Olive Madora Ayhens (nacida en 1943), [1] es una artista visual estadounidense. Obtuvo reconocimiento por primera vez en California en la década de 1970 por su trabajo figurativo estilizado, pero es más conocida por los paisajes urbanos, paisajes e interiores fantásticos y vertiginosos, que a menudo representan la ciudad de Nueva York, que ha pintado desde mediados de la década de 1990. [2] [3] [4] Estas obras entremezclan lo urbano y lo pastoral, el interior y el exterior, empleando yuxtaposiciones absurdas, improbabilidades de escala y colores vibrantes, en exploraciones puntuales pero lúdicas del choque entre la civilización y la naturaleza. [5] [6] [7] El crítico del New York Sun, David Cohen, ha descrito sus imágenes como "equilibradas entre lo lírico y lo apocalíptico. Captan tanto la poesía como la política de la ciudad densamente poblada, literal y metafóricamente estratificada, utilizada y abusada". [8] Tiene su base en Brooklyn , Nueva York. [9] [10]
Ayhens ha sido reconocida con una beca Guggenheim [11] y premios de las fundaciones Joan Mitchell , Adolph & Esther Gottlieb y Pollock-Krasner . [12] [13] [14] Ha expuesto en instituciones como el Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA), la Academia Estadounidense de Artes y Letras , [15] el Museo Roswell [16] y el Museo Estatal de Nueva York . [17] Su obra pertenece a las colecciones públicas de MTA Arts & Design en Nueva York, [18] el Museo de Oakland de California [19] y el Museo Anderson de Arte Contemporáneo , [20] entre otros.
Olive Madora Ayhens nació y creció en Oakland , California. [2] [19] Decidió convertirse en artista a los 18 años y se inscribió en el Instituto de Arte de San Francisco (SFAI), donde obtuvo títulos de BFA y MFA (1968, 1969), mientras producía obras figurativas influenciadas por el arte precolombino , los primeros modernistas y el expresionismo abstracto . [5] [10] [21]
Ayhens fue activa entre un grupo de artistas femeninas del Área de la Bahía a principios de la década de 1970 (entre ellas, Judith Linhares y M. Louise Stanley ), que se hicieron conocidas por su trabajo que se basó en ideas feministas, arte marginal y etnográfico , y el movimiento Funk para explorar narrativas más directas, personales y sociales. [22] [23] [24] Atrayendo la atención de curadores de California como Philip Linhares y Whitney Chadwick , apareció en exposiciones grupales en el SFMOMA, el Berkeley Art Center , el Fresno Art Museum y el Laguna Art Museum , y tuvo exposiciones individuales en el SFAI (1972), SFMOMA Artist Gallery (1989) y Michael Himovits Gallery (1991-94), entre otros lugares. [25] [19] [23] [26] [27]
En 1996, una beca de estudio de la Fundación Marie Walsh Sharpe llevó a Ayhens a mudarse a la ciudad de Nueva York. [7] [5] El cambio dirigió su temática hacia paisajes urbanos, la colisión de elementos naturales y urbanos y la preocupación ecológica. [5] [7] Una posterior residencia World Views del Consejo Cultural del Bajo Manhattan que proporcionó un espacio de estudio en el piso 91 del World Trade Center cambió su trabajo aún más, hacia panoramas a vista de pájaro que comparó con el estudio de un organismo bajo un microscopio. [19] [7] [28]
En su carrera posterior, Ayhens ha tenido exposiciones individuales en la Galería Gary Tatintsian (2002-03), [7] [29] la Biblioteca Pública Mid-Manhattan (2007), [28] la Galería Frederieke Taylor (2007-09) [30] y Bookstein Projects (2012-19), [6] [31] todas en Nueva York, y en el Museo Roswell (2015). [16] Su trabajo también ha aparecido en varias ediciones de la revista Harper's desde 2001. [32] [33] [34]
El trabajo de Ayhens está inspirado en su entorno físico (lugares en los que vivió o a los que viajó) y, de esa manera, ha sido descrito como casi biográfico. [5] Trabaja a partir de bocetos in situ, imágenes recopiladas, memoria y, en última instancia, imaginación, [19] [21] pero, según Stephen Maine de Hyperallergic , permanece arraigada en una "voluntad de permitir que el realismo se disuelva en pura abstracción". [10] Sus composiciones compactas fusionan reinos contradictorios e imaginarios en "panorama desordenado" [10] que han sido descritos como "visionarios urbanos", [8] expresionistas , [29] folclóricos, [35] estridentes y "apocalípticos y alegres". [36] [15] Los críticos han comparado su arte con el de los conocidos artistas de paisajes urbanos Rackstraw Downes e Yvonne Jacquette , Hieronymus Bosch y los expresionistas Oskar Kokoschka y George Grosz . [28] [8] [4]
