Fred Wilson (nacido en 1954) es un artista estadounidense de ascendencia afroamericana y caribeña. Recibió una licenciatura en Bellas Artes del Purchase College, Universidad Estatal de Nueva York. [1] Wilson desafía los supuestos coloniales sobre la historia, la cultura y la raza, alentando a los espectadores a considerar las narrativas sociales e históricas que representan el canon occidental. [2] Wilson recibió una "beca de genio" de la Fundación MacArthur en 1999 y el premio de la Fundación Larry Aldrich en 2003. Wilson representó a los Estados Unidos en la Bienal de El Cairo en 1992 y la Bienal de Venecia en 2003. [3] En mayo de 2008, se anunció que Wilson se convertiría en miembro del consejo del Museo Whitney en reemplazo de Chuck Close . [4]
Carrera
Wilson, exalumno de la Music & Art High School de Nueva York, recibió una licenciatura en Bellas Artes de la SUNY Purchase en 1976, donde fue el único estudiante negro en su programa. [5] Mientras estudiaba, Wilson trabajó como guardia en el Museo Neuberger . [6] Entre 1978 y 1980, trabajó como artista en East Harlem como parte del empleo de artistas de la Ley Integral de Empleo y Capacitación (CETA). [7]
Dice que ya no tiene un deseo tan fuerte de hacer cosas con sus manos. “Todo lo que satisface mi alma lo consigo reuniendo objetos que están en el mundo, manipulándolos, trabajando con disposiciones espaciales y presentando las cosas de la manera en que quiero verlas”. [8]
Artista de instalaciones y activista político, el tema de Wilson es la justicia social y su medio es la museología. En la década de 1970, trabajó como educador de museo independiente para el Museo Americano de Historia Natural , el Museo Metropolitano de Arte y el Museo Americano de Artesanía . A partir de finales de la década de 1980, Wilson utilizó sus habilidades de experto para crear "Rooms with a View", una serie de "museos simulados" que abordan cómo los museos refuerzan consciente o inconscientemente las creencias y comportamientos racistas. [9] Esta estrategia, a la que Wilson se refiere como "un trampantojo del espacio del museo", [10] se ha convertido cada vez más en el foco de su trabajo de vida. [11]
En 1987, como parte de su serie al aire libre "Plataforma", Wilson creó No Noa Noa, retrato de una historia de Tahití , diseñado para ilustrar "cómo las sociedades occidentales convierten a los pueblos del Tercer Mundo en criaturas exóticas de espectáculo secundario para entretener y excitar, pero que no deben ser tomadas en serio". [12]
En su obra seminal de 1992, coorganizada con el Museo Contemporáneo de Baltimore , Mining the Museum , Wilson reorganizó la colección de la Sociedad Histórica de Maryland para destacar la historia de los nativos y afroamericanos en Maryland. En 1994, Wilson continuó en esta línea con Insight: In Site: In Sight: Incite en Winston-Salem, Carolina del Norte , donde, según el historiador de arte Richard J. Powell, su "reubicación de objetos históricos y manipulación de etiquetas de exhibición, iluminación y otras técnicas de exhibición ayudaron a revelar aspectos del trágico pasado afroamericano del sitio que (debido a las fuerzas conspirativas del tiempo, la ignorancia y el racismo) se habían vuelto en gran medida invisibles". [13]
En 2007, Fred Wilson fue invitado a formar parte del recorrido cultural de Indianápolis , Indiana . Wilson propuso rehacer el único afroamericano representado en el Monumento a los Soldados y Marineros en el centro de Indianápolis. El afroamericano representa a un esclavo recientemente liberado que se acerca a la Dama Libertad. Wilson planeó usar un escaneo del afroamericano para hacer una obra completamente nueva, que le daría al afroamericano una postura más orgullosa y fuerte, sosteniendo una bandera compuesta por todas las banderas de los países africanos. [14] La obra propuesta se tituló E Pluribus Unum y fue recibida con mucha controversia, lo que eventualmente llevó al rechazo del proyecto.
En 2009, Wilson recibió la Medalla Cheek [15] del Museo de Arte Muscarelle de William & Mary . La Medalla Cheek es un premio nacional de arte otorgado por el College of William & Mary a quienes han contribuido significativamente al campo de las artes escénicas, visuales o de los museos.
