El banquete de los dioses (en italiano: Il festino degli dei ) es una pintura al óleo del maestro renacentista italiano Giovanni Bellini , con importantes añadidos en etapas al paisaje de la izquierda y del centro por parte de Dosso Dossi y Tiziano . Es una de las pocas pinturas mitológicas del artista veneciano. Completada en 1514, fue su última obra importante. Ahora se encuentra en la Galería Nacional de Arte de Washington DC , que la llama "una de las más grandes pinturas renacentistas de los Estados Unidos". [1]
La pintura es la primera representación importante del tema de la " Fiesta de los dioses " en el arte renacentista , que seguiría vigente hasta el final del manierismo nórdico más de un siglo después. [2] Tiene varias similitudes con otro tratamiento, mucho menos sofisticado, pintado por el artista florentino Bartolomeo di Giovanni en la década de 1490, ahora en el Louvre . [3]
La pintura está firmada por una inscripción en el papel ficticio adherido a la tina de madera en la parte inferior derecha: "joannes bellinus venetus / p MDXIIII" ("Giovanni Bellini de Venecia, pintado en 1514"), y su pago ese año está registrado. [4] Basado en una narración de Ovidio , [5] es el primero de un ciclo de pinturas, todas obras importantes, sobre temas mitológicos producidos para Alfonso I d'Este , duque de Ferrara , para su camerino d'alabastro ('cámara de alabastro') en el Castello Estense , Ferrara . Los temas habían sido elegidos en 1511, por el humanista renacentista Mario Equicola , que entonces trabajaba para la hermana del duque, Isabella d'Este , y aparentemente se enviaron instrucciones que incluían algunos bocetos a los artistas. [6] Los encargos posteriores fueron cuatro grandes Tizianos (uno ahora perdido) y diez obras más pequeñas de Dosso Dossi , probablemente colocadas sobre ellos. [7] Los tres Tizianos supervivientes pintados para la sala son Baco y Ariadna ( National Gallery, Londres ), La bacanal de los andrios y El culto de Venus (ambos Prado , Madrid). [8]
Se ha sugerido que Bellini hizo un conjunto preliminar de alteraciones antes o poco después de 1514 para hacer la pintura más compatible con el latín original de Ovidio, habiendo trabajado previamente a partir de una versión volgarizzato de Ovidio en italiano , y que en este punto Bellini cambió la mayoría de los personajes a dioses en lugar de personas de Tebas , dándoles atributos y escotes más bajos para las mujeres. Pero esta visión se basó en un malentendido de las primeras radiografías tomadas en 1956. Ahora se piensa que las figuras son como las pintó originalmente Bellini. [9] Bellini murió en 1516, poco después de completar la pintura, y algunos años después Dosso Dossi y quizás Tiziano modificaron el paisaje de la izquierda para que coincidiera con su Bacanal de los Andrios (1518-1523), también en el Camerino de Alfonso, agregando la colina rocosa detrás de las figuras y el follaje más brillante en un árbol a la derecha. Una revisión más completa realizada por Tiziano en torno a 1529 añadió más paisajes, repintando los cambios anteriores. Pero todo el trabajo sobre las figuras sigue siendo de Bellini. [10] Un faisán en un árbol a la derecha, sobre Príapo, puede haber sido pintado por el propio Alfonso, un pintor aficionado. [11]
La pintura muestra el incidente del intento de violación de Lotis . Era una ninfa mencionada por Ovidio , hija de Neptuno o Nereo . Durante un festival en honor a Liber al que asistió, Príapo intentó violarla mientras dormía, pero se despertó por un grito repentino del asno de Sileno y salió corriendo, dejando a Príapo avergonzado mientras todos los demás también se despertaban y se daban cuenta de sus intenciones. [5] La historia se muestra en los bordes de la composición, de una manera un tanto poco dramática que presumiblemente muestra un momento poco antes del incidente clave, con Sileno y su asno a la izquierda y Príapo y Lotis a la derecha (y todos menos Lotis todavía completamente despiertos). [12] El tema había sido representado en la primera edición ilustrada de Ovidio en italiano, publicada en Venecia en 1497. Otra representación de este raro tema en un grabado veneciano de 1510 tiene una pose muy similar para Lotis pero pone mucho mayor énfasis en la naturaleza erótica de la historia, incluido el pene descomunal de Príapo, aquí solo un indicio debajo de las telas. [13]
Las figuras que se muestran generalmente se consideran (de izquierda a derecha): un sátiro , Sileno con su asno, su pupilo Baco de niño, Silvano (o Fauno ), Mercurio con su caduceo y casco, un sátiro, Júpiter , una ninfa sirviendo, Cibeles , Pan , Neptuno , dos ninfas de pie, Ceres , Apolo , Príapo, Lotis. [14] Algunas de las figuras pueden ser retratos de personas de la corte de Ferrara, incluidos Alfonso y su esposa Lucrecia Borgia . [11]
Otra sugerencia es que la pareja en el centro, el hombre con su mano entre los muslos de la mujer, son una pareja nupcial, como lo demuestra su intimidad y el membrillo que ella sostiene, una fruta recomendada a las novias para aumentar sus apetitos sexuales. [15] Si él sigue siendo Neptuno, esto la convertiría en Anfítrite .
