Un editor de sonido es un profesional creativo responsable de seleccionar y ensamblar grabaciones de sonido en preparación para la mezcla o masterización de sonido final de un programa de televisión, película, videojuego o cualquier producción que involucre sonido grabado o sintético . El editor de sonido trabaja con el editor de sonido supervisor. El editor de sonido supervisor a menudo asigna escenas y carretes al editor de sonido según las fortalezas y el área de especialización del editor. [1] La edición de sonido se desarrolló a partir de la necesidad de corregir las grabaciones de sonido incompletas, poco dramáticas o técnicamente inferiores de las primeras películas sonoras , y con el paso de las décadas se ha convertido en un oficio cinematográfico respetado , con editores de sonido implementando los objetivos estéticos del diseño de sonido de películas .
La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas reconoce la contribución artística de una edición de sonido excepcional con el Premio de la Academia a la Mejor Edición de Sonido .
Existen principalmente tres divisiones de sonido que se combinan para crear una mezcla final: diálogo, efectos y música. En mercados más grandes, como Nueva York y Los Ángeles, los editores de sonido suelen especializarse en una sola de estas áreas, por lo que un programa tendrá editores de diálogo, efectos y música separados. En mercados más pequeños, se espera que los editores de sonido sepan cómo manejar todo, a menudo cruzando también al ámbito de la mezcla. La edición de efectos se compara con la creación del mundo sonoro desde cero, mientras que la edición de diálogo se compara con tomar el mundo sonoro existente y arreglarlo. La edición de diálogo se considera más acertadamente como "edición de sonido de producción", donde el editor toma el sonido original grabado en el set y, utilizando una variedad de técnicas, hace que el diálogo sea más comprensible y más fluido, para que el oyente no escuche las transiciones de una toma a otra (a menudo, los sonidos de fondo debajo de las palabras cambian drásticamente de una toma a otra). Entre los desafíos que enfrentan los editores de efectos se encuentran la suma creativa de varios elementos para crear sonidos creíbles para todo lo que se ve en la pantalla, así como la memorización de su biblioteca de efectos de sonido.
El equipo esencial que se utiliza en la edición de sonido moderna es la estación de trabajo de audio digital o DAW. Una DAW permite que los sonidos, almacenados como archivos de computadora en un ordenador anfitrión, se coloquen en sincronización temporizada con una película, se mezclen, manipulen y documenten. El sistema DAW estándar que utiliza la industria cinematográfica estadounidense , a partir de 2012, es Pro Tools de Avid , y la mayoría se ejecuta en Mac . Otro sistema que se utiliza actualmente es Nuendo , la DAW multiplataforma de Steinberg, propiedad de Yamaha , que se ejecuta en Mac con el sistema operativo Mac OS X, pero también en Windows XP . Otros sistemas utilizados históricamente para la edición de sonido fueron:
WaveFrame, Fairlights y Audiofile pertenecían a la variedad "integrada" de DAW y requerían la compra de hardware propietario costoso y computadoras especializadas (no PC o Mac estándar). De los dos sistemas sobrevivientes, Pro Tools aún requiere algún hardware propietario (ya sea un dispositivo portátil de bajo costo como "Mbox" o los convertidores A/D, D/A multicanal más costosos para aplicaciones de gama alta más profesionales), mientras que Nuendo (un sucesor de Cubase ) es de la variedad "basada en host".
Los editores de efectos de sonido suelen utilizar un catálogo organizado de grabaciones de sonido desde el que se puede acceder fácilmente a los efectos de sonido y utilizarlos en las bandas sonoras de películas. Existen varias bibliotecas de efectos de sonido distribuidas comercialmente, siendo las dos editoriales más conocidas Sound Ideas y The Hollywood Edge. Los motores de búsqueda en línea, como Sounddogs , A Sound Effect y Sonniss, permiten a los usuarios comprar bibliotecas de efectos de sonido de una gran base de datos en línea.
Muchos editores de efectos de sonido crean sus propias grabaciones de sonido personalizadas que se acumulan en bibliotecas de efectos de sonido personales muy valoradas. A menudo, los efectos de sonido utilizados en películas se guardan y se reutilizan en películas posteriores. Un ejemplo de ello es una grabación conocida como "El grito de Wilhelm ", que se ha hecho famosa por su uso repetido en muchas películas famosas como La carga en Feather River (1953), La historia de Pierre Marette (1957), El imperio contraataca (1980), En busca del arca perdida (1981) y Reservoir Dogs (1992). El diseñador de sonido Ben Burtt es el responsable de dar nombre y popularizar esta grabación en particular .
El primer proceso de sonido que desplazó sustancialmente a las películas mudas en el mercado cinematográfico fue el proceso Vitaphone . Con este proceso, un micrófono grababa el sonido interpretado en el set directamente en un master fonográfico , lo que hacía imposible cortar o resincronizar las grabaciones Vitaphone, como lo permitirían los procesos posteriores. Esto limitaba el proceso Vitaphone a capturar actos musicales o escenas de acción de una sola toma, como rutinas de vodevil u otras recreaciones de representaciones teatrales; esencialmente, escenas que no requerían edición alguna. Sin embargo, Warner Brothers , incluso ya en The Jazz Singer , comenzó a experimentar con la mezcla de múltiples grabaciones fonográficas e intercalando entre la toma sincronizada "master" y la cobertura de otros ángulos. La consola de mezclas original utilizada para hacer la grabación master de The Jazz Singer , que todavía se puede ver en el Warner Bros. Studio Museum, no tiene más de cuatro o cinco perillas, pero cada una todavía está visiblemente etiquetada con los "grupos" básicos que un diseñador de sonido moderno reconocería: "música", "multitud", etc.
