Jeffrey A. Gibson (nacido en 1972) [1] es un pintor y escultor estadounidense de la tribu choctaw / cherokee de Mississippi. [2] Ha vivido y trabajado en Brooklyn , Nueva York; Hudson, Nueva York ; y Germantown , Nueva York. [3] [4]
En 2024, Gibson representó a los Estados Unidos en la Bienal de Venecia , donde es el primer artista indígena en tener una exposición individual en el pabellón estadounidense . [5] [6] [7]
Jeffrey A. Gibson nació el 31 de marzo de 1972 en Colorado Springs , Colorado . [1] [4] Su madre es Georgia Wilson Gibson ( Nación Cherokee ). [8] Su padre era ciudadano de la Banda Misisipi de Indios Choctaw, al igual que su abuelo paterno Homer Gibson, de Conehatta, Misisipi . [9] Sus padres provenían de un entorno de pobreza y ambos asistieron a internados donde los niños nativos americanos a menudo eran maltratados. Su padre trabajó para el Departamento de Defensa como ingeniero civil. [7] De niño, vivió en Carolina del Norte , Nueva Jersey , Alemania Occidental y Corea del Sur , [4] [10] mudándose con frecuencia porque su padre trabajaba para el Departamento de Defensa de los Estados Unidos . [4]
Gibson obtuvo su Licenciatura en Bellas Artes en 1995 en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago . [4] En 1998 recibió su Maestría en Bellas Artes en el Royal College of Art de Londres, donde se centró en la pintura. [11] [4] Su educación de posgrado fue patrocinada por la Banda de Indios Choctaw de Mississippi. Gibson comentó sobre esta oportunidad que se le brindó: "Mi comunidad me ha apoyado... Mi jefe sintió que el hecho de que yo fuera allí, siendo un artista fuerte, lo hacía más fuerte". [12]
Gibson se ha identificado como queer y gay. [13] [4] Está casado con la artista noruega Rune Olsen, y juntos tienen una hija y un hijo. [4]
"Para mí, era importante imaginar la utopía, que se relaciona con mi condición de nativo americano y con el hecho de haber crecido exclusivamente en una cultura consumista occidental. Mi deseo de representar el papel de un explorador que representa un paisaje atractivo a través de la pintura y la recuperación de especímenes fue una reacción a la descripción constante de las tribus nativas como parte de una visión nostálgica y romántica de la vida india precolonizada. La estética de estas pinturas y esculturas surgió de los caprichos iroqueses de finales del siglo XIX, de los atuendos históricos y contemporáneos de los powwows, de los adornos culturales de culturas no occidentales, de la cultura rave y de los clubes techno y de modelos utópicos anteriores".
– Jeffrey Gibson [14]
Gibson es artista residente en el Bard College , donde también enseña en cursos de arte de estudio. [3] En 2010 fue artista visitante en el California College of the Arts . [3]
Para mantener un horario de estudio regular, Gibson prefiere trabajar entre las 10 am y las 6 pm. Su computadora, teléfono celular y una película generalmente están a su alcance si necesita un descanso mientras trabaja. La música suele sonar de fondo, a veces al azar, a veces un disco específico con géneros que van desde el funk africano , el jazz , el punk , la música pop, el rap, el R&B , la música disco , así como la percusión de las Indias Orientales . [15]
El arte de Gibson aborda cuestiones de identidad y etiquetas. [16] Su obra ha incluido el uso de medios mixtos, incluidos abalorios de nativos americanos, mantas de puestos comerciales, tachuelas de metal, flecos y cascabeles. [4] La aerografía es otra herramienta común utilizada en sus pinturas, esculturas y grabados, incorporando pintura al óleo y pintura en aerosol para crear abstracciones de colores neón como Singular (2008) y Submerge (2007). Estas obras también encuentran inspiración en el grafiti, que refleja la vida urbana de Gibson en la ciudad de Nueva York. [17] Gibson está representado por Roberts Projects en Los Ángeles, Sikkema Jenkins & Co. en Nueva York y Stephen Friedman Gallery en Londres.
