Colorear a mano (o colorear a mano ) se refiere a cualquier método de agregar color manualmente a una fotografía monocromática , generalmente para realzar el realismo de la imagen o con fines artísticos. [1] La coloración a mano también se conoce como pintura a mano o sobrepintura.
Normalmente, acuarelas , óleos , crayones o pasteles y otras pinturas o tintes se aplican a la superficie de la imagen utilizando pinceles , dedos, hisopos de algodón o aerógrafos . Las fotografías coloreadas a mano fueron más populares entre mediados y finales del siglo XIX, antes de la invención de la fotografía en color y algunas empresas se especializaban en producir fotografías coloreadas a mano.
La fotografía monocromática (blanco y negro) fue ejemplificada por primera vez por el daguerrotipo en 1839 y luego mejorada por otros métodos que incluyen: calotipo , ambrotipo , hojalata , impresión a la albúmina y impresión en gelatina de plata . La mayor parte de la fotografía permaneció monocromática hasta mediados del siglo XX, aunque ya en 1855 se produjeron experimentos que producían fotografía en color y algunos procesos fotográficos produjeron imágenes con un color general inherente como el azul de las cianotipos .
En un intento por crear imágenes más realistas, fotógrafos y artistas coloreaban a mano fotografías monocromáticas. Los primeros daguerrotipos coloreados a mano se atribuyen al pintor y grabador suizo Johann Baptist Isenring , quien utilizó una mezcla de goma arábiga y pigmentos para colorear los daguerrotipos poco después de su invención en 1839. [2] Se fijaba polvo coloreado sobre la delicada superficie del daguerrotipo. por la aplicación de calor. Variaciones de esta técnica fueron patentadas en Inglaterra por Richard Beard en 1842 y en Francia por Étienne Lecchi en 1842 y Léotard de Leuze en 1845. Posteriormente, la coloración a mano se utilizó con sucesivas innovaciones fotográficas, desde impresiones en albúmina y gelatina de plata hasta diapositivas de linterna [ 3] y fotografía de transparencias .
Los esfuerzos paralelos para producir imágenes fotográficas en color afectaron la popularidad de colorear a mano. En 1842, Daniel Davis Jr. patentó un método para colorear daguerrotipos mediante galvanoplastia , [4] y su trabajo fue perfeccionado por Warren Thompson al año siguiente. Los resultados del trabajo de Davis y Thompson solo lograron un éxito parcial en la creación de fotografías en color y pronto se abandonó el método de galvanoplastia. En 1850 Levi L. Hill anunció su invención de un proceso de daguerrotipo en colores naturales en su Tratado sobre daguerrotipo . [5] Las ventas de daguerrotipos convencionales sin colorear y coloreados a mano cayeron en anticipación a esta nueva tecnología. Sin embargo, Hill retrasó la publicación de los detalles de su proceso durante varios años y sus afirmaciones pronto llegaron a ser consideradas fraudulentas. Cuando finalmente publicó su tratado en 1856, el proceso –ya fuera auténtico o no– era ciertamente poco práctico y peligroso. [ cita necesaria ]
Con la llegada de las emulsiones fotográficas sobre vidrio surgió la posibilidad de realizar ampliaciones a partir de ellas, pero a falta de una fuente de luz suficientemente potente para proyectarlas sobre la emulsión receptora como impresiones sobre papel, lienzo u otros soportes. La cámara solar , que emplea la luz enfocada del sol, abordó el problema en una reutilización del microscopio solar [6] realizada por el retratista estadounidense David Acheson Woodward en 1857, [7] y otros, antes de ser reemplazada por ampliadoras que empleaban fuentes de luz artificial. desde la década de 1880. Los retratos de tamaño natural realizados con este método se coloreaban a mano con crayones o se sobrepintaban al óleo y fueron populares hasta la década de 1910.
La coloración manual siguió siendo el método más fácil y eficaz para producir imágenes fotográficas a todo color hasta mediados del siglo XX, cuando la estadounidense Kodak introdujo la película en color Kodachrome .