En 2011 se publicó Fred Wilson: A Critical Reader de Ridinghouse , editado por Doro Globus. Esta antología de textos críticos y entrevistas con el artista se centra en las exposiciones y proyectos fundamentales del artista e incluye una amplia gama de textos significativos que marcan la recepción crítica de la obra de Wilson durante las últimas dos décadas. [16]
El enfoque artístico único de Wilson consiste en examinar, cuestionar y deconstruir la exposición tradicional de arte y artefactos en los museos. Con el uso de nuevos rótulos de pared, sonidos, iluminación y combinaciones no tradicionales de objetos, lleva a los espectadores a reconocer que los cambios en el contexto crean cambios en el significado. La yuxtaposición de objetos evocadores de Wilson obliga al espectador a cuestionar los prejuicios y las limitaciones de las instituciones culturales y cómo han dado forma a la interpretación de la verdad histórica, el valor artístico y el lenguaje de la exposición. [8] Según Wilson, "los museos ignoran y a menudo niegan los otros significados [de los objetos]. En mi experiencia, es porque si un significado alternativo no es el tema de la exposición o el foco del museo, el museo lo considera poco importante". [17] Wilson utiliza estos objetos para analizar la representación de la raza en los museos y para examinar el poder y los privilegios de las instituciones culturales. [18]
Por ejemplo, para su instalación en la Bienal de Venecia de 2003 , contrató a un turista para que fingiera ser un vendedor callejero africano que vendía bolsos de diseño falsos (en realidad, sus propios diseños). También incorporó a la muestra " moros negros ", esculturas de personas negras en el papel de sirvientes. [19] Estas figuras se utilizaban a menudo como soportes para las luces. Wilson colocó a sus moros negros de madera portando sopletes de acetileno y extintores. Señaló que estas figuras son tan comunes en Venecia que pocas personas las notan, afirmando: "Están en hoteles por todas partes en Venecia... lo cual es genial, porque de repente las ves en todas partes. Quería que fuera visible, todo este mundo que de alguna manera explotó para mí". [19]
La minería en el museoexhibición
Mining the Museum fue una exposición creada por Fred Wilson que se llevó a cabo del 4 de abril de 1992 al 28 de febrero de 1993 en la Sociedad Histórica de Maryland .
Fondo
El título de la exposición hace referencia a cómo Wilson extrajo y desenterró objetos de las colecciones de la Sociedad Histórica de Maryland para crear esta exposición. El objetivo de la exposición era abordar los prejuicios que tienen los museos, que a menudo omiten o subrepresentan a los pueblos oprimidos y se centran en los "hombres blancos prominentes". [20] Wilson tomó la colección existente del museo y la reorganizó para resaltar la historia de los afroamericanos y los nativos americanos de Maryland. Esta reorganización creó un nuevo punto de vista sobre la colonización, la esclavitud y la abolición mediante el uso de la sátira y la ironía.
Artefactos
Wilson yuxtapuso artefactos históricamente importantes entre sí para abordar las injusticias de la historia y las injusticias de no ser exhibidos adecuadamente. La entrada de la exposición mostraba tres bustos de individuos importantes: Napoleón , Andrew Jackson y Henry Clay exhibidos en pedestales. A la izquierda de estos bustos había pedestales negros vacíos con los nombres de tres afroamericanos importantes y olvidados de Maryland: Frederick Douglass , Benjamin Banneker y Harriet Tubman . Dispuesto en el centro de estos pedestales hay un globo de cobre plateado con la palabra "Verdad" inscrita en él en una caja. [21]
Wilson extrajo pinturas del siglo XVIII y XIX que mostraban a afroamericanos de la colección de la MHS. Dentro de esta colección, Wilson renombró las pinturas para cambiar el enfoque hacia los afroamericanos en ellas. Una de las pinturas al óleo titulada "Vida en el campo" fue rebautizada como "Frederick sirviendo fruta" para enfatizar y subrayar al joven afroamericano que estaba sirviendo "blancos bien vestidos en un picnic". [21] Otras pinturas que mostraban a niños esclavos fueron emparejadas con grabaciones de audio que se reproducían en bucle en las que los visitantes podían escuchar a estos niños en las pinturas hacer varias preguntas conmovedoras. Wilson usó estas pinturas para obligar a los visitantes a reconocer cómo la representación de los afroamericanos y su invisibilidad en las representaciones de la vida estadounidense es "paradójica". [21]
