Nari Ward (nacido en 1963 en St. Andrew, Jamaica ) es un artista estadounidense radicado en la ciudad de Nueva York. Es un distinguido profesor y director de arte de estudio en Hunter College . [1] [2] Su obra a menudo se compone de objetos encontrados en su barrio y "aborda cuestiones relacionadas con la cultura del consumo , la pobreza y la raza ". [3] Entre sus premios se incluyen el Premio Vilcek de Bellas Artes en 2017, [4] y el Premio Roma en 2012. [2]
Ward nació en 1963 en St. Andrew, Jamaica y se mudó a los Estados Unidos a los 12 años. [5] [6] Para entonces, su talento para el dibujo era evidente, pero según Ward, sus padres "no conocían a ningún artista ni crecieron rodeados de artistas, por lo que el artista siempre era el tipo loco del exterior y siempre estaba en quiebra", por lo que primero estudió publicidad antes de cambiar su enfoque a su propio arte. [7] Completó una licenciatura en Hunter College , CUNY en 1991 y una maestría en Bellas Artes en Brooklyn College , CUNY en 1992. En 2011, se convirtió en ciudadano de los Estados Unidos . [8]
Ward ha expuesto en una amplia variedad de exposiciones individuales y colectivas. Ward fue incluido en las Bienales Whitney de 1995 y 2006 en Nueva York y en la Documenta XI en Kassel (2003), y sus obras se han exhibido en el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston , [9] [10] el Nuevo Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York, el Walker Art Center de Minneapolis y el Museo de Arte Contemporáneo de Detroit. Sus exposiciones individuales incluyen Episodes en el Museo Isabella Stewart Gardner de Boston, The Refinery X: A Small Twist of Fate en el Palazzo delle Papesse-Centro Arte Contemporanea de Siena, Italia, Sun Splashed en el Museo de Arte Pérez de Miami , [11] y Rites of Way en el Walker Art Center de Minneapolis.
En 2011, realizó una exposición individual en el Museo de Arte Contemporáneo de Massachusetts titulada Nari Ward: Sub Mirage Lignum . Su instalación llenó todo el segundo piso del museo e investigó espacios transformadores que abarcan la división entre ocio y trabajo. [12] El año anterior, expuso en una exposición individual en la Galería Lehmann Maupin [13] y fue parte de Contemplating the Void: Interventions in the Guggenheim Rotunda curada por Nancy Spector y celebrada en el Museo Guggenheim . [14] Otras exposiciones incluyen Prospect.1 , Nueva Orleans (2009); Whitney Biennial en el Whitney Museum of American Art , Nueva York (2006); Documenta XI , Kassel, Alemania (2002); una exposición individual titulada Nari Ward's Rites-of-Way en el Minneapolis Sculpture Garden , Walker Art Center , Minneapolis, MN; una exposición individual titulada Episodes en el Museo Isabella Stewart Gardner de Boston (2002); y una exposición individual titulada The Refinery X: A small twist of fate en el Palazzo delle Papesse-Centro Arte Contemporanea en Siena, Italia (2006). [15]
Su obra Homeland Sweet Homeland (2012) está incluida en la colección permanente del Pérez Art Museum de Miami , donde Ward tuvo una importante retrospectiva de mitad de carrera en 2015. [16] La exposición Nari Ward: Sun Splashed habló sobre la ciudadanía, la migración, la identidad racial y nacional a través de objetos e instalaciones. La muestra viajó más tarde al Instituto de Arte Contemporáneo de Boston . [17] [18]
En 2022, su escultura Peacekeeper fue adquirida por el Museo de Arte de Baltimore . [19]
Nari Ward está representado por Lehman Maupin , Nueva York. [20]
Amazing Grace se exhibió por primera vez en una antigua estación de bomberos en Harlem [21] y luego en 2013 en el New Museum en una exposición titulada "NYC 1993: Experimental Jet Set, Trash, and No Star". [22] [5] Según una reseña en Time Out , la exhibición "se asemeja a una especie de paisaje postapocalíptico de cochecitos de bebé desechados y mangueras contra incendios, todos seleccionados del vecindario circundante por el artista"; según The New York Times , "el Sr. Ward encontró todos los cochecitos abandonados para esta obra en las calles de Harlem a principios de la década de 1990, en el apogeo de la crisis del SIDA y una epidemia de drogas que afectó desproporcionadamente a los residentes allí". [5] La exposición está diseñada como una "instalación del tamaño de una habitación con cochecitos de bebé dispuestos de manera que se camina alrededor de ellos sobre una alfombra de mangueras contra incendios, en un espacio iluminado como una iglesia o un mausoleo", según The New York Times , [5] mientras que Time Out describe la exhibición como "evocando el costo social" de la "indiferencia" ante la negligencia de los propietarios que causó incendios en los barrios minoritarios y "característica del examen continuo de Ward sobre la raza y su relación con el entorno urbano". [22]