Aunque la coloración manual de fotografías se introdujo en Europa , la técnica ganó considerable popularidad en Japón , donde la práctica se convirtió en una forma de arte respetada y refinada a partir de la década de 1860. Es posible que el fotógrafo Charles Parker y su socio artista William Parke Andrew fueran los primeros en producir este tipo de obras en Japón, pero los primeros en emplear consistentemente el coloreado a mano en el país fueron el fotógrafo Felice Beato y su socio, el artista de The Illustrated London News. y el colorista Charles Wirgman . [8] En el estudio de Beato, las refinadas habilidades de los acuarelistas y grabadores de madera japoneses se aplicaron con éxito a la fotografía europea, como se evidencia en el volumen de retratos coloreados a mano de Beato, Native Types .
Otro fotógrafo destacado en Japón que utilizó la coloración a mano fue Yokoyama Matsusaburō . Yokoyama se había formado como pintor y litógrafo además de fotógrafo, y aprovechó su amplio repertorio de habilidades y técnicas para crear lo que llamó shashin abura-e (写真油絵) o "pinturas al óleo fotográficas", en las que el papel Se cortó el soporte de una fotografía y luego se aplicaron pinturas al óleo a la emulsión restante. [9]
Entre los practicantes posteriores de la coloración a mano en Japón se encontraba la firma Stillfried & Andersen , que adquirió el estudio de Beato en 1877 y coloreó a mano muchos de sus negativos además del suyo propio. [10] El barón austriaco Raimund von Stillfried und Ratenitz, fotógrafo y colorista japonés de formación Kusakabe Kimbei , y juntos crearon imágenes coloreadas a mano de la vida cotidiana japonesa que fueron muy populares como souvenirs. [8] Kusakabe Kimbei , Tamamura Kozaburō , Adolfo Farsari , Uchida Kuichi , Ogawa Kazumasa y otros también produjeron fotografías coloreadas a mano . En Japón se siguieron realizando muchas fotografías coloreadas a mano de alta calidad hasta bien entrado el siglo XX.
La llamada edad de oro de la fotografía coloreada a mano en el hemisferio occidental se produjo entre 1900 y 1940. [11] La creciente demanda de fotografías de paisajes coloreadas a mano a principios del siglo XX se atribuye al trabajo de Wallace Nutting . Nutting, un ministro de Nueva Inglaterra, se dedicó a la fotografía de paisajes coloreada a mano como pasatiempo hasta 1904, cuando abrió un estudio profesional. Pasó los siguientes 35 años creando fotografías coloreadas a mano y se convirtió en el fotógrafo coloreado a mano más vendido de todos los tiempos. [12]
Entre 1915 y 1925, las fotografías coloreadas a mano fueron populares entre las clases medias de los Estados Unidos, Canadá, Bermudas y las Bahamas como obsequios de boda, obsequios de despedida de soltera, obsequios navideños, obsequios de amistad y recuerdos de vacaciones asequibles y elegantes. Con el inicio de la Gran Depresión en 1929 y la posterior disminución del número de miembros de la clase media, las ventas de fotografías coloreadas a mano disminuyeron drásticamente. [12]
A pesar de su caída en popularidad, los fotógrafos expertos continuaron creando fotografías bellamente coloreadas a mano. Las fotografías coloreadas a mano de Hans Bellmer de sus propias esculturas de muñecos de la década de 1930 proporcionan un ejemplo de la continuación del coloreado a mano de fotografías en Europa durante esta época. [13] En Polonia, el Monidło es un ejemplo de fotografía de boda popular coloreada a mano.
Otro fotógrafo colorista a mano, Luis Márquez (1899-1978), fue el fotógrafo oficial y asesor artístico del Pabellón de México en la Exposición Universal de 1939-40. En 1937 presentó al gobernador de Texas, James V. Allred, una colección de fotografías coloreadas a mano. La Universidad Nacional Autónoma de México en la Ciudad de México cuenta con un extenso archivo fotográfico de Luis Márquez, al igual que la Universidad de Houston en Texas. [14]
En la década de 1950, la disponibilidad de películas en color detuvo la producción de fotografías coloreadas a mano. Sin embargo, el aumento de la popularidad de las antigüedades y objetos de colección en la década de 1960 aumentó el interés por las fotografías coloreadas a mano. Desde aproximadamente 1970 ha habido una especie de renacimiento del coloreado a mano, como se ve en el trabajo de artistas y fotógrafos como Robin Renee Hix, Elizabeth Lennard, Jan Saudek , Kathy Vargas y Rita Dibert. El uso que Robert Rauschenberg y otros hicieron de medios combinados de fotografía y pintura en su arte representa un precursor de este renacimiento.