Ayhens presenta alegorías ambientales catastróficas que compensa con un estilo de pintura suelto que emplea tonos saturados, yuxtaposiciones inesperadas y una sensación distorsionada del espacio. [6] [19] [5] [10] Andrea K. Scott de The New Yorker sugirió que el trabajo de Ayhens era lo que podría resultar "si la modernista Florine Stettheimer se hubiera cruzado con Greta Thunberg ": pinturas compuestas coloridas y caleidoscópicas que abordan el cambio climático en las que "la fantasía tiende a superar al miedo". [9] Stephen Maine sugiere que una paradoja central y animadora del trabajo de Ayhens es una contradicción entre su profusión de detalles pictóricos excéntricos y su intención ambigua que abarca "símbolo cultural, dispositivo narrativo, marcador autobiográfico o simplemente la diversión de pintar". [10] [37]
Los críticos relacionaron las primeras acuarelas y óleos figurativos de Ayhens con el trabajo de Kandinsky y Miró en su uso del color y las formas orgánicas, respectivamente, para sugerir estados emocionales, al tiempo que lo distinguieron de ambos en sus formas más explícitas basadas en la realidad. [38] [39] [24] Los críticos describieron estas obras como "exploraciones psíquicas" enérgicamente expresivas y líricas, [39] cuyas narrativas personales, que a menudo exploraban la sexualidad femenina, también evocaban lo universal, ritualista y arquetípico. [38] [40] [24] En composiciones intrincadas y pintadas de colores brillantes, jugó con variaciones de formas humanas aborígenes, naturales y fantásticas estilizadas en patrones similares a tapices (por ejemplo, Adiós , 1974) o rodeadas de mares de elementos orgánicos y decorativos que sugerían inestabilidad y el poder de fuerzas mayores ( Amor en el agua , 1980). [24] [41] [38] [26] El crítico Charles Shere los denominó "paisajes del interior repletos de vida, organismos microscópicos y órganos de insectos que representan la sensación de... un momento extáticamente prolongado". [42] En muchas obras, predominaba un sentido más brillante de la continuidad de la vida y sus pasajes o un estridente sentido del humor, como en Love Among the Spiders (1983), que el Berkeley Express describió como un "dibujo táctil y espasmódico... que sugiere una visión de las relaciones sexuales desde adentro hacia afuera". [43] [44]
En la década de 1980, el arte de Ayhens se vio más influenciado por su entorno y sus preocupaciones ambientales, y se acercó a su estilo maduro. [45] [21] Estos paisajes de acuarela y tinta se caracterizaban por un brillo caprichoso que los empujaba más allá de lo representativo hacia lo imaginativo, a menudo transmitido a través de edificios y árboles desordenados y con humor. [45] Artweek los llamó "amalgamas ansiosas de ideal y concreto, naturaleza y civilización" que ofrecen "una visión de inclusividad maníaca [que] empuja justo al borde de mantener unidas las contradicciones de la vida contemporánea". [27]
La serie expresionista neoyorquina de Ayhens The Esthetics of Pollution (1996) denota tanto su transición transcostera (por ejemplo, Montana Creeps Into NYC , 1996) como su respuesta al abarrotado entorno urbano de esa ciudad. [21] [5] El crítico de Arts Magazine Robert Mahoney describió la obra que da título a la serie como "un panorama enérgico, al estilo de Red Grooms, de un bajo Manhattan rodeado de limo verde" cuyo horizonte parecía "estar derritiéndose como un pastel de cumpleaños bajo la lluvia ácida". [46] Roberta Smith del New York Times caracterizó esa obra como una "imagen de postal maravillosamente ictérica... enérgicamente pervertida". [47]