La exposición incluye una interpretación de "Amazing Grace" cantada por la cantante de gospel Mahalia Jackson que se reproduce en repetición. [21] Kirsten Swenson escribe en ARTnews que los paseantes en la obra "estaban dispuestos en forma de casco de barco, en referencia al origen del himno, que fue escrito por John Newton, un comerciante de esclavos británico del siglo XVIII, después de su conversión al cristianismo durante una tormenta en el mar". [23] Como se le dijo a la Fundación Vilcek , "Como un himno sobre un comerciante de esclavos que pide perdón y promete cambiar mientras se ve atrapado en una tormenta en el mar, la grabación resonó con Nari y permitió una interpretación más esperanzadora de la instalación". [24]
Jeffrey Deitch colaboró con la venta de la exposición al coleccionista griego Dakis Joannou , y posteriormente se mostró en 2004 en Atenas y luego en Viena en 2007. [23]
En 1996, Ward participó en la exposición dirigida por artistas 3 Legged Race , organizada en un parque de bomberos abandonado en Harlem con dos amigos, los artistas Janine Antoni y Marcel Odenbach . [23] [25] Su instalación Hunger Cradle "llenó un piso con complejas redes de cuerdas, tubos, alambres e hilos, sosteniendo en suspensión objetos encontrados en el lugar, incluida una cuna, libros, teclas de piano y varias herramientas", según Kirsten Swenson de ARTnews . [23] [25] Cuando la obra se exhibió en la exposición retrospectiva We the People en 2019, Gothamist la describió como "una telaraña increíblemente ocupada llena de reliquias atrapadas tomadas de un parque de bomberos abandonado de Harlem". [26]
Para crear Mango Tourist , Ward "recogió miles de componentes eléctricos sobrantes y los combinó con materiales y temas evocadores de otros proyectos de desarrollo económico", según George Fishman del Miami Herald . [7] Mango Tourist es descrito por la Carnegie Corporation de Nueva York como una obra "en la que gigantescos muñecos de nieve hechos de espuma amarilla, piezas eléctricas desechadas y semillas de mango evocan las imágenes de Estados Unidos como el lugar mágico que Ward imaginó cuando era un niño que crecía en Jamaica", [1] y por el Philadelphia Inquirer como "su grupo de ocho figuras de 10 pies de altura cubiertas de espuma quemada, cubiertas de condensadores y llenas de semillas de mango [...], una reflexión irónica sobre las vidas compartidas de las colinas de Berkshire y la Jamaica quemada por el sol". [27] En una entrevista de 2011 con ARTnews , Ward analiza el uso de muñecos de nieve en su trabajo y afirma: "Además: la etiqueta que siempre me dan es 'el artista de Jamaica'. "He vivido en Nueva York la mayor parte de mi vida, pero cuando voy a Europa siempre me llaman 'el artista jamaiquino que vive en Nueva York'. Yo les digo: 'Espera un segundo. ¡Soy neoyorquino!' Me gusta la idea de jugar con las expectativas: '¡Muñecos de nieve! Es del Caribe, ¿no?'" [28]
En 2015, Ward exhibió la instalación Breathing Directions en la galería Lehmann Maupin . [29] [30] Una reseña de The New York Times señala: "La historia afroamericana está incrustada en todas partes. Los patrones de colores en la instalación del piso se derivan de colchas afroamericanas del siglo XIX. Las perforaciones cortadas en las esculturas de la pared hacen referencia a los agujeros para respirar encontrados en las tablas del piso de las iglesias que albergaron a esclavos fugitivos". [30] Una reseña de Hyperallergic describe la inclusión de "símbolos, que Ward encontró en una iglesia en Savannah, Georgia, que se crearon perforando agujeros en las tablas del piso, lo que permitió a los esclavos fugitivos que alguna vez estuvieron ocultos debajo de ellos respirar, aunque no respirar con facilidad", cuando la serie se exhibió en el Museo Kemper de Arte Contemporáneo en 2018. [31]