A pesar de la disponibilidad de procesos de color de alta calidad , las fotografías coloreadas a mano (a menudo combinadas con tonos sepia ) siguen siendo populares por razones estéticas y porque los pigmentos utilizados tienen una gran permanencia. En muchos países donde las películas en color eran raras o costosas, o donde el procesamiento del color no estaba disponible, la coloración manual continuó utilizándose y, en ocasiones, prefiriéndose hasta la década de 1980. Más recientemente, se ha utilizado el procesamiento de imágenes digitales (particularmente en publicidad) para recrear la apariencia y los efectos del coloreado a mano. La coloración ahora está disponible para el fotógrafo aficionado utilizando software de manipulación de imágenes como Adobe Photoshop o Gimp .
Los tintes básicos se utilizan para colorear fotografías a mano. Los tintes son sustancias colorantes solubles, ya sean naturales o sintéticas, en una solución acuosa, a diferencia de los pigmentos que generalmente son sustancias colorantes insolubles en una suspensión acuosa. Los tintes de anilina , los primeros tintes producidos sintéticamente utilizados originalmente para teñir textiles, se utilizaron por primera vez para teñir impresiones a la albúmina y fotografías con transparencia de vidrio en Alemania en la década de 1860. [15] Cuando se tiñe a mano con tintes , se prefiere una solución débil de tinte en agua, y los colores a menudo se acumulan con lavados repetidos en lugar de aplicarse todos a la vez. El método consiste en teñir o teñir la impresión en lugar de pintarla , ya que demasiada pintura oscurecerá los detalles fotográficos. El papel secante se utiliza para controlar la cantidad de tinte en la superficie absorbiendo el exceso.
La pintura de acuarela tiene la virtud de ser más permanente que los tintes, pero es menos transparente y, por lo tanto, es más probable que oscurezca los detalles. Colorear a mano con acuarelas requiere el uso de un medio para evitar que los colores se sequen y dejen un acabado opaco y sin vida. Antes de poder aplicar la pintura, se debe imprimar la superficie de la impresión para que los colores no se repelan. Esto a menudo incluye preparar la impresión con una fina capa de goma laca y luego agregar arena antes de colorear. [16] La pintura de acuarela utilizada para colorear a mano en fotografías consta de cuatro ingredientes: pigmentos (naturales o sintéticos), un aglutinante (tradicionalmente goma arábiga ), aditivos para mejorar la plasticidad (como la glicerina ) y un disolvente para diluir la pintura (es decir, agua ) que se evapora cuando la pintura se seca. La pintura normalmente se aplica a las impresiones con un pincel suave. Las acuarelas a menudo "dejan un borde de color más oscuro en los límites del área pintada". [17] Dado que los diferentes pigmentos tienen distintos grados de transparencia, la elección de los colores debe considerarse cuidadosamente. Se prefieren pigmentos más transparentes, ya que aseguran una mayor visibilidad de la imagen fotográfica.
La pintura al óleo contiene partículas de pigmento que se aplican con un aceite secante , como el aceite de linaza . Las convenciones y técnicas del uso del óleo exigen conocimientos de dibujo y pintura , por lo que se suele utilizar en la práctica profesional. Cuando se colorea a mano con óleo, lo más habitual es utilizar la imagen fotográfica simplemente como base para una imagen pintada. La capacidad de crear retratos al óleo precisos utilizando una base fotográfica se prestaba al crimen artístico, y algunos artistas afirmaban pintar retratos al óleo tradicionales (por un precio más alto) cuando en realidad trazaban una base fotográfica al óleo. Por lo tanto, la elección de los colores al óleo se rige por la relativa transparencia de los pigmentos para permitir la autenticación de la base fotográfica. [ cita necesaria ] Primero es necesario dimensionar la impresión para evitar la absorción de los colores en el papel. En el pasado, las diapositivas fotográficas tipo linterna solían ser coloreadas por el fabricante, aunque a veces por el usuario, con resultados variables. [18] Por lo general, se usaban colores al óleo para tales diapositivas, aunque en la era del colodión , desde 1848 hasta finales del siglo XIX, a veces también se usaban acuarelas.