En tres exposiciones individuales en la galería Gary Tatintsian (2002-04), Ayhens presentó pinturas que intercalaban lo natural en lo urbano y viceversa ( Rascacielos en Yellowstone , 1998) con escenas fantásticas y vertiginosas de metrópolis abarrotadas y desmoronadas, inestables y carreteras paralizadas invadidas por manadas de animales, inundaciones primigenias, cañones y bosques. [48] [35] [7] Rapid Commute (1996-97) retrataba un entorno alpino con un río espumoso que bajaba arrastrando coches, sus orillas pobladas de rascacielos inclinados y una costa de ciudad en lugar de acantilados. [7] The Streams Return (1997) mostraba el agua fluyendo por las calles de Manhattan como lo hacía antes en la isla (y posiblemente podría hacerlo en el futuro), sugiriendo el colapso de eones en un solo momento. [7] Los dos últimos espectáculos adquirieron una cualidad más dislocada y vertiginosa que, según escribió Ken Johnson , demostraba un "desprecio despreocupado por la perspectiva ordinaria" y David Cohen la caracterizó como resplandeciente "con una especie de facetas cubistas-futuristas". [3] [8] [15] En una de esas obras, Urban Strata (2004), Ayhens introdujo el espacio interior en la composición; fusionó un paisaje urbano a vista de pájaro con una representación similar a una casa de la risa, tanto dentro como fuera de un gran salón del automóvil acristalado repleto de consumidores, soldados camuflados, coches y escaleras mecánicas. [29]
Durante la segunda mitad de la década de 2000, Ayhens continuó explorando las ambigüedades entre el interior y el exterior, incorporando nuevas influencias visuales, incluida la opulenta arquitectura morisca y renacentista del norte, la tecnología de los laboratorios y espacios de oficina modernos y los centros comerciales. [5] [49] [50] Su serie "Extreme Interiors" surgió de una visita al laboratorio de un amigo científico, después de la cual hizo una conexión entre su laberinto de cables y artilugios y su sentido de la ciudad como una especie de organismo vivo. [50] [21] David Cohen notó una intensificación de la línea y el color en los bancos de cables nerviosos y masivos de la serie, que agregaron una "totalidad tipo Pollock" a las escenas sesgadas, y concluyó: "El motivo de un laboratorio de computación, donde el caos controlado, la eficiencia ad hoc y el desorden externalizado respaldan la creación de un orden interno, es la metáfora perfecta para el modo de representación de Ayhens: ella no es nada si no está conectada". [49]
En exposiciones individuales en Bookstein Projects, "Interior Wilderness" (2014), "Urbanities and Ur-Beasts" (2019) y "Transformation of Place" (2021-22), Ayhens presentó paisajes surrealistas que colapsaban la naturaleza y el entorno construido. [6] [10] [50] Estas obras inverosímiles yuxtaponían escaleras mecánicas y ríos, selvas y vestíbulos de hoteles, bestiarios y superautopistas y, según el crítico Jerry Saltz , "narrativas postapocalípticas y felicidad prelapsaria". [4] [6] La obra que da título a la primera muestra (2009-10) entretejía un hotel deslumbrante, un estanque invasor bordeado de juncos, rocas, ranas y azulejos, y un fondo desestabilizador de planos convergentes y una decoración de época desigual. [10] [6] Flecks in the Foam (2012) ofrecía un paisaje urbano panorámico de rascacielos fuera de escala, oscilantes y cables de laboratorio informático enredados, una ola monstruosa que se estrellaba y patrullas policiales, evocando una sensación de aumento del nivel del océano y una calamidad general. [10] [19] En este último programa, Ayhens retrató un mundo contemporáneo repleto de criaturas extrañas, como en Camelid in the City (2019), en el que un mamífero prehistórico se posa en las orillas de un East River de color verde ácido, y su piel de color amarillo anaranjado se hace eco de las luces brillantes de un horizonte distante de Manhattan. [9] [31] [37]
Ayhens ha recibido una beca Guggenheim (2006) [11] y subvenciones de la Fundación Adolph & Esther Gottlieb (1996), la Fundación Pollock-Krasner (1998, 2001) y la Fundación Joan Mitchell (2013). [51] [13] [14] Ha recibido residencias artísticas del Joan Mitchell Center en Nueva Orleans, Djerassi Artists Residency , Fundación Valparaíso (España), Lower Manhattan Cultural Council, [28] MacDowell Colony , [52] Millay Arts , Roswell Artist-in-Residence (RAiR), Salzburg Kunsterhaus, Sharpe-Walentas Studio Program, [53] Ucross Foundation , [54] Virginia Center for the Creative Arts , [55] y Yaddo , entre otros. [56] [14] [5]
Su obra pertenece a las colecciones de museos públicos del Museo de Arte Contemporáneo Anderson, el Museo de Arte del Mills College , MTA Arts & Design, el Museo de Oakland de California , la Galería Watkins de la Universidad Americana , la Colección West y el Museo Whatcom . [20] [18] [57] [19]