En una entrevista de 2019 con Artspace , Ward describe una visita a la Primera Iglesia Bautista Africana en Savannah, Georgia , que era parte del Ferrocarril Subterráneo , y cómo los pisos incluían agujeros en el patrón del símbolo de oración del cosmograma Kongo , que se usaban para permitir que el aire entrara en los espacios ocultos debajo de donde se escondían los esclavos fugitivos; en la entrevista, Nair dijo: "Me intrigó mucho el hecho de que estos agujeros representaran una historia que se conservaba pero que estaba oculta a simple vista. Quería usar el patrón y descubrir cómo podría relacionarse con el momento presente". [32] Según Kirsten Swenson de ARTnews , "el inquietante grito de 2014 de Eric Garner , víctima de violencia policial , "No puedo respirar", también es evocado por los paneles". [23]
Esta exposición retrospectiva itinerante incluyó The Happy Smilers: Duty Free Shopping (1996), [7] después de haber estado almacenada desde su instalación original, y fue descrita como "una especie de cápsula del tiempo, sus materiales cotidianos preservan narrativas oscuras de la política racial de la era anterior a las redes sociales" por Kirsten Swenson de ARTnews , [23] así como Mango Tourist , We The People y Afro Chase . [33] La exposición también incluyó Radha LiquorsouL , una obra en la que Ward usó "un viejo letrero de neón de una licorería al revés, ilumina solo las letras que deletrean "alma" y lo adorna con flores falsas, puntas de zapatos y cordones", que "se lee como un monumento al costado de la carretera, y sopesa el alcohol como asesino contra el alcohol como espíritu y ofrenda sacramental", según Cate McQuaid del Boston Globe . [8]
En 2017, Ward creó una exposición en el Parque de Esculturas Sócrates en Long Island City, Queens, que presenta cabras de hormigón. [34] [10] [23] Las esculturas incluyen barras de refuerzo "que sobresalen de las espaldas" de las cabras, lo que según Michael B. Farrell del CS Monitor , "en cierto sentido, es morboso", pero según Ward, recuerda a las barras de refuerzo expuestas en los edificios de Jamaica y otros países que permiten un mayor desarrollo de la construcción, y "cuando veo las barras de refuerzo que sobresalen del techo, siempre pienso en ellas como posibilidades optimistas para la próxima generación". [35]
En 2019, se inauguró una instalación itinerante en The New Museum , que presenta "Amazing Grace" (1993), [19] "Hunger Cradle" (1996) y "We the People" (2011), así como obras más pequeñas como "Trophy" (1993), "Savior" (1996), "Den" (1999), "Glory" (2004) y "Spellbound" (2015). [5] Una reseña de 2020 de The Denver Post sobre la instalación retrospectiva mientras estaba en el Museo de Arte Contemporáneo de Denver afirma que "el trabajo de Ward ha examinado constantemente la experiencia negra en Estados Unidos, específicamente a través de la lente de la fisicalidad, de vidas reales vividas, y de esa manera se conecta ineludiblemente con el momento BLM , que en sí mismo tiene sus raíces en la fisicalidad, a saber, la muerte del residente de Minneapolis George Floyd , quien murió mientras estaba bajo custodia de agentes de policía el 25 de mayo". [36]
Ward ha recibido numerosos premios, entre ellos el premio Willard L. Metcalf de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras (1998), [37] la beca de la Fundación Pollock Krasner [12] (1996), el Fondo Nacional para las Artes (1994), [38] y la beca John Simon Guggenheim (1992). [39] También ha participado en el programa de Artista en Residencia del Studio Museum de Harlem [12] Ward ha recibido encargos de las Naciones Unidas y la Organización Mundial de la Salud, y premios de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras, el Fondo Nacional para las Artes, la Fundación de Nueva York para las Artes, la Fundación John Simon Guggenheim y la Fundación Pollock Krasner. La Corporación Carnegie de Nueva York honró a Ward con el Premio Gran Inmigrante 2019. [40]