Carl Sprinchorn (1887-1971) fue un artista estadounidense nacido en Suecia que estudió con Robert Henri y que adoptó un estilo de modernismo realista que los críticos admiradores vieron como abstracto y revolucionario. Sus pinturas al óleo y obras sobre papel mostraban una amplia gama de temas. Hizo paisajes urbanos y escenas callejeras, paisajes marinos y escenas de playa, paisajes bucólicos y escenas de granjas. Dibujó bailarines famosos, figuras de la sociedad y hombres urbanos y rurales en el trabajo. Como dijo un crítico, "Tiene la rara cualidad de hacer que cualquier tema que ensaya sea interesante e inusual, ya sean ramos de flores, ciclistas en carreras de bicicletas de seis días, bailarines españoles o paisajes estadounidenses". [1] Logró elogios por las imágenes que hizo mientras vivía en Nueva York y durante extensos viajes. En 1918, un crítico dijo que sus dibujos mostraban el tipo de "contorno audaz con pluma" y el don para la "declaración incisiva" que se podía ver en el trabajo del caricaturista británico Thomas Rowlandson . [2] Otro crítico notó una "nostalgia sensual y aristocrática" en las escenas urbanas de Sprinchorn, describiéndolas como "impresiones delicadas y sugerentes". [3] : 7 A lo largo de gran parte de su carrera, las pinturas florales de Sprinchorn en óleo, pastel y acuarela también atrajeron la atención de la crítica. Al reseñar las acuarelas exhibidas en 1928, un crítico elogió una "sutil relación de colores" en una obra floral y dijo que "si los colores pudieran cantar", estos "cantarían melodiosamente". [4] Sprinchorn realizó extensas visitas a campamentos y aldeas en los bosques del norte de Maine y las pinturas y dibujos que hizo allí llegaron a ser sus obras más célebres. En relación con una serie de exposiciones póstumas celebradas en 2002, un crítico escribió: "En manos de Sprinchorn, los bosques de Maine cobran vida a través de las acciones de los hombres que se sienten más cómodos entre los árboles: cazadores, tramperos, leñadores y conductores de ríos, en su mayoría. Estas imágenes grandes y ásperas están llenas de colores terrosos que recuerdan el frío azul del invierno, el resplandor naranja brillante del otoño y las escenas sombrías que acompañan a las fogatas nocturnas..." [5]
En 2002, una biógrafa escribió sobre el contraste entre el enfoque urbano sofisticado de gran parte de la obra de Sprinchorn y el enfoque rural sencillo de su producción en los bosques de Maine. Lo llamó un "compuesto de opuestos" y dijo que se sentía tan a gusto en el mundo artístico de Nueva York, con sus sofisticados artistas y sus ricos mecenas, como en las pensiones rurales y los campamentos madereros. [6] : 122
En una carta de 1974 a un amigo, Sprinchorn dijo que había decidido emigrar de Suecia después de leer sobre un maestro inspirador llamado Robert Henri. [6] : 123 [nota 1] Aunque tenía solo quince años cuando partió hacia Nueva York y aunque solo hablaba sueco, sabía que una de sus hermanas mayores, que entonces trabajaba como empleada doméstica para una familia en Manhattan, lo ayudaría a hacer la difícil transición después de su llegada. [6] : 123 Aterrizó en Nueva York el 30 de octubre de 1903 y se inscribió en la Escuela de Arte de Nueva York ocho días después. [7] [8] Sprinchorn dijo más tarde que su estudio con Robert Henri fue el factor más importante en el desarrollo de su carrera. [6] : 122 Aunque Henri no sabía sueco, Sprinchorn avanzó rápidamente en sus estudios por medio de gestos y contacto visual para comprender las críticas de Henri a su trabajo. [6] : 123 Por su parte, Henri consideraba a Sprinchorn como uno de sus mejores alumnos. En 1909 dijo que Sprinchorn no sabía prácticamente nada de arte cuando empezó, pero que pronto aprendió a pintar con "virilidad y carácter". [9]