La instalación titulada "metalistería" dispuso platería ornamentada con grilletes de esclavos para abordar el hecho de que la prosperidad de uno no podría haberse logrado sin el otro. De manera similar, "Ebanistería" aborda más la subyugación al tener sillas antiguas reunidas alrededor y frente a un poste de azotes auténtico, que según varias publicaciones se había utilizado incorrectamente con esclavos. De hecho, el poste se había utilizado para castigar a los golpeadores de esposas en la cárcel de la ciudad de Baltimore. [22] Sin embargo, estas suposiciones falsas ayudaron a reforzar la idea de Wilson de que la exhibición estaba "cargada por lo que uno aporta a ella". [22] Piezas como "Ebanistería" alentaron a los visitantes a interpretar las obras como las vieran, a pensar críticamente y adquirir una nueva perspectiva. Otras obras incluían indios de una tienda de tabaco que se alejaban de los visitantes, una máscara del KKK en un cochecito de bebé, un rifle de caza con carteles de esclavos fugitivos y una lámpara de araña negra colgada en el pabellón neoclásico del museo hecho para la exhibición.
Impacto
La exposición tuvo éxito porque concientizó a los visitantes sobre el racismo, que es parte integral de la historia estadounidense. ““Explotar el museo” funcionó porque era sugerente en lugar de didáctica, provocadora en lugar de moralizante” [20]. Más de 55.000 personas vieron la exhibición de Wilson y lo ayudaron a crear otras exhibiciones similares en todo Estados Unidos. Los críticos acuñarían este nuevo tipo de trabajo como “arte museístico”. [23]
50ª Bienal de Venecia
Wilson representó a los Estados Unidos en la 50.ª Bienal de Venecia , presentando la exposición individual Speak of Me as I Am (2003) en el pabellón estadounidense . Una serie de obras fue una reelaboración de Otelo de Shakespeare que consistía en varios objetos como espejos y candelabros que se usaban para comentar el texto. Estas obras se han ampliado en la exposición Fred Wilson: Esculturas, pinturas e instalaciones, 2004-2014. Estos objetos están hechos de cristal de Murano negro, lo que indica cómo Wilson ha transferido el contexto de Otelo a un mundo donde la raza no se ignora y, en cambio, es un foco central crucial. [24]
Afro Kismet , una instalación de medios mixtos también incluida en la exposición, se centró en cuestiones y representaciones de la raza en Venecia, específicamente en la historia de los negros en Venecia. La instalación consistía en grabados, pinturas y otros artefactos de las colecciones del Museo Pera y subrayaba la historia "descartada" u "oculta" de los pueblos africanos en el Imperio Otomano. [25]
Otras actividades
De 1988 a 1992, Wilson formó parte de la junta directiva de Artists Space en TriBeCa , Nueva York. [26] Actualmente forma parte del consejo de administración del Museo Whitney de Arte Estadounidense en Nueva York.
Wilston copresidió (junto con Naomi Beckwith ) el jurado que eligió a los ganadores del Premio Roma para el ciclo 2023-24. [27]
Convocatoria (2004), Museo Metropolitano de Arte , Nueva York; [55] Galería Nacional de Arte, Washington, DC; [56] y Museo de Arte de Toledo, Ohio [57]
Todos estamos en la cuneta, pero algunos de nosotros estamos mirando las estrellas (2004), National Gallery of Art, Washington, DC; [58] Studio Museum en Harlem, Nueva York; [59] y Toledo Museum of Art, Ohio [60]
X (2005), Berkeley Art Museum y Pacific Film Archive, California; [61] Metropolitan Museum of Art, Nueva York; [62] y Whitney Museum, Nueva York [63]
¡Pssst! (2005), Galería Nacional de Arte, Washington, DC [64]
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Enlaces externos
La galería Pace
Biografía, entrevistas, ensayos, imágenes de obras de arte y videoclips de la serie de PBS Art:21 - El arte en el siglo XXI - Temporada 3 (2005).
Fred Wilson en el Instituto de Arte de Minneapolis, Minneapolis, Minnesota