El uso de crayones o barras de pastel con pigmentos molidos en varios niveles de saturación también se considera dominio de un colorista altamente calificado, ya que requiere conocimiento de técnicas de dibujo. Al igual que los óleos, los crayones y los pasteles generalmente oscurecen la fotografía original, lo que produce retratos más parecidos a las pinturas tradicionales. El fotocrayotipo , los cromotipos y los fototipos de crayones se utilizaron para colorear fotografías mediante la aplicación de crayones y pigmentos sobre una impresión fotográfica. [19] El carbón y los lápices de colores también se utilizan para colorear fotografías a mano y los coloristas solían utilizar indistintamente los términos crayón, pastel, carbón y lápiz.
Las fotografías coloreadas a mano a veces incluyen el uso combinado de tintes, acuarelas, aceites y otros pigmentos para crear distintos efectos en la imagen impresa. Independientemente del medio que se utilice, las principales herramientas para aplicar el color son el pincel y la punta de los dedos. A menudo, el dedo que se toca se cubre para garantizar que no queden huellas dactilares en la imagen.
En general, la conservación de fotografías coloreadas a mano es similar a la de la fotografía en color y monocromática . Las condiciones óptimas de almacenamiento incluyen un clima ambientalmente controlado con baja humedad relativa (aproximadamente 30-40% RH), temperaturas inferiores a 68 grados Fahrenheit (20 grados Celsius) y una baja concentración de partículas contaminantes , como ácido sulfúrico , ácido nítrico y ozono. . [21] El área de almacenamiento también debe estar limpia y libre de plagas y moho . Debido a que las fotografías coloreadas a mano, al igual que las fotografías en color, son más sensibles a la luz y la radiación ultravioleta, el almacenamiento debe realizarse en un lugar oscuro. El área de almacenamiento debe ser segura y monitoreada para detectar amenazas internas, como cambios de temperatura o humedad debido a un mal funcionamiento del sistema HVAC , así como amenazas externas, como robos o desastres naturales . Se debe crear y mantener un plan de desastre para todos los materiales.
Al manipular fotografías en estuche, como daguerrotipos , impresiones a la albúmina y ferrotipos , especialmente aquellas que han sido coloreadas a mano, se requiere precaución. Son frágiles e incluso el mínimo esfuerzo para limpiarlos puede dañar irreparablemente la imagen. Las fotografías coloreadas a mano deben almacenarse en posición horizontal, en una sola capa, preferiblemente boca abajo. Los estuches se pueden envolver con papel de seda alcalino o tamponado. Si la fotografía se ha separado de su estuche, se puede cortar un tapete y un tablero de respaldo de un tablero de museo amortiguado alcalino. El tapete se coloca entre la imagen y una placa de vidrio recién cortada, mientras que el tablero de respaldo sostiene la imagen desde atrás. Luego se sella este "sándwich" con cinta Filmoplast. No se deben utilizar limpiadores de vidrio comerciales en placas de vidrio nuevas. Se pueden colocar tintipos sueltos coloreados a mano entre los tableros de estera. Si están doblados, no se debe intentar enderezarlos ya que esto podría causar que la emulsión se agriete y/o se levante. [22]
Lo ideal es que todas las impresiones fotográficas se almacenen en posición horizontal, aunque las impresiones de menos de 11 x 14 pulgadas y en soportes estables se pueden almacenar de forma segura en posición vertical. [23] Las impresiones deben almacenarse lejos de fuentes de luz y agua en cajas libres de ácido y lignina fabricadas de conformidad con las normas 14523 de la Organización Internacional de Normalización (ISO) (reemplazadas en 2007 por ISO 18916) y 10214. [24] Materiales de almacenamiento debe pasar la Prueba de Actividad Fotográfica (PAT) del Instituto Nacional Estadounidense de Estándares (ANSI) , o estándares similares, para garantizar la calidad del archivo. [21] Si una fotografía presenta una emulsión descascarada o desconchada, no debe almacenarse en un recinto de plástico ya que la electricidad estática podría dañar aún más la imagen. [25] Se deben usar guantes de algodón limpios al manipular fotografías para evitar que los aceites y las sales de la piel dañen las superficies.
