Vincent Cato, [66] dijo lo siguiente en un artículo para The Australian : "Era un soñador. Siempre lo adoré. John tenía un corazón maravilloso; era tierno como hombre. Ya sabes, no conoces a mucha gente así". [30] En su autobiografía, Cox asegura a sus lectores que Cato "un día será reconocido como uno de los verdaderos grandes en el arte de la fotografía". [67]
Sin embargo, Cato era conocido por ser un fotógrafo modesto que nunca pretendió alcanzar la fama ni para sí mismo ni para su trabajo, lo que era en sí mismo una recompensa. En consecuencia, y debido a su fuerte aversión a la publicidad, Cato publicó su trabajo final bajo seudónimos, exhibiendo su exposición de despedida como "Pat y Chris Noone". Paul Cox confirmó que "el ego es siempre la mayor limitación de un artista, pero John no tenía ego. Era un hombre libre". [30] Isobel Crombie, curadora principal de fotografía en la Galería Nacional de Victoria, compartió la opinión de Cox y dijo que "Era diferente en el sentido de que no tenía el enorme ego de algunos de sus contemporáneos". [68]
Melissa Miles, escribiendo en 2015, ubica a Cato entre John Kauffmann, Cecil Bostock , Olive Cotton , Max Dupain , Laurence Le Guay , Richard Waldendorp , David Moore y Grant Mudford, quienes "juntos representan la amplia gama de abstracción desde las formas industriales aceradas asociadas con el estilo recto hasta las imágenes destinadas a capturar el movimiento y las imágenes orgánicas y rebeldes derivadas de la naturaleza". [69] [70]
Además de organizar sus propias exposiciones, Cato contribuyó decisivamente a la aceptación de la fotografía en el mundo del arte. Tras una intensa presión ejercida por Shmith y otros, se creó un Departamento de Fotografía independiente en la Galería Nacional de Victoria (NGV) de Melbourne. [96] Cato formó parte de un grupo asesor formado en 1969 durante la creación del nuevo Departamento de Fotografía de la galería y supervisó el nombramiento de la primera curadora de fotografía de Australia, Jennie Boddington , en 1972. [42] [97]
A lo largo de su carrera, Cato participó activamente en la creación de redes nacionales e internacionales en los campos de la fotografía y la educación artística. Desempeñó varios cargos honorarios, incluido uno que fue solicitado por los graduados de Prahran Euan McGillivray, el Curador de Fotografía en el Museo de Ciencias de Victoria , y Matthew Nickson, que trabajaba en el Departamento de Fotografía de RMIT , para presidir la conferencia histórica 'Working Papers On Photography' ( WOPOP ), Conferencia Australiana de Fotografía, celebrada en el Prahran College of Advanced Education, Melbourne, del 19 al 21 de septiembre de 1980. [98]
Cato recibió numerosos premios, entre ellos el de miembro del Instituto Australiano de Fotógrafos Profesionales (1991) y el de doctor honoris causa en Artes de la Universidad RMIT (1999). También recibió dos becas: una beca de viaje de la Junta de Artes Visuales en 1985 y la otra, una beca de investigación y desarrollo del Victoria College en 1990. [29]
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