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El gran cabrón o Aquelarre (en español: Aquelarre o El gran cabrón [1] ) son los nombres que se le dan a un mural al óleo del artista español Francisco de Goya , completado en algún momento entre 1821 y 1823. Representa un aquelarre de brujas . Evoca temas de violencia, intimidación, envejecimiento y muerte; [2] Satanás se eleva en forma de cabra en silueta iluminada por la luna sobre un aquelarre de viejas brujas aterrorizadas . [3] Goya tenía entonces alrededor de 75 años, vivía solo y sufría una angustia mental y física aguda.
La obra es una de las catorce Pinturas Negras que Goya aplicó al óleo sobre las paredes de yeso de su casa, la Quinta del Sordo . La serie se completó en secreto: no tituló ninguna de las obras ni dejó constancia de sus intenciones al crearlas. A falta de hechos, algunos historiadores del arte generalmente consideran que El aquelarre es una sátira sobre la credulidad de la época, [4] una condena de la superstición y los juicios de brujas de la Inquisición española . Al igual que con las otras obras del grupo, El aquelarre refleja la desilusión de su pintor y puede vincularse temáticamente con su grabado anterior El sueño de la razón produce monstruos, así como con la serie de grabados Desastres de la guerra , otra declaración política audaz publicada solo póstumamente.
Alrededor de 1874, unos cincuenta años después de su muerte, los murales de yeso fueron desmontados y trasladados a soportes de lienzo. El Sabbath de las brujas era mucho más ancho antes de la transferencia: era el más ancho de las Pinturas negras . Durante la transferencia, se cortaron unos 140 cm (55 pulgadas) de la pintura del lado derecho.
Goya no tituló ninguna de las 14 Pinturas Negras ; sus nombres modernos surgieron después de su muerte. No están inscritas, mencionadas en sus cartas, [5] y no hay registros de que él hablara de ellas. [6] [7] Las obras hoy en día se conocen por una variedad de títulos, la mayoría de los cuales datan de alrededor de la década de 1860: probablemente dados por sus hijos fueron en gran parte responsables de los nombres o por su amigo cercano Bernardo de Iriarte . [8] El título El Gran Cabrón fue dado por el pintor Antonio Brugada (1804-1863). [9] El término vasco para un aquelarre , akelarre , es la fuente del título español Aquelarre y una derivación de akerra , la palabra vasca para un macho cabrío, que puede haberse combinado con la palabra larre ("campo") para llegar a akelarre . [10]
Los registros de la vida posterior de Goya son relativamente escasos; no sobreviven relatos de primera mano sobre sus pensamientos de esta época. Suprimió deliberadamente varias de sus obras de este período, en particular la serie Desastres de la guerra , que hoy se consideran entre sus mejores. [11] Estaba atormentado por un miedo a la vejez y un temor a la locura, este último posiblemente debido a la ansiedad causada por una enfermedad no diagnosticada que lo dejó sordo desde principios de la década de 1790. [12] Goya había sido un artista exitoso y ubicado en la realeza, pero se retiró de la vida pública durante sus últimos años. Desde finales de la década de 1810, vivió casi en soledad a las afueras de Madrid en una casa de campo convertida en estudio. La casa se hizo conocida como la Quinta del Sordo ("la Casa del Sordo"), después de que la casa de campo más cercana, casualmente, también perteneciera a un hombre sordo. [13]
A partir de sus obras de arte sobrevivientes, los historiadores del arte creen que Goya se sintió alienado de las tendencias sociales y políticas que siguieron a la restauración de la monarquía borbónica de 1814 , y vio estos acontecimientos como medios reaccionarios de control social. En su arte inédito, parece haber despotricado contra lo que vio como una retirada táctica hacia el medievalismo . [15] Se cree que había esperado una reforma política y religiosa, pero como muchos liberales, se desilusionó cuando la monarquía borbónica restaurada y la jerarquía católica rechazaron la Constitución española de 1812. [ 16] Se exilió en Francia en 1824, y la propiedad de la casa pasó a su nieto Mariano. [17] Un inventario de 1830 de Brugada indica que la obra ocupaba una pared completa entre dos ventanas en el primer piso, frente a Una romería a San Isidro . [18] En la pared de la derecha estaban Saturno devorando a su hijo y Judith y Holofernes . En la pared izquierda se encontraban La Leocadia , Dos Viejos y Dos Viejos Comiendo Sopa . [19]
