"Erk Gah" (posteriormente retitulada "Hold to the Zero Burn, Imagine" ) es una canción escrita por Tim Hodgkinson para el grupo inglés de rock experimental Henry Cow . "Erk Gah" fue interpretada en vivo por la banda entre 1976 y 1978, pero nunca fue grabada en el estudio; Tres presentaciones en vivo de la canción se lanzarían más tarde en el álbum en vivo Stockholm & Göteborg en 2008 y en la compilación The 40th Anniversary Henry Cow Box Set en 2009. En 1993, quince años después de que Henry Cow se disolviera, Hodgkinson grabó la composición bajo el título " Hold to the Zero Burn, Imagine" para su álbum solista Each in Our Own Thoughts (1994), con los ex miembros de Henry Cow Chris Cutler , Lindsay Cooper y Dagmar Krause .
"Erk Gah" fue la segunda de dos composiciones "épicas" que Hodgkinson escribió para Henry Cow, siendo la primera " Living in the Heart of the Beast " de In Praise of Learning (1975). [1]
Hodgkinson escribió la letra y la música de "Erk Gah" a mediados de 1976. Es una canción extendida de " 12 tonos , atonal " de diecisiete minutos que describió como "seca, astringente, angular, sin comprometer la música rock". [2] Conocido por sus composiciones "complicadas" para Henry Cow (como "Amygdala" de Legend y " Living in the Heart of the Beast " de In Praise of Learning ), "Erk Gah" fue inicialmente un desafío para el grupo. aprender, [1] pero a finales de 1976 lo habían presentado en vivo varias veces. La letra inicial de Hodgkinson toma la forma de un soliloquio de un personaje en espera de ejecución.
En diciembre de 1976, Hodgkinson solicitó que "Erk Gah" fuera retirado del repertorio de la banda hasta que pudiera reescribir la letra. El resto del grupo, sin embargo, sintió que debía permanecer en su lista de canciones mientras esperaban la nueva letra y continuaron interpretándola en vivo. [3] En julio de 1977, el grupo, que ya había hecho declaraciones anticapitalistas en su música, [4] quería hacer una declaración antifascista para "criticar a los elementos derechistas " en el floreciente movimiento punk rock ; [5] se sugirió que la nueva letra de "Erk Gah" debería reflejar esta postura. [3] En enero de 1978, mientras Henry Cow se preparaba para partir hacia Suiza para grabar Western Culture , Hodgkinson presentó su letra revisada al grupo. El resto del grupo rechazó la nueva letra y le pidió al baterista Chris Cutler que escribiera una tercera letra. Cutler no pudo hacerlo en el corto período de tiempo que quedaba antes de que comenzaran las sesiones de grabación, por lo que "Erk Gah" no se grabó. [1]
Henry Cow continuó interpretando "Erk Gah" en vivo varias veces en 1978, aunque reorganizado como instrumental debido a la salida del vocalista Dagmar Krause del grupo. [6] El grupo regresó al estudio en julio para lo que se convertiría en sus grabaciones finales antes de disolverse ese mismo año, pero "Erk Gah" nuevamente no se grabó. [7]
En 1993, Hodgkinson, junto con Krause, Cutler y la ex intérprete de instrumentos de viento de Henry Cow, Lindsay Cooper , grabaron "Erk Gah" con su letra original como "Hold to the Zero Burn, Imagine" para su álbum en solitario Each in Our Own Thoughts . [8] [9] Sin embargo, en 2008 afirmaría que "en retrospectiva, prefiero con diferencia la versión Cow a la versión posterior de estudio". [9]
Cuando el guitarrista de Henry Cow, Fred Frith, vio por primera vez la partitura de la pieza que entonces no tenía título, exclamó "Erk Gah", una expresión sin sentido utilizada por Don Martin en sus caricaturas para la revista Mad . [2] [10] "Erk Gah" se convirtió así en el título provisional de la composición y no había sido cambiado cuando el grupo se disolvió en 1978. Hodgkinson lo retituló "Hold to the Zero Burn, Imagine" para su grabación en 1993.