La obra es atípica de la pintura mitológica renacentista en el tratamiento realista de las principales deidades, lo que puede explicarse por las figuras que comienzan siendo ciudadanos comunes de Tebas y por la inexperiencia de Bellini en las convenciones emergentes del arte mitológico. La obra se alejaba considerablemente de su temática habitual de escenas religiosas y retratos para Bellini, que tenía más de 80 años cuando la comenzó. Anteriormente se había mostrado reacio a pintar historias mitológicas, escabulléndose de un encargo de Isabella d'Este , la hermana de Alfonso, en 1501-04 (tuvo que contentarse con una Natividad a un precio inferior al que había ofrecido por una storia ). Quizás entonces se mostraba reacio a competir con su cuñado Andrea Mantegna , que se especializaba en temas clásicos. Pero Mantegna había muerto en 1506. [16]
Como primera obra producida para el camerino , Bellini determinó muchos elementos del estilo para el ciclo, con los que Tiziano necesitaba armonizar en sus lienzos posteriores. La sala en su conjunto "constituyó una gran novedad en la imaginación europea", ya que las pinturas "establecieron en forma visual la imagen del idilio mediterráneo ideal y mítico, compuesto por personas encantadoras que se divertían en un paisaje magnífico" y "presentaron figuras de la mitología clásica como laicos comprometidos en actividades laicas de amor y guerra, encarnadas en el nuevo naturalismo realista que acababa de desarrollarse... La vida secular entró en el arte elevado por la puerta de atrás como la representación de las historias de los dioses clásicos, en los que nadie creía, pero que, como no eran dioses reales, podían ser colocados en situaciones embarazosas. Los cuadros del Camerino fueron quizás la etapa crucial de esta revolución". [17]
Las pinturas permanecieron en la habitación para la que fueron pintadas hasta 1598, cuando fueron confiscadas y llevadas a Roma por el cardenal Ippolito Aldobrandini ("junior") como legado papal . El grupo se separó en 1623, y la Fiesta abandonó la familia Aldobrandini en 1796-97, pasando a la familia Camuccini. La pintura salió de Italia hacia Inglaterra en 1853 y fue comprada por el cuarto duque de Northumberland , luego vendida en 1916 por el séptimo duque al comerciante londinense Thomas Agnew and Sons . Fue comprada en 1922 por el patrimonio del magnate estadounidense Peter AB Widener (fallecido en 1915) y en 1942 ingresó en la Galería Nacional de Arte en Washington, DC con el resto de su colección. [18]
Se expuso en 1856 en la British Institution de Londres (con el título Los dioses deleitándose con los frutos de la tierra ). Desde que llegó a Washington, ha viajado a Venecia en 1990, a Londres y Madrid en 2003 (reuniendo las cuatro grandes obras del ciclo, con tres de las obras de Dossi) y a Viena en 2006. [19]
La pintura fue investigada a fondo en 1985 y se realizó un análisis extenso de pigmentos durante el trabajo de limpieza y conservación de la pintura. [20] Los tres pintores, Bellini, Dosso y Tiziano emplearon los pigmentos disponibles en ese período de tiempo, como el ultramar natural , el amarillo de plomo y estaño , la malaquita , el cardenillo y el bermellón . El banquete de los dioses es uno de los pocos ejemplos del uso de oropimente y rejalgar en la pintura al óleo del Renacimiento en Italia. La investigación científica muy detallada y extensa de esta pintura se ha hecho accesible a un público más amplio en Internet por WebExhibits [21] y también más recientemente por ColourLex. [22]