El historiador de arte Lawrence Gowing observó que la planta baja estaba dividida temáticamente, con un lado masculino —Saturno y Una peregrinación a San Isidro— y un lado femenino —Judith y Holofernes , El aquelarre y La Leocadia— . [20] La casa cambió de dueño varias veces antes de marzo de 1873, cuando pasó a manos del belga Frédéric Émile d'Erlanger . [21] [22] Los murales se habían deteriorado mucho después de muchos años en las paredes. Para preservarlos, el nuevo propietario de la casa los hizo trasladar a lienzo bajo la dirección del restaurador de arte del Museo del Prado , Salvador Martínez Cubells . [23] Tras su exhibición en la Exposición Universal de París de 1878, donde se encontraron con poca reacción, d'Erlanger los donó al estado español en 1881. [24] [25]
Satanás está vestido con ropa clerical que puede ser una sotana , [26] y lleva una barba y cuernos parecidos a los de una cabra. [27] Predica desde un montículo de tierra y se lo muestra en silueta, con líneas que acentúan su cuerpo pesado y su boca abierta. Su forma puede derivar de una ilustración de 1652 del ídolo cananeo Moloch , como lo ilustró Athanasius Kircher . [28]
Él celebra la corte ante un círculo de ancianas agachadas y en su mayoría aterrorizadas, a quienes los historiadores del arte suelen describir como un aquelarre de brujas. [29] Algunas inclinan la cabeza con miedo, otras lo miran con la boca abierta y asombradas. Al describir a las mujeres, el historiador del arte Brian McQuade escribe que la "subhumanidad del grupo reunido se ve subrayada por sus rasgos bestiales y miradas estúpidas". [30] El poder absoluto de Satanás sobre las mujeres ha sido comparado con el del rey en La junta de Filipinas de Goya de 1815 , donde la autoridad no se obtiene a partir del respeto o el carisma personal, sino a través del miedo y la dominación. [3] Las mujeres son una mezcla de viejas y jóvenes, y tienen rasgos retorcidos similares; todas menos una tienen el ceño fruncido, están nerviosas y obsequiosas. El uso del tono de Goya para crear atmósfera recuerda tanto a Velázquez como a Jusepe de Ribera . Este último era un admirador de Caravaggio y utilizó el tenebrismo y el claroscuro . Goya aprendió de estas fuentes y de Rembrandt , algunos de cuyos grabados poseía. [31]
Una anciana se sienta a la derecha de la cabra, de espaldas al espectador. Su rostro está medio oculto y lleva un tocado con capucha blanca que se asemeja al hábito de una monja . Se sienta junto a botellas y frascos en el suelo a su derecha. El crítico de arte Robert Hughes se pregunta si "contienen las drogas y filtros necesarios para las ceremonias diabólicas". [32] Los ojos de algunas figuras están delineados con pintura blanca. [33] Los rostros de las dos figuras principales, la cabra y la mujer del extremo derecho, están ocultos. La mujer está separada del grupo; tal vez sea una postulante a punto de ser iniciada en el aquelarre. [32] Puede representar a la doncella y probable amante de Goya , Leocadia Weiss , [26] cuyo retrato de cuerpo entero aparece en la misma serie. [33]
Al igual que en las demás pinturas negras , Goya comenzó con un fondo negro sobre el que pintó con pigmentos más claros y luego con pinceladas amplias y pesadas de gris, azul y marrón. Las áreas más oscuras se lograron dejando expuesta la pintura negra subyacente; esto es más evidente en la figura del Diablo. [34] El yeso se cubrió con negro de carbón espeso antes de aplicar la pintura en tonos de albayalde, azul de Prusia , bermellón de mercurio y cristales de vidrio en polvo , oropimente y óxidos de hierro . [35] Es probable que trabajara con materiales mixtos. [24]
El análisis técnico indica que la mayoría de las Pinturas negras comenzaron con dibujos preparatorios. El Sábado de las brujas es la excepción; la composición final parece haber sido pintada directamente sobre la pared. El historiador de arte Fred Licht describió la pincelada de Goya como "torpe, pesada y áspera" y en áreas carecía del acabado que se encontraba en su trabajo anterior. Licht cree que se trataba de una técnica deliberada destinada a transmitir sus sentimientos de desesperación. [36] A diferencia de las otras pinturas de la serie, El Sábado de las brujas no fue alterado significativamente por Goya después de su borrador inicial. [34]
No hay registro de los pensamientos de Goya durante este período. Completó la serie mientras se recuperaba de una enfermedad, posiblemente envenenamiento por plomo , con un dolor mental y físico considerable. [30] [37] Se cree que el aquelarre fue una protesta bastante amarga pero silenciosa contra los realistas y el clero que habían recuperado el control de España después de la Guerra Peninsular de 1807-14. Los defensores españoles de la Ilustración buscaron redistribuir la tierra a los campesinos, educar a las mujeres, publicar una Biblia vernácula y, al reemplazar la superstición por la razón, poner fin a la Inquisición . Los estallidos de caza de brujas, como ocurrió durante la Inquisición de Logroño , fueron una regresión espantosa para liberales como Goya. [14]
Goya era un pintor de la corte y, por lo tanto, parte del orden establecido. Sin embargo, numerosas pinturas y grabados que han surgido desde entonces sugieren que sus convicciones favorecían el liberalismo. [38] [39] Parece haber mantenido estas creencias en privado, expresándolas solo en su arte privado; sus obras más sensibles no se publicaron en ese momento, probablemente por miedo a las represalias o la persecución. En El aquelarre , Goya parece burlarse y ridiculizar la superstición, el miedo y la irracionalidad de quienes depositan su fe en demonios , curanderos y tiranos. [15] [14] [40]
Goya había utilizado imágenes de brujería en su serie de grabados Caprichos de 1797-98 , [41] y en su pintura de 1789 El aquelarre , donde el Diablo también está representado como una cabra rodeada por un círculo de mujeres aterrorizadas. [42] La pintura de 1798 utiliza imágenes de brujería de una manera que invierte el orden de la iconografía cristiana tradicional. La cabra extiende su pezuña izquierda en lugar de la derecha hacia el niño, la luna en cuarto creciente mira hacia afuera en la esquina izquierda del lienzo. [43] Estas inversiones pueden ser una metáfora del debilitamiento irracional de los liberales que abogaban por el progreso científico, religioso y social. Muchos de los organismos científicos entonces activos fueron condenados como subversivos y sus miembros fueron acusados de "agentes del diablo". [14]
Al describir las técnicas empleadas en las Pinturas Negras , particularmente la pintura de fondo negra visible, la historiadora del arte Barbara Stafford dijo que "al incrustar bruscamente puntos de luz con la oscuridad predominante, las visiones aguatintadas y pintadas de Goya demostraron la impotencia del intelecto desenfrenado para unificar una experiencia monstruosamente híbrida de acuerdo con sus propias leyes trascendentales a priori ". [44]
Entre 1874 y 1878, el restaurador Salvador Martínez Cubells se encargó de retocar los cuernos de la cabra y varios rostros de las brujas. [30] Eliminó más de 140 cm (55 in) de paisaje y cielo a la derecha de la bruja postulante, donde la pintura había sido muy dañada. Esta alteración desplazó significativamente el centro de equilibrio de la obra; la joven ya no estaba cerca del centro de la composición, lo que redujo tanto su prominencia como la posibilidad de que se la viera como el centro de la obra. [24]
Algunos historiadores del arte creen que la zona eliminada de la derecha no se podía restaurar, dado lo improbable que es que una gran sección de una pintura de un artista de la talla de Goya se descarte a la ligera. [32] Sin embargo, la eliminación puede haber sido por razones estéticas, con el espacio vacío resultante destinado a aportar equilibrio a un lienzo percibido como demasiado largo. [45] Si este era el razonamiento de Cubells, estaba equivocado (no era un pintor consumado y no comprendía las intenciones de Goya); Goya había utilizado a menudo el espacio vacío con un efecto dramático y evocador, como se ve en El perro de la misma serie, y su grabado Sucesos desafortunados en las primeras filas del ruedo de Madrid y la muerte del alcalde de Torrejón . [46]
En ambas obras, Goya dejó grandes áreas vacías en lo que parece haber sido una reacción contra las convenciones contemporáneas de equilibrio y armonía. [46] Este enfoque se volvió muy influyente en artistas modernos como Francis Bacon , quien admiraba mucho la representación de Goya de lo que Bacon describió como "el vacío". [47]
El cuadro se encuentra en mal estado. El paso del tiempo y una complicada transferencia que implicó montar yeso desmenuzado sobre lienzo provocaron daños estructurales y pérdida de pintura. Estaba gravemente dañado incluso antes de ser retirado de las paredes de la casa de Goya; [35] la base de yeso seco puede haber contribuido a su deterioro temprano. Los frescos realizados sobre yeso seco (en lugar de húmedo) no pueden sobrevivir durante mucho tiempo sobre una superficie rugosa. Evan Connell cree que al aplicar aceite sobre yeso Goya "cometió un error técnico que prácticamente garantizó la desintegración". [48]
Muchas de las Pinturas Negras fueron alteradas significativamente durante la restauración de la década de 1870, y el crítico Arthur Lubow describe las obras que cuelgan en el Prado hoy como "en el mejor de los casos un facsímil burdo de lo que pintó Goya". [23] Conocemos el efecto de muchos de los cambios de Martínez Cubells por sus relatos, pero inevitablemente carecen de objetividad. Más confiables son dos fotografías superpuestas tomadas en preparación para la restauración por Jean Laurent, ahora en la Biblioteca Witt del Instituto Courtauld . [49] Muestran la pintura in situ en la Quinta del Sordo y son los indicadores más confiables de su apariencia antes de la restauración. [50]
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