En algunos casos, puede ser necesario contactar a un conservador profesional. En Estados Unidos, el Instituto Americano para la Conservación de Obras Históricas y Artísticas (AIC) proporciona una herramienta que ayuda a identificar los servicios de conservación locales. En el Reino Unido e Irlanda, el Conservation Register proporciona una herramienta similar que busca por especialización, empresa y apellido. Para localizar otros servicios de conservación a nivel internacional, Conservation OnLine (CoOL) Resources for Conservation Professionals proporciona una herramienta que busca por país.
Los tintes y las acuarelas requieren medidas de conservación similares cuando se aplican a fotografías coloreadas a mano. Al igual que las fotografías mismas, las acuarelas y los tintes aplicados a mano a las fotografías son susceptibles a sufrir daños por luz y deben guardarse en un lugar oscuro o exhibirse bajo una luz tenue e indirecta. Las partículas contaminantes comunes pueden hacer que los pigmentos de la acuarela se desvanezcan, pero la superficie de la pintura se puede limpiar espolvoreando ligeramente con un cepillo suave para eliminar la suciedad. [26]
La pintura al óleo se aplicaba a menudo a ferrotipos , daguerrotipos y ambrotipos . [17] Como ocurre con todas las fotografías, los materiales responden negativamente a las fuentes de luz directa, que pueden hacer que los pigmentos se desvanezcan y se oscurezcan, y a los cambios frecuentes de humedad relativa y temperatura , que pueden provocar que la pintura al óleo se agriete. Para fotografías con daños importantes, es posible que se requiera la experiencia de un conservador de pinturas al óleo para su tratamiento. [27]
Las fotografías coloreadas a mano con crayón y pastel tienen una superficie polvorienta que debe protegerse para su conservación. Históricamente, las fotografías en colores pastel y crayones se vendían en un marco bajo una capa protectora de vidrio, lo que a menudo lograba reducir la cantidad de manipulación y manchas en la superficie de la fotografía. [29] Cualquier trabajo de conservación de fotografías en colores pastel o crayones debe conservar estos marcos y cristales originales para mantener la autenticidad y el valor del objeto. Si la fotografía se separa de su recinto original, se puede almacenar en una carpeta con calidad de archivo hasta que se enmarque o se coloque una funda.
En los Estados Unidos, muchas fotografías coloreadas a mano que se vendían comercialmente se empaquetaban y enmarcaban para la venta minorista . [31] Las fotografías coloreadas a mano de principios del siglo XX a menudo se montaban sobre cartón mate , se colocaban detrás de un marco de vidrio y estaban respaldadas por listones de paneles de madera, cartón o cartón pesado. A menudo se pegaba una hoja de respaldo a la parte posterior del tapete. Desafortunadamente, los productos de papel producidos y utilizados a finales del siglo XIX y principios del XX son muy ácidos y provocan que las fotografías coloreadas a mano se vuelvan amarillentas, quebradizas y degradadas. Las inclusiones metálicas en el papel también pueden oxidarse , lo que puede ser la causa de la corrosión en los materiales de papel. Los listones de los paneles de madera también desprenderán gases, lo que provocará una mayor degradación de las fotografías.
El aficionado aventurero puede realizar una conservación sencilla de estos frágiles materiales. Una fotografía coloreada a mano debe retirarse del marco, conservando los tornillos o clavos originales que sujetan el marco. Los paneles de madera, los listones de cartón ácido y el papel de respaldo ácido se pueden quitar del marco y del tablero y desechar, conservando cualquier información de identificación, como sellos o escritura en el papel de respaldo. El tablero sobre el que está montada la fotografía, aunque sea de naturaleza ácida, no se puede quitar ni sustituir debido al valor intrínseco de este soporte original. A menudo, la firma del artista y el título de la fotografía están inscritos en el tablero. La mejor manera de limitar la degradación es almacenar la fotografía en un ambiente fresco y seco con poca luz. La fotografía coloreada a mano debe volver a colocarse en su marco original, sujetarse con cartón de calidad de archivo sin ácido y cerrarse con los clavos o tornillos originales. [32]
La coloración a mano debe distinguirse de teñir , tonificar , retocar y cristoleum .
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