El arte balinés es un arte de origen hindú-javanés que surgió del trabajo de los artesanos del reino de Majapahit , y se expandió a Bali a finales del siglo XIV. Desde el siglo XVI hasta el siglo XX, el pueblo de Kamasan , Klungkung (Bali oriental), fue el centro del arte clásico balinés. Durante la primera parte del siglo XX, se desarrollaron nuevas variedades de arte balinés. Desde finales del siglo XX, Ubud y sus pueblos vecinos se ganaron la reputación de ser el centro del arte balinés.
Ubud y Batuan son conocidos por sus pinturas, Mas por sus tallas de madera, Celuk por sus orfebres y plateros, y Batubulan por sus tallas de piedra. Covarrubias [1] describe el arte balinés como "... un arte popular barroco altamente desarrollado, aunque informal, que combina la vivacidad campesina con el refinamiento del clasicismo de la Java hinduista, pero libre del prejuicio conservador y con una nueva vitalidad impulsada por la exuberancia del espíritu demoníaco del primitivo tropical". Eiseman señaló correctamente que el arte balinés está tallado, pintado, tejido y preparado en objetos destinados al uso diario más que como objeto de arte. [2] Las pinturas balinesas son notables por su arte altamente vigoroso pero refinado e intrincado que se asemeja al arte popular barroco con temas tropicales. [3]
Antes de la década de 1920, las pinturas tradicionales balinesas se encontraban principalmente en lo que hoy se conoce como estilo Kamasan o Wayang . Se trata de representaciones visuales de narraciones, especialmente de las epopeyas hindúes y javanesas (el Ramayana y el Mahabharata ), así como de varias historias indígenas, como el Malat, que representa las narraciones de Panji , y la historia de Brayut. [4]
Estos dibujos bidimensionales se dibujan tradicionalmente sobre tela o papel de corteza (papel Ulantaga o daluwang ), y a veces sobre madera, con tintes naturales . La coloración se limita a los tintes naturales disponibles: rojo de rocas volcánicas, ocre, azul de índigo y negro de hollín. Además, la representación de las figuras y ornamentaciones debe seguir reglas estrictamente prescritas, ya que se producen principalmente para artículos religiosos y tapices de templos. Estas pinturas se producen de forma colaborativa y, por lo tanto, en su mayoría de forma anónima.
A partir de finales del siglo XIX, los balineses experimentaron con nuevos tipos de arte. Estos experimentos se vieron estimulados por el acceso a nuevos materiales (papel occidental y tintas y pinturas importadas) y, en la década de 1930, los nuevos mercados turísticos estimularon a muchos jóvenes balineses a involucrarse en nuevos tipos de arte.
En la década de 1920, con la llegada de muchos artistas occidentales, Bali se convirtió en un enclave artístico (como lo fue Tahití para Paul Gauguin ) para artistas de vanguardia como Walter Spies (alemán), Rudolf Bonnet (holandés), Adrien-Jean Le Mayeur (belga), Arie Smit (holandés), Theo Meier (suizo) y Donald Friend (australiano) en años más recientes. La mayoría de estos artistas occidentales tuvieron muy poca influencia en los balineses hasta el período posterior a la Segunda Guerra Mundial, aunque algunos relatos enfatizan demasiado la presencia occidental a expensas del reconocimiento de la creatividad balinesa.
En su primera visita a Bali en 1930, el artista mexicano Miguel Covarrubias observó que las pinturas locales cumplían funciones principalmente religiosas o ceremoniales. Se utilizaban como telas decorativas para colgar en templos y casas importantes, o como calendarios para determinar los horóscopos de los niños. Sin embargo, al cabo de unos años, descubrió que la forma de arte había experimentado una "revolución liberadora". Donde antes estaban severamente restringidas por el tema (principalmente episodios de la mitología hindú) y el estilo, los artistas balineses comenzaron a producir escenas de la vida rural. Estos pintores habían desarrollado una individualidad cada vez mayor. [1]
Este período innovador de creatividad alcanzó su punto álgido a finales de la década de 1930. Una oleada de visitantes famosos, entre ellos Charlie Chaplin y los antropólogos Gregory Bateson y Margaret Mead , animaron a los talentosos lugareños a crear obras muy originales. Durante su estancia en Bali a mediados de la década de 1930, Bateson y Mead coleccionaron más de 2000 pinturas, predominantemente de la aldea de Batuan, pero también de la aldea costera de Sanur. [5] Entre los artistas occidentales, a menudo se atribuye a Spies y Bonnet la modernización de las pinturas tradicionales balinesas. A partir de la década de 1950, los artistas balineses incorporaron aspectos de la perspectiva y la anatomía de estos artistas. [6] Más importante aún, actuaron como agentes de cambio al fomentar la experimentación y promover las desviaciones de la tradición. El resultado fue una explosión de expresión individual que aumentó la tasa de cambio en el arte balinés. Los estilos de la década de 1930 se consolidaron en la