En 2024, Gibson representó a los Estados Unidos en la Bienal de Venecia con una exposición individual en el Pabellón de los Estados Unidos, titulada The Space in Which to Place Me (El espacio en el que colocarme) . El título de la muestra proviene de un verso de un poema de Layli Long Soldier . La obra hacía referencia a la política en relación con los indígenas y una variedad de historias estadounidenses. Las obras de arte incluían pinturas, esculturas, banderas, videos y trabajos con cuentas realizados en colores psicodélicos. El New York Times describe su trabajo como poseedor de "valencias políticas" y también de "muchas capas de forma y significado". [7]
Es el primer artista indígena que representa a los Estados Unidos con una exposición que ocupa un pabellón completo en la Bienal. [7]
Gibson se inspira en materiales, procesos, medios e iconografías. [16] Ha encontrado inspiración en eventos que giran en torno al baile, específicamente en Leigh Bowery y su personaje dramático de club nocturno. [18] Los pow-wows , los clubes nocturnos y las raves brindan contrastes como lugares rurales y urbanos, que sirven como espacios para el baile, el movimiento y la moda/indumentaria dramática. Siguiendo con la indumentaria, la artesanía con cuentas iroquesas del siglo XIX también brinda inspiración, ya que las cuentas de colores a menudo encuentran su camino en las obras de arte de Gibson. Gibson también le da su propio giro al grafiti , que se ve con frecuencia en sus obras. [19] [12] [20]
También atribuye su estilo de vida nómada como una influencia importante, reuniendo lo que él describe como:
... la estética de cada lugar. Algunos tienen estéticas culturales específicas, barreras lingüísticas, barreras culturales, etcétera. Estas diferencias se canalizan a través de mí, un nativo queer nacido a fines del siglo XX y que está entrando al siglo XXI. Considero este híbrido en la construcción de mi obra e intento mostrar esa complejidad. [15]
La práctica de Gibson ha implicado pintar al óleo y acrílico sobre paneles de madera revestidos de cuero crudo. Recicla objetos encontrados, como espejos de afeitar antiguos y tablas de planchar, y los cubre con piel de ciervo, cabra o alce sin curtir. Gibson combina referencias domésticas, de los nativos americanos y del modernismo de vanguardia. Su saco de boxeo hecho con sacos de boxeo Everlast encontrados, mantas de lana del ejército de EE. UU., cuentas de vidrio, tintineos de hojalata y las pinturas reutilizadas del artista ejemplifican el diálogo entre la cultura pop dominante y la estética de los powwow de los nativos americanos .
Su obra Document, 2015 (2015) está realizada con acrílico y grafito sobre cuero crudo de ciervo, colgado con púas de acero. [21] Under Cover (2015) fue realizada con cuero crudo estirado sobre panel de madera. [21]
Antes de eso, las obras más notables de Gibson, sus abstracciones de pared en ocasiones en 3D , han sido descritas como "paisajes atmosféricos". Trabajando con pintura al óleo, también reúne objetos que se han convertido en un sello distintivo de sus obras: silicona pigmentada, espuma de uretano y cuentas. [22]
Alive se presentó como parte de la exposición Desert x en el Valle de Coachella del 25 de febrero al 30 de abril de 2017
En 2009, Gibson creó sus propias esculturas de tótems y produjo la serie Totems para una exposición en la Sala Díaz de San Antonio , Texas. Para esta serie de esculturas, Gibson llegó cinco días antes de la inauguración para reunir una colección de objetos encontrados y crear lo que el artista ha descrito como "compañeros sexuales de fantasía, objetos de deseo".
Los Totems incluyen objetos como maniquíes adquiridos en Craigslist , una peluca, flores de plástico , juguetes, botas de vaquero , macetas , su característica pintura en aerosol y otros objetos. Al final, Gibson creó dos figuras de apariencia humana y un tótem a partir de las macetas. El escritor Ben Judson describió Totems como la forma en que Gibson "usa los estereotipos de su propia gente como una forma de explorar el uso de la metáfora en la formación de la identidad, la crítica cultural y el consumismo sin renunciar al lirismo ni caer en la autocomplacencia (aparte, claro está, de su comunicado de prensa)". [14] [23]
Las obras abstractas de Gibson han sido comparadas con las de artistas como Martin Johnson Heade , Cy Twombly , Chris Ofili y el arte indígena australiano . Mientras algunos lo celebran como artista nativo, otros celebran su capacidad de moverse libremente dentro y fuera de los mundos del arte contemporáneo nativo y no nativo. [12] [17]
Gibson también ha expuesto en numerosos eventos como la New Art Dealers Alliance Fair , ARCOmadrid, así como en muchas galerías privadas e instituciones públicas. [28]
En mayo de 2023, Gibson presentó una demanda contra la galería Kavi Gupta en el Tribunal de Distrito de los Estados Unidos para el Distrito Norte de Nueva York , alegando que la galería había retenido más de 600.000 dólares al artista. [6] [31]