"Erk Gah" es una obra serialista de dieciocho minutos y doce tonos completamente anotada que comprende cinco grandes movimientos vinculados a cinco secciones de texto. En su libro de 2019 Henry Cow: The World Is a Problem , el musicólogo Benjamin Piekut escribió que Hodgkinson construyó la pieza en torno a la melodía vocal, a diferencia de su pieza anterior de larga duración " Living in the Heart of the Beast ", que tenía su letra y melodía vocal. añadido al final. Hodgkinson describió la pieza como "un caos salvaje, cambiante y fluido de formas transitorias"; Piekut afirma que " los elementos tonales , texturales y rítmicos mutan a menudo a lo largo de la obra". [11]
El primer movimiento de la pieza resume estilos y motivos musicales que aparecen en los movimientos posteriores. Piekut señala que aquí Hodgkinson presenta "una figura oscilante que marca toda la pieza; a menudo aparece en la voz, esta figura tiene a Krause balanceándose hacia adelante y hacia atrás entre dos tonos". [12] También está presente "una figura rítmica en la que los tiempos sucesivos se dividen en un número creciente o decreciente de ataques", o "una aceleración o desaceleración [que] tiene lugar dentro de un tempo constante". [12] El segundo movimiento comienza con el juicio al protagonista y narrador de la canción . Aquí cambia el timbre y la textura de la obra, que ahora presenta " relaciones contrapuntísticas entre los distintos instrumentos". [12] El violonchelo, la flauta, el saxofón, el órgano y la guitarra se escuchan en "un espacio tonal de doce tonos que rechaza cualquier centro tonal". [13]
En el tercer movimiento, el narrador reflexiona sobre el optimismo del pasado, y la música "se vuelve a centrar en mi, un tritono desde el centro tonal en si bemol" con el que comenzó la pieza. [13] Krause canta "largas melodías en una secuencia de tono desde el primer movimiento" que pronto comienza a oscilar entre C y B♭. Piekut afirmó que Hodgkinson " modula el compás y el tempo de manera que la voz de Krause permanece imperturbable mientras los ritmos cambian erráticamente debajo". [13] En el siguiente movimiento, el narrador experimenta "pérdida y nada", y este es el único movimiento que no comienza con el canto. Piekut describió esta sección como si tuviera una " sensación de música de cámara , con muchos instrumentos que ofrecen gestos atomistas y frágiles que a veces se unen en líneas al unísono". [13] En este movimiento, Hodgkinson "introduce un nuevo motivo rítmico compartido por todos, pero escuchado con frecuencia en el bajo con un tritono oscilante". [13] El movimiento final, en el que el narrador expresa "furia", cierra la obra con "tonos largos en el bajo que apoyan el contrapunto entre órgano y voz".
Piekut concluye que "Erk Gah" "mantiene poco contacto con las convenciones del rock" y "suena más a música de cámara modernista compuesta principalmente para instrumentos amplificados". [13] Añade que "hay muy poca repetición y ningún golpe de tambor del que hablar" en la pieza, aunque hay "chillidos eruptivos" recurrentes que sugieren free jazz . [6]
En una reseña del álbum en vivo de archivo de Henry Cow Stockholm & Göteborg in Clouds and Clocks , Beppe Colli sintió que "Erk Gah" era demasiado similar a "Living in the Heart of the Beast", y encontró que la voz de Krause "rozaba el kitsch en [ su] énfasis", pero elogió el movimiento instrumental final de la pieza. [14] François Couture de AllMusic consideró la grabación de Estocolmo y Göteborg "un tour de force de complejo rock de vanguardia" en su reseña del álbum. [15]
Henry Cow nunca grabó "Erk Gah" en el estudio, pero sí la interpretó en vivo entre 1976 y 1978: [16]