La carrera de Sprinchorn comenzó cuando todavía era estudiante. Después de poco más de dos años de estudio, recibió dos menciones honoríficas por un dibujo y pinturas que se mostraron en una exposición de trabajos escolares en la Escuela de Arte de Nueva York. [10] A principios de 1907, un cuadro suyo llamado "Una escena de invierno en el East Side de Nueva York" fue aceptado por los jurados para la exposición anual de la Academia Nacional de Diseño, pero, tras una protesta de Henri con respecto a otras pinturas que habían sido rechazadas, la academia decidió no colgar el de Sprinchorn, dando como motivo la falta de espacio. [9] Enfadado por la decisión, Henri dijo que la academia no debería rechazar a jóvenes artistas innovadores como Sprinchorn. Elogió a Sprinchorn por captar "una gran nota nueva" y colocarla sobre el lienzo "con un efecto inquietante" y agregó que conocía "pocos pintores más prometedores". [11] Unos meses más tarde, un crítico del New York Sun habló de las pinturas de Sprinchorn que se colgaron en otra de las exposiciones de estudiantes de la Escuela de Nueva York. Elogió una pintura de Sprinchorn llamada "Ferryboat in Snowstorm", diciendo que violaba "todos los cánones del arte académico" al mostrar "las cosas como son". [12] Otro crítico dijo que Sprinchorn era un artista prometedor cuya obra estaba "pintada con un sentimiento de grandeza". [13] A principios de 1908 contribuyó con pinturas a una exposición de obras de Henri y sus estudiantes en el National Arts Club . De una pintura de Sprinchorn llamada "Winter Day", un crítico escribió: "Es realismo llevado al undécimo grado. No se muestra piedad con los sentimentalistas ópticos". [14]
Sprinchorn siguió a Henri cuando, en enero de 1909, fundó su propia escuela y luego la abandonó al año siguiente para seguir una carrera como artista profesional. [15] [16] Entre 1907 y 1909, Sprinchorn se desempeñó como director de la Escuela de Arte de Nueva York y continuó desempeñando esa función durante su tiempo en la nueva escuela de Henri. [17] [18]
En esa época, un crítico consideró a Sprinchorn como "uno de los miembros más jóvenes de la nueva escuela 'revolucionaria' de artistas, que, como grupo, han recibido tan poco apoyo de los jurados de la Academia Nacional de Diseño". [19] A principios de 1910, Sprinchorn tuvo una pintura aceptada para la 105.ª exposición anual de la Academia de Bellas Artes de Pensilvania y, un poco más tarde, expuso en la Escuela Rand de Nueva York junto con Henri y hombres que habían estudiado con Henri. La lista de participantes incluía a George Bellows, George Luks y John Sloan . [20] [21]
Aunque vivió habitualmente en Nueva York, Sprinchorn viajó mucho a lo largo de su carrera. A finales de 1912 y principios de 1913 vivió en Los Ángeles, California. Durante 1914 y 1915 vivió en París, donde asistió a clases de dibujo en la Académie Colarossi . [18] A menudo pasaba los meses de verano en colonias de artistas cerca del agua: en Provincetown, Massachusetts, en Ogunquit, Maine, y en la isla Monhegan, Maine. [16] [22] Volvió a Escandinavia de vez en cuando para pintar y visitar a su familia. [18]
En 1910 hizo su primera visita a un lugar en el centro-norte de Maine que pronto se convertiría en uno de sus favoritos. Fue invitado por un amigo de la familia a visitar Monson , un pueblo donde había una pequeña comunidad de inmigrantes suecos. [23] Durante los meses de invierno, Monson era el hogar de los campamentos de leñadores que aprovechaban las crecidas de arroyos y ríos para transportar madera a los aserraderos más al sur y al este. [24] Habiendo sido conocido previamente por escenas de ventiscas y fuertes nevadas en los barrios bajos de Manhattan, Sprinchorn parece haberse sentido cómodo retratando el trabajo de estos leñadores y el entorno en el que pasaban los meses fríos del año. [13] [25] [nota 2] A medida que su carrera maduraba, Sprinchorn volvería a visitar Monson y otros lugares en los bosques del norte de Maine durante las siguientes tres décadas y pasaría la mayor parte de su tiempo allí en los años entre 1942 y 1952. [25] En el momento de su muerte, las pinturas, dibujos y acuarelas de Sprinchorn de los bosques de Maine llegarían a ser vistos como sus temas dominantes y obras más populares. [26]
Mientras estuvo en el sur de California entre 1912 y 1914, Sprinchorn enseñó en la Art Students League y sirvió durante un tiempo como su director. [18] [7]
En 1915 fue uno de los once "pintores estadounidenses representativos" seleccionados para una exposición en la galería principal del edificio de bellas artes en la Exposición Panamá-California en San Diego, California. [27] [nota 3] Más tarde ese año participó en una exposición colectiva en el MacDowell Club de Nueva York y al año siguiente mostró dibujos en una exposición individual patrocinada por George S. Hellman . [28] [29] [nota 4] Al reseñar este último, un crítico del New York Sun dijo que dibujaba con espíritu y gracia, con una calidad juvenil que el crítico encontró refrescante. [29] En 1918 volvió a mostrar dibujos en una exposición en la Scandinavian Art Shop. En esta ocasión, un crítico reconoció una afinidad con el artista inglés Thomas Rowlandson , pero señaló que Sprinchorn veía las cosas de una manera más fragmentaria, en ángulos en lugar de curvas, y con un humor más mordaz. El crítico concluyó diciendo que Sprinchorn era "increíblemente hábil para obtener los resultados más ricos y espléndidos al retener toda la fuerza de su pigmento y sugerir reservas de color detrás de la pintura superficial". [2]
Sprinchorn expuso tres veces en 1920, una vez con otros artistas sueco-estadounidenses en la American-Scandinavian Foundation , otra con un grupo que incluía a Anne Rector en el National Arts Club y otra en una exposición de la Society of Independent Artists . [32] [ 33] [34] Al reseñar la primera de las tres, un crítico del Times dijo que Sprinchorn contribuyó con "dos grandes pinturas de gran distinción" y dibujos que eran aún más fuertes. [34] El año 1922 fue fructífero para Sprinchorn. En enero, la revista de Hamilton Easter Field , The Arts , publicó un artículo del teórico literario Kenneth Burke llamado "El arte de Carl Sprinchorn". Burke analizó la técnica de Sprinchorn en detalle. Llamando la atención sobre su uso de la metáfora visual, Burke dijo que utilizó la abstracción para hacer que sus temas sirvieran a múltiples propósitos en sus pinturas. Como ejemplo, dijo: "Carl Sprinchorn comienza con nieve y agrega algo más, mientras la nieve permanece. Se las arregla para poner en su lienzo tanto el objeto como su interpretación de él". [35] En ese mes y el siguiente, Sprinchorn mostró acuarelas y dibujos en la galería Junior Art Painters [nota 5] y pinturas y obras en papel en la galería de la Sra. Sterner. [35] : 192, 230 [nota 6] En meses posteriores, el Museo de Arte de Worcester realizó una exposición individual de su trabajo reciente. [38] A fines de año participó en una muestra grupal en la New Gallery que él mismo había montado. [39] La muestra en la Galería Sterner atrajo un extenso examen crítico de la revista The Arts , el Brooklyn Daily Eagle y los periódicos New York Herald . En The Arts , el teórico literario Kenneth Burke dijo que al eliminar los detalles, Sprinchorn logró una "interpretación más verdadera" de sus temas. [35] En el Brooklyn Daily Eagle, Hamilton Easter Field escribió que compartía el entusiasmo de los "más ardientes admiradores" de Sprinchorn. [40] El crítico del New York Herald dijo de la obra de Sprinchorn: "Es abstracta, pero es sana y fina". [41] En su introducción al catálogo de la exposición, el crítico de arte, curador y coleccionista, Christian Brinton, describió lo que vio como la "ansiosa e incesante odisea de Sprinchorn en busca de nuevos estímulos plásticos y cromáticos". [3] : 7 [nota 7]
Entre 1922 y 1925 Sprinchorn fue director artístico de la New Gallery, que exhibía y vendía obras de artistas estadounidenses poco conocidos y de artistas europeos de vanguardia. [39] [43] [nota 8] Sus obras se mostraron con frecuencia en exposiciones colectivas durante la década de 1920 y principios de la de 1930: en la New Gallery en 1923 y 1924; en el Whitney Studio Club en 1924; en el Museo de Brooklyn en 1925, 1926, 1928 y 1929; en la Marie Sterner Gallery en 1928, 1930 y 1933; en el Museo Roerich en 1929; y en las Fifty-Sixth Street Galleries en 1930. [1] [45] [46] [47] [48] [49] Realizó exposiciones individuales durante estos años en su propio estudio (1924 y 1933), las Rhen Galleries (1927), la Ainslie Gallery en 1928, la Penthouse Gallery (1930) y la Sullivan Gallery (1936). [50] [46] [48] [51] [52] El American Swedish Historical Museum le dedicó una exposición individual en 1942. En 1930, la propietaria de la Sullivan Gallery, la señora Cornelius Sullivan, organizó una gira de su obra en tres museos. [6] En la década posterior a 1920, la revista The Dial publicó muchos de sus dibujos y también obtuvo ingresos por las ilustraciones que produjo para la Ford Motor Company.
