El estilo renacentista rococó surgió en Gran Bretaña y Francia en el siglo XIX. El renacimiento del estilo rococó se vio en toda Europa durante el siglo XIX dentro de una variedad de modos y expresiones artísticas que incluyen objetos de arte decorativos , pinturas , grabados artísticos, muebles y diseño de interiores . En gran parte de Europa y particularmente en Francia, el rococó original se consideraba un estilo nacional y, para muchos, su resurgimiento recordaba la tradición nacional. El renacimiento rococó personificó la grandeza y el lujo en el estilo europeo y fue otra expresión del romanticismo del siglo XIX y del creciente interés y fascinación por el paisaje natural.
Durante la segunda mitad del siglo XIX, el renacimiento rococó también estuvo de moda en el mobiliario y el diseño de interiores estadounidenses. John Henry Belter fue considerado la figura más destacada de la fabricación de muebles del renacimiento rococó. El resurgimiento del estilo rococó no se limitó a un período o lugar específico, sino que se produjo en varias oleadas a lo largo del siglo XIX.
El término rococó fue muy utilizado para designar el estilo artístico de principios del siglo XVIII en Europa y especialmente en Francia. El rococó surgió a principios del siglo XVIII como un modo francés de diseño de interiores y se consideraba el estilo artístico predominante en Europa en ese momento. Sin embargo, no existía el arte "rococó": la palabra "rococó" sólo surgió después de la Revolución Francesa y no se usó comúnmente hasta principios del siglo XIX.
Líneas sinuosas, decoración intrincada y motivos tanto fantasiosos como naturalistas caracterizaron el estilo rococó. Como afirma en una publicación de Nóra Veszprémi, el estilo se "caracterizaba por ornamentos intrincados y refinados" y "se asociaba con el lujo, la aristocracia, el refinamiento y la riqueza". Hacia finales de siglo con la llegada del neoclasicismo , el término rococó se utilizó para criticar cualquier arte neoclásico incluyendo el gótico, el barroco y cualquier estilo anterior al siglo. [1]
A mediados del siglo XIX, el término rococó se refería a un estilo que recordaba la estética ornamental y de diseño del estilo Luis XV y del estilo Luis XVI temprano . [2] El período comprendido entre 1715 y 1745, que abarca el reinado de Luis XV , se acepta generalmente como el punto culminante del estilo rococó en el arte francés.
Se pensaba que el rococó derivaba de una combinación de las palabras francesas rocaille , que caracteriza una forma de roca colorida e irregular utilizada para embellecer grutas y fuentes, y coquillage , motivos de conchas que acompañaban a la rocaille. [3] Otra posibilidad es que la expresión combinara rocaille con el adjetivo italiano barocco , que significa deforme, deforme o enrevesado.
Durante la era de la Regencia , el Príncipe Regente (que más tarde se convirtió en el Rey Jorge IV) patrocinó a los fabricantes de obras de plata rococó de alta calidad. [4] El Príncipe Regente favoreció elementos neoclásicos de interpretaciones más lujosas de finales de los períodos Luis XV y Luis XVI. Los gustos del Príncipe Regente ayudaron a alimentar el interés en el espíritu del renacimiento rococó en Inglaterra. [5]
Paul Storr fue reconocido como uno de los plateros ingleses más importantes y renombrados. Su calidad de mano de obra y versatilidad le permitieron crear obras que se adaptaban a una amplia gama de gustos y preferencias. En sus obras se pueden encontrar muchos temas y motivos rococó. Un ejemplo de su trabajo es una bandeja con los signos del zodíaco , un borde moldeado con volutas rococó, decoración rococó de la superficie y pies en forma de cartela rococó. Una de las obras más monumentales creadas en expresión rococó fue el gran candelabro de Storr, creado durante el reinado de Guillermo IV . La pieza presentaba ramas fluidas y superficies curvas y onduladas.
A finales de la década de 1820, la aristocracia encargó estilos anticlásicos, produciendo una expresión muy diferente del rococó en Inglaterra. [6] Los fabricantes de Birmingham y Sheffield se convirtieron en productores en masa de chapa de Sheffield , una combinación en capas de plata y cobre. La producción en masa también permitió plata con volutas, flores y follaje en relieve, que se producían a bajo costo mediante prensas de vapor sobre plata fina. Estos productos se hicieron para implicar lujo, que antes no estaba disponible en láminas delgadas de plata, mientras que la producción en masa permitía la distribución y exportación en masa. Históricamente reservada a la realeza y los aristócratas, la industrialización y los avances tecnológicos en maquinaria hicieron que la plata rococó fuera accesible a un público más amplio.
Las obras en metal de diseño parisino que eran verdaderamente rococó eran de ormolu , o cubierta de bronce en oro finamente molido. [7] Los diseñadores parisinos respondieron al deseo y a los gustos de Napoleón III y su esposa Eugenia . Buscaron legitimidad de su corte a través de referencias estilísticas al estilo del antiguo régimen de Luis XV.
La creciente burguesía francesa exigía objetos de arte decorativo rococó como reflejo de estatus, riqueza y posesión material. [8] El consumidor burgués compraba objetos y muebles de una variedad de estilos renacentistas, incluido el rococó, por su importancia a la hora de historizar la opulencia y la grandeza.
Los muebles rococó franceses modernos se caracterizaron por su ligereza, elegancia y gracia. [9] Su ornamentación consistía en follaje delicado y detalles intrincados. Otras características incluyeron: tallado adornado y elaborado, rico tallado de motivos florales y frutales, marcos curvos y tapicería con mechones.
_Mari%C3%A0_Fortuny_-_Autoretrat_-_Museu_Nacional_d'Art_de_Catalunya.jpg/1280px-(Barcelona)_Mari%C3%A0_Fortuny_-_Autoretrat_-_Museu_Nacional_d'Art_de_Catalunya.jpg)
Según una publicación de Caroline Ingra, [10] artistas italianos llegaron a París durante el Segundo Imperio en busca de oportunidades artísticas. Roma siguió siendo el centro de los artistas jóvenes que querían estudiar la tradición clásica, pero no de los artistas que querían estudiar arte contemporáneo. Adaptaron el resurgimiento de moda de la pintura de género rococó del siglo XVIII. La fama y reconocimiento de estos artistas italianos y de origen español se basan principalmente en la obra de Mariano Fortuny .
París representó lo último en desarrollo artístico moderno y atrajo a muchos artistas. Fortuny atrajo una audiencia en París desde su primera aparición en 1860. Su obra se parecía a las pinturas del siglo XVIII de Antoine Watteau y Jean-Honoré Fragonard . Los mecenas de finales del Segundo Imperio estaban más interesados en el resurgimiento de la pintura de género del siglo XVIII por parte de Fortuny . [11]
Las imágenes del renacimiento rococó de Fortuny resultaron especialmente atractivas para el público francés durante los últimos años del Segundo Imperio. [12] Durante este período, se observó un gran interés por el renacimiento en el París del siglo XVIII y la pintura de género practicada por artistas académicos. Para el creciente público burgués, las pinturas del renacimiento rococó presentaban una perspectiva optimista de la vida y eran apropiadas para la nueva "nobleza" parisina de finales del Segundo Imperio.
Ingra señala que “sin embargo, la moda de las imágenes rococó [durante el Segundo Imperio] representó más que un cambio en el patrocinio y, en consecuencia, en el gusto. El interés por el arte prerrevolucionario fue parte de los esfuerzos de los funcionarios del Segundo Imperio por establecerse legitimidad al conectarse con un período en el que la realeza aún no había sido cuestionada”. [13] Continúa afirmando: “Revivir este régimen inicial fue una forma de halagarse y enfatizar sus propios reclamos imperialistas, con la esperanza de lograr el asombro y el respeto de la población que supuestamente disfrutaba el régimen anterior”. [14]
El Segundo Imperio estaba interesado en revivir el arte rococó como medio para regenerar los ideales y valores del antiguo régimen. Era un medio para enfatizar el orgullo, el poder y el respeto con la esperanza de lograr la admiración y la devoción de que disfrutaba el régimen anterior. Sin embargo, algunas figuras contemporáneas quedaron consternadas y consideraron que la explotación del renacimiento rococó por parte de los artistas italianos era una obra inferior. Los críticos vieron esta nueva forma de pintar como insípida y sin estilo.
El Estado francés buscó promover el patrimonio tras su derrota en la guerra franco-prusiana . La Francia de finales del siglo XIX invirtió mucho en el estilo rococó como medio para regenerar el orgullo y el patrimonio nacional.
En Austria y Hungría , el resurgimiento del estilo rococó llegó a ser conocido como el "segundo rococó" y se vio en las artes visuales y en el mobiliario de interiores, pero se vio más prominentemente en la pintura. Como lo demuestra una publicación de Nora Veszprémi, [15] el rococó resurgió en la exposición industrial de 1845, donde se amuebló todo un salón en estilo rococó. La opulenta sala se conocía como " Kaiser Salon" y muchos críticos consideraron la exhibición como "una tendencia de moda emocionante, nueva y moderna". El diseño interior y el mobiliario de la época eran en general modestos en ornamentación, recordando formas neoclásicas de finales del siglo XVIII y principios del XIX.
El segundo rococó fue "un producto de la Austria moderna e industrializada y su nueva clase media de fabricantes prósperos". [16] Apareció en las primeras décadas de la Austria del siglo XIX durante un período de auge económico e industrial y fue en gran medida un producto de la industrialización. Había surgido en dos exposiciones industriales que promovían la industria austriaca, donde los críticos y la población en general se mostraron en gran medida receptivos.
Con la mercantilización del arte en el mundo moderno, el estilo resurgió en la pintura. [17] Los aspectos rococó en la pintura, tanto sus valores como su ornamentación estilística, fueron considerados objetos del pasado. En oposición a un "significado superior intrínseco del arte", su asociación con la modernidad representa un modo anterior contrastante de expresión artística como medio de historizar las artes visuales.
John Henry Belter (1804-1863) fue un famoso ebanista estadounidense de la época del Renacimiento rococó. Su nombre se usaba comúnmente como término genérico para todos los muebles del Renacimiento rococó. El palo de rosa de Brasil y la India Oriental fue el favorito de los clientes de muebles formales de mediados del siglo XIX. El palo de rosa es muy denso y quebradizo, por lo que los muebles de palo de rosa son muy frágiles y se rompen bajo presión. Las maderas laminadas fueron una solución a este problema en la fabricación de muebles con diseños complicados. [18]
Como resultado, Belter patentó un proceso para fabricar muebles laminados. La madera laminada consistía en varias láminas de chapa unidas con pegamento caliente. Luego, las hojas encuadernadas se doblaban bajo presión de vapor, se prensaban en moldes y luego se tallaban. El proceso produjo muebles más resistentes que eran menos costosos que el tallado tradicional y permitieron la producción en masa.
Los muebles fabricados con este proceso eran más finos y ligeros que los de madera maciza y tenían la misma resistencia a la rotura. Belter produjo diseños intrincados sin el uso de tallas perforadas (que se usaban tradicionalmente en ese momento). [19]
El acercamiento de Belter al rococó incluye motivos decorativos del siglo XVII. [20] Las tallas de los muebles rococó del siglo XVIII eran más simples que las piezas revival. Las tallas de las piezas del Renacimiento del siglo XIX se distinguían por los detalles definidos y la claridad de las tallas.