Warner Bros. desarrolló una tecnología cada vez más sofisticada para secuenciar un mayor número de efectos de sonido de fonógrafo en imágenes utilizando el sistema Vitaphone, pero estos quedaron obsoletos con la adopción generalizada de procesos de sonido en película a principios de la década de 1930.
En un proceso de sonido sobre película, un micrófono captura el sonido y lo convierte en una señal que se puede fotografiar en película. Dado que la grabación se impone linealmente en el medio, y este se corta y pega fácilmente, los sonidos grabados se pueden volver a secuenciar y separar fácilmente en pistas separadas, lo que permite un mayor control en la mezcla. Las opciones se ampliaron aún más cuando los procesos de grabación de sonido óptico se reemplazaron por la grabación magnética en la década de 1950. La grabación magnética ofrecía una mejor relación señal-ruido , lo que permitía reproducir más pistas simultáneamente sin aumentar el ruido en la mezcla completa.
El mayor número de opciones disponibles para los editores condujo a bandas sonoras más complejas y creativas, y fue en este período que se estableció un conjunto de prácticas estándar que continuaron hasta la era digital , y muchos de los conceptos nocionales todavía están en el núcleo del diseño de sonido, computarizado o no:
Históricamente, el mezclador de doblaje (Reino Unido) o mezclador de regrabación (Estados Unidos) era el especialista que mezclaba todas las pistas de audio proporcionadas por el editor de doblaje (con la adición de "sonidos en vivo" como Foley) en una suite de doblaje especial. Además de mezclar, introducía la ecualización, la compresión y los efectos de sonido filtrados, etc. mientras estaba sentado frente a una gran consola. A menudo, dos o tres mezcladores se sentaban al lado, cada uno controlando secciones de audio, por ejemplo, diálogo, música, efectos.
En la era de las pistas de sonido ópticas, era difícil mezclar más de ocho pistas a la vez sin acumular un ruido excesivo . En el apogeo de la grabación magnética, se podían mezclar 200 pistas o más, con la ayuda de la reducción de ruido Dolby . En la era digital no hay límite. Por ejemplo, un solo predoblaje puede superar las cien pistas, y el doblaje final puede ser la suma de mil pistas.
El sistema mecánico de edición de sonido permaneció inalterado hasta principios de los años 90, cuando las estaciones de trabajo de audio digital adquirieron características suficientes para su uso en la producción cinematográfica, principalmente, la capacidad de sincronizarse con la imagen y la capacidad de reproducir muchas pistas a la vez con fidelidad de calidad de CD. La calidad del audio de 16 bits a una frecuencia de muestreo de 48 kHz permitió mezclar cientos de pistas con un ruido insignificante.
La manifestación física de la obra se informatizó: las grabaciones de sonido, y las decisiones que tomaban los editores al ensamblarlas, ahora estaban digitalizadas y podían versionarse, hacerse, deshacerse y archivarse de forma instantánea y compacta. En la era de la grabación magnética, los editores de sonido poseían camiones para enviar sus pistas a una etapa de mezcla, y las transferencias a película magnética se medían en cientos de miles de pies. Una vez que los materiales llegaban al escenario, una docena de grabadores y técnicos de mezcla necesitaban media hora para cargar las tres o cuatro docenas de pistas que podría requerir una pregrabación. En la era digital, 250 horas de sonido estéreo, editado y listo para mezclar, pueden transportarse en un solo disco duro de 160 GB . Además, estas 250 horas de material pueden copiarse en cuatro horas o menos, a diferencia del antiguo sistema, que, previsiblemente, tardaría 250 horas.
Debido a estas innovaciones, los editores de sonido, a partir de 2005, enfrentan los mismos problemas que otros profesionales informatizados y "basados en el conocimiento", incluida la pérdida de trabajo debido a la subcontratación a mercados laborales más baratos y la pérdida de regalías debido a la aplicación ineficaz de los derechos de propiedad intelectual.
En el campo de la animación, tradicionalmente a los editores de sonido se les ha dado el título más prestigioso de "editor de películas" en los créditos de pantalla. Como las películas animadas se planifican con mayor frecuencia en el marco, las funciones tradicionales de un editor de películas a menudo son innecesarias. Treg Brown es conocido por los fanáticos de los dibujos animados como el genio de los efectos de sonido de Warner Bros. Animation . Otros grandes del campo han incluido a Jimmy MacDonald de Walt Disney Studios , Greg Watson y Don Douglas en Hanna-Barbera , y Joe Siracusa de UPA y varios estudios de dibujos animados para televisión.
En la producción de programas de radio y música, las personas que manipulan grabaciones de sonido se conocen simplemente como "editores", en los casos en que los propios productores no realizan la tarea.