Sprinchorn utilizó sus ganancias de su trabajo en la New Gallery y otras fuentes para financiar un año y medio de viajes a Puerto Rico y Santo Domingo en 1926 y 1927. Después, regresó a Suecia a fines de 1930 y principios de 1931. Permaneció en Nueva York la mayor parte del tiempo entre 1931 y 1937. Su trabajo fue parte del evento de pintura en la competencia de arte en los Juegos Olímpicos de Verano de 1932. [ 53] Su trabajo también apareció en el Museo Whitney en la segunda exposición bienal en 1936 y en la exposición anual de arte contemporáneo en 1938. [54] [55] Usando el dinero que recibió de las ventas de su arte, pasó parte o todo el año en Maine entre 1937 y 1943, viviendo principalmente en Patten o Shin Pond . [18] [25] En enero de 1943 Sprinchorn escribió al coleccionista y director del museo, Duncan Phillips , pidiéndole que viera la exposición de sus obras en la Galería Macbeth. Posteriormente, Phillips compró una de las pinturas, "Caballos con alas de nieve" (1920), lo que ayudó a financiar los inviernos posteriores en los bosques de Maine. [18] Durante estos años, expuso con poca frecuencia, en particular en exposiciones individuales en la Galería Macbeth (1943, 1947 y 1950) y la Galería Bertha Schaeffer (1944). [56] [57] [58] [59] A medida que su salud se deterioró después de 1950, continuó mostrando obras de décadas anteriores, pero pintó con menos frecuencia. [60] Vivió en Manhattan desde 1950 hasta 1956, cuando se mudó a una granja en Selkirk, Nueva York . Entre las galerías en las que expuso durante ese período se encuentran las galerías Bertha Schaefer, Passedoit, Zabriske y Knoedler en Nueva York. [6] Dejó de exponer en 1963 y murió ocho años después. [17]
En 1984, el museo de arte de Rutgers, la Universidad Estatal de Nueva Jersey, organizó una retrospectiva llamada "Carl Sprinchorn: impulso realista y visión romántica". [17] En 1994, la galería Veilleux de Farmington, Maine, mostró 60 pinturas y obras sobre papel de los bosques de Maine. Un artículo de prensa decía que 44 de las 60 encontraron compradores, lo que convirtió a esta exposición en la más exitosa que su obra había tenido jamás. [25] La galería, que representaba el patrimonio de Sprinchorn, realizó una segunda retrospectiva en 1996. [60] Una exposición llamada "El arte de Carl Sprinchorn: La colección Katahdin" apareció en el Museo de Arte Americano de Ogunquit en 1998. [61] Se realizaron tres exposiciones en Maine durante el verano de 2002: "Carl Sprinchohn: Rey de los bosques" en el Museo de Arte del Bates College, Lewiston, "Carl Sprinchorn: Los bosques de Maine y más allá" en la Galería Veilleux en Farmington, y "Las cuatro estaciones: Carl Sprinchorn en Maine" en la Galería New O'Farrell, Brunswick. [5]
A pesar de su afición por los paisajes nevados y las imágenes de ocupaciones invernales, Sprinchorn nunca se sintió del todo a gusto en la zona rural de Maine. Un residente local, Caleb Scribner, se hizo amigo suyo, pero Scribner fue una excepción. Se conocieron en 1937 cuando Sprinchorn se alojó como huésped en la casa de la familia de Scribner en Patten, cerca de Shin Pond. Scribner, un artista aficionado, podía conversar con Sprinchorn sobre temas que no interesaban a otros lugareños. [62] En una carta de 1946 a un amigo, Sprinchorn admitió que tenía poco en común "con estas personas que, después de todo, no son importantes en mi vida más allá del accidente de compartir un tejado y una tabla; con ellos; de ninguna manera capaces de compartir mis intereses, problemas o lo que sea". [23] En 1988, la biógrafa de Sprinchorn, Mary Towley Swanson, lo llamó un "compuesto de opuestos". [6] : 122 Disfrutaba de la vida urbana y desarrolló amistades duraderas con artistas y mecenas del mundo artístico de Nueva York. A lo largo de la mayor parte de su carrera, los críticos prestaron la mayor atención a sus naturalezas muertas y otros temas de interiores y los pocos registros existentes de sus ventas de arte muestran el mayor interés en esta obra. Sin embargo, a lo largo de su carrera, pasó largos períodos en entornos rurales, y después de su muerte, los críticos y curadores mostraron una fuerte preferencia por sus pinturas rurales. [18] Hacia el final de su carrera, Sprinchorn abordó este doble aspecto de su obra. En una carta a su amigo Richard Sprague escribió: "Bueno, soy un chico de ciudad. Quiero decir que nací en el campo, pero tengo mentalidad de ciudad". [6] : 122 En 1953 escribió a un amigo: "Me han llamado místico. Creo que tengo un espíritu panteísta hacia la naturaleza que impide la mera copia de la naturaleza. Nunca he tenido éxito en copiar la naturaleza, por sincera que sea, pronto me cansé. Me gusta seleccionar e interpretar la naturaleza después de vivir cerca de las fuentes de la naturaleza, pero, a la inversa, me he interesado en la vida de los críticos, en los aspectos sofisticados de la vida en general; en una palabra, he tratado de abarcar mucho". [6] : 135
Habiendo aceptado a Robert Henri como maestro y mentor, Sprinchorn adoptó un estilo realista que entonces se consideró revolucionario. [63] En desafío al arte académico decoroso y al arte impresionista escapista , los pintores que estudiaron con Henri eligieron temas del crudo mundo urbano que los rodeaba, pintaron con audaz libertad y pinceladas rápidas, y se esforzaron por lograr una inmediatez en la expresión emocional. [64] [nota 9] Al reseñar una exposición en la que se mostraron sus primeras pinturas, un crítico dijo que "Ferryboat in Snowstorm" de Sprinchorn ofendió a las autoridades del arte al violar "todos los cánones del arte académico". [12] Otro dijo que una pintura suya ofendió a los "sentimentalistas" al llevar el realismo "al undécimo grado". [14] [nota 10] La pintura de 1906, "Después de una tormenta", también llamada "Después de una tormenta de nieve" (a la derecha), muestra el estilo de Sprinchorn en este momento. [nota 11] Al principio de su carrera, las obras sobre papel de Sprinchorn atrajeron al menos tanta atención como sus pinturas al óleo. [29] Como ya se mencionó, recibió una mención honorífica por un dibujo en 1906, mostró dibujos en una exposición colectiva en 1908 y en 1916 tuvo su primera exposición individual dedicada a dibujos. Algunos años después, recordó cuán favorablemente respondió la prensa de Nueva York a esta obra y dijo que la exposición individual produjo una gran cantidad de compras. [18] Sprinchorn siguió a Henri en su estilo de dibujo tanto como en sus pinturas al óleo. Henri les dijo a sus estudiantes que hicieran dibujos no como dibujantes desapasionados sino de manera expresiva y con una profunda conciencia de la totalidad del tema. [64] : 110 En 1916, un crítico del New York Sun llamó la atención sobre las líneas abreviadas de Sprinchorn y el uso de la simplificación y destacó el "espíritu y la gracia" de sus dibujos. [29] Al observar en los dibujos de Sprinchorn "una visión aguda y un análisis ingenioso", un crítico de The New York Times dijo en 1918 que el artista era "increíblemente hábil para obtener los resultados más ricos y espléndidos al contener toda la fuerza de su pigmento y sugerir reservas de color detrás de la pintura de la superficie". [2] A principios de la década de 1920, los críticos continuaron destacando su simplicidad, franqueza e intensidad de sentimiento. [3] [67] Reconocieron un rechazo de la presentación estrictamente representativa a favor de los elementos compositivos de su obra. [35] Uno vio en su técnica una "sensibilidad estética genuina" y otro citó su capacidad para transformar los temas en símbolos significativos.[3] : 7
En 1920, un crítico del Times escribió que Sprinchorn mostraba su talento con más claridad en sus dibujos. El crítico los llamó "bocetos vívidos y sincopados" que contaban "dentro de sus estrechos límites más verdades sobre el color y la forma de las que la mayoría de los artistas encuentran posible decir en sus lienzos más grandes". [34] En 1922, un crítico dijo que los dibujos estaban "expresados en líneas animadas y pasajes sutilmente modulados de azul, púrpura, amarillo pálido y verde. Llenos de genuina sensibilidad estética, así como de cierta nostalgia sensual y aristocrática". [3] : 7 El mismo año, escribiendo en la revista The Arts, un crítico escribió que valoraba "la composición por sí misma" y tenía "casi un desdén por el tema". Citó como ejemplo el tratamiento de Sprinchorn de las figuras humanas como "poco más que tesis, hombres sin destino ni destino". [35] La "Dama con abanico" de Sprinchorn (que se muestra a la izquierda) muestra su técnica de dibujo lineal con aguada de acuarela.
El estilo de Sprinchorn cambió poco durante el resto de su carrera, tan poco que los críticos que escribieron en 2002 pudieron hacerse eco de lo que habían escrito los críticos a principios de la década de 1920. Ambos grupos de críticos vieron libertad y audacia en su sensibilidad artística y un enfoque expresivo y abstracto en lugar de objetivo y representativo. Usaron términos como "libre y audaz" o "libre y receptivo" para describir su estilo. [3] [5] Tanto al principio como al final de su carrera se vio que impartía lo que un crítico llamó "énfasis simbólico" en su trabajo. [17] Temprano y tarde, fue visto como un colorista sutil y fue citado con frecuencia por una contundencia que un crítico llamó "vigor e impulso". [2] [59] En todos los períodos, los críticos vieron un contenido emocional en su trabajo que uno llamó "expresionismo con elementos abstractos". [59] En un resumen de su trabajo posterior a su carrera, un crítico dijo que lo que distinguía el estilo de Sprinchorn era su "capacidad para plasmar una imagen con una honestidad personal brutal, como si no pudiera hacer nada más". [60] Otro escribió que si bien "estaba comprometido con la autenticidad de su tema, utilizó medios similares a los empleados por un artista abstracto, incluidas las relaciones entre la figura y el fondo que divergen de la perspectiva normal; el uso expresivo del color; y una aplicación pictórica de la pintura que demuestra gusto por el acto de pintar". [7] Las pinturas de Sprinchorn, "Hunter's Luck II" (mostrada a la derecha) y "Gloria October" (mostrada a la izquierda, ilustran estos aspectos de su estilo.
A lo largo de su carrera, los medios de Sprinchorn fueron pinturas al óleo sobre lienzo y obras sobre papel en acuarela, lápiz, pluma, aguada, crayón y carboncillo. [68]
Sus temas variaban ampliamente: paisajes urbanos de Nueva York y paisajes de los bosques de Maine y entornos tropicales; figuras humanas, incluidos trabajadores urbanos y leñadores rurales, así como sofisticados urbanos; escenas de granjas escandinavas; naturalezas muertas florales. [1] [59] [69] Aunque sus imágenes de los bosques de Maine atrajeron más atención después de su muerte, fue más conocido por sus naturalezas muertas y dibujos durante la mayor parte de su carrera. [6] "Girasoles y tritoma" de Sprinchorn (mostrado a la derecha) ilustra su manejo de una naturaleza muerta floral. En 1936, un crítico dijo que esta pintura era la más vivaz de las "pinturas de flores vívidas" que mostró en la galería Sullivan. [52]
Sprinchorn nació en el pueblo de Broby , cerca de Kristianstad , Suecia, el 13 de mayo de 1887. [3] : 7 Su padre fue Claes Sprinchorn (1845-1907), un ebanista que hacía carpintería y restauraba muebles. [6] : 122 Su madre fue Johanna Rudolphsson (Andreasdotter) Sprinchorn (1844-1932). [70] Fue el más joven de siete hijos. [6] : 122 De niño le gustaba dibujar y, como ya se señaló, decidió emigrar a Nueva York para estudiar con Robert Henri.
En 1956, como su mala salud limitaba su capacidad para pintar y dibujar, se mudó a la casa de su hermana, la Sra. Anna Johnson, en Selkirk, Nueva York. Cuando murió en 1971, sus únicos sobrevivientes conocidos fueron la Sra. Johnson y una sobrina, la Sra. Ruth Olson, también de Selkirk. [26]
Tiene la rara cualidad de hacer que cualquier tema que ensaya sea interesante e inusual, ya sean ramos de flores, ciclistas en carreras de bicicletas de seis días, bailarines españoles o paisajes americanos. Además, lo hace sin adoptar ni uno solo de los manierismos de moda que hoy se consideran casi esenciales para el reconocimiento. Especialmente notables fueron las impresiones de personalidades, algunas de ellas bocetos de retratos de personas conocidas, otras retratos de tipos generalizados. En todos ellos ha aportado alguna característica esencial de pose o gesto y la ha plasmado con la fresca exactitud de un boceto.
Es sorprendentemente hábil para obtener los resultados más ricos y espléndidos al contener toda la fuerza de su pigmento y sugerir reservas de color detrás de la pintura de la superficie.
Carl Sprinchorn rara vez aparece en las galerías locales en estos días, por lo que es una agradable sorpresa encontrar un grupo de acuarelas que no solo son ricas en color, sino que muestran una red de patrones más firme que sus trabajos anteriores. La paleta individual del Sr. Sprinchorn y su sutil relación de colores le dan un sabor picante de lo inesperado a estas piezas de flores, que, si los colores pueden cantar, parecen cantar melodiosamente.
Aquí está el trabajo de un niño llamado Sprinchorn... ¿Verdadero, no? Bueno, hace un par de años ese niño vino a mí con un estudio de naturaleza muerta para mostrar como muestra de su trabajo: fruta, creo que era, o un guante y una jarra de agua, ya sabes de qué tipo. Era uno de los peores que he visto, y se lo dije. Dejó de estudiar plátanos y jarras de agua y salió a mirar la vida, la vida simple de Nueva York, como podía encontrarla en cualquier lugar. Ahora pinta ese tipo de vida, y su trabajo tiene más virilidad y carácter que los años de pereza académica podrían darle.
Carl Sprinchorn es un hombre aún más joven [que Rockwell Kent], sueco de nacimiento. Él también fue el centro de las tormentas en la reciente Academia. Ahora puede ver por qué a las autoridades no les gustó su "Ferryboat in Snowstorm". Es porque es un ferry en una tormenta de nieve, y no una puesta de sol veneciana; feo, cortante y lúgubre, las olas embarradas, la cubierta inundada, el viejo barco inclinándose. En este lienzo, todos los cánones del arte académico son violados por un joven que vio las cosas como son; no es de extrañar que el cuadro irritara a la gente.
Carl Sprinchorn, cuyo transbordador en el East River nunca olvidaremos (el lienzo más lúgubre y húmedo que jamás hayamos visto, y en eso reside su poder), ha colgado su "Winter Day". Es un realismo llevado al undécimo grado. No se muestra piedad con los sentimentalistas ópticos.
Carl Sprinchorn es muy prometedor; ojalá la calidad de su pintura fuera más conmovedora.
Abrevia mucho sus líneas, pero sus simplificaciones se basan, como se puede ver fácilmente, en un gran conocimiento. Su obra tiene una calidad juvenil, griega temprana, que la hace refrescante. Ha participado en varias exposiciones colectivas en el Club Macdowell, siempre con éxito. Ha expuesto en la Academia de Pensilvania y en las dos exposiciones recientes en California, pero aún no ha sido aceptado por nuestra Academia Nacional. Sin embargo, a su edad (solo tiene 29 años) está mucho mejor fuera de ella.
Una persona divertidamente inteligente. Demasiado inteligente, por supuesto. Pero me gusta más su cuadro de flores que su 'Clavadista'.
Carl Sprinchorn está representado por dos grandes cuadros de gran distinción, el que representa a un grupo de hombres cortando leña, logrando la rara unión clásica entre energía y estilo. Sin embargo, en los bocetos más pequeños, vívidos y sincopados, está en su punto más fuerte, contando dentro de sus estrechos límites más verdades sobre el color y la forma de las que la mayoría de los artistas encuentran posible decir en sus lienzos más grandes. En una pequeña cabeza que él llama "Natt Ansikte", su pincel, que corta con la limpieza de la hoja de un cuchillo, logra envolver las formas con la atmósfera más tierna y producir una calidad plástica que Carriere podría haber elogiado.
Carl Sprinchorn es un pintor abstracto, con una diferencia importante, sin embargo... Se las arregla para poner en su lienzo tanto el objeto como su interpretación de este. El abstractor minucioso nos habría dado solo la interpretación... [E]s evidente a partir de un vistazo a los lienzos de Carl Sprinchorn que tiene casi un desdén por el tema... Si comienza con la composición por el bien del cuadro, termina con la composición por sí misma... [E]ste ir más allá de los requisitos de su tema es la cualidad característica del arte de Sprinchorn.
Comparto el entusiasmo de sus más ardientes admiradores y coincido plenamente con lo que Christian Brinton ha dicho de él en su introducción al catálogo y con el artículo de Kenneth Burke publicado recientemente.
El señor Sprinchorn es plástico y abstracto; no tan abstracto como para que uno sepa lo que está pasando... Tiene una curiosa forma llamativa de pintar, evitando la mayoría de los bordes, pero incorporando algunos de ellos con una singularidad sorprendente.
Este libro, que contiene reproducciones de cincuenta y ocho de los ciento veintidós cuadros vendidos entre noviembre de 1922 y mayo de 1923 en la New Gallery, se publica en parte para los miembros del New Gallery Art Club y en parte para indicar los objetivos y las características del arte de la época actual. La New Gallery ha sido, francamente, un experimento para determinar si existe un público dispuesto a interesarse por los cuadros contemporáneos que son algo más que modelos superficiales y serviles del pasado... La New Gallery abrió sus puertas en el 600 de Madison Avenue, Nueva York, el 14 de noviembre de 1922.
Carl Sprinchorn trabaja en la poesía de valores sensibles, que conducen a una naturaleza muerta en verde y rojo desde un tono alto a uno bajo.
[L]os paisajes posteriores de Maine y los pasteles de California, que son su última palabra en simplificación, son la expresión más personal de toda su obra. Su don para la organización se ve enfatizado por la sencillez desnuda de estos, y hay una sensibilidad en los pasteles que les da poder sobre la imaginación.
Las piezas de flores de Carl Sprinchorn revelan el ataque infaliblemente vivaz de este artista. "Rojo, blanco y azul" es una desviación total del carácter convencional de la mayoría de las piezas de flores en su completa absorción en una relación de color dinámica, que en ningún sentido está limitada por el tema. "Lirios manchados" está pintado con mucho vigor y libertad sin sacrificar la integración formal.
Hay cierta acritud apretada, una dureza apretada, en los contornos de algunas de las frutas más maduras del Sr. Sprinchorn, pero la pintura terminada nunca es forzada ni hermosamente carente de significado.
Hace unos 25 años, en las ahora extintas Galerías de Arte Moderno de James N. Rosenberg, un joven director de arte, Carl Sprinchorn, estaba a cargo. Él mismo era un artista que emergía entonces de las influencias de Chase y Henri y que estaba haciendo grandes avances con flores decorativas de colores brillantes. Después de todos estos años, su variedad de experiencias humanas ha florecido en una forma de pintura autobiográfica, que nos habla de sus asociaciones y paraderos en los últimos años... Su formación experimental modernista temprana más su minuciosa formación artística previa, aplicada a una serie de experiencias reales, se han sumado a un estilo de pintura ilustrativa vigorosa.
Acuarelas potentes y sumamente simplificadas complementan los óleos en esta muestra excepcional.
Carl Sprinchorn muestra un pastel en el que las montañas y los árboles se expresan con una simplicidad primitiva y una intensidad de sentimiento.
Se trata del redescubrimiento de un talento que ha estado ausente durante demasiado tiempo de las galerías de Nueva York y es un evento de inicio de temporada muy animado.
El Sr. Sprinchorn tiene una actitud completamente pintor y un fácil dominio de sus materiales que son en sí mismos suficientes para llamar la atención. Sus temas varían desde su algo críptico "Paisaje marino con flores", en el que un ramo de alegres capuchinas se revela en una extensión de azul turbulento sin ningún propósito discernible excepto por el color, hasta temas como su animado "Puente de Brooklyn", con la embarcación fluvial azotada por una brisa agitada. Sus acuarelas, ya sean de puertos tropicales y palmeras o de áticos de Nueva York, son particularmente felices en su resumen de la apariencia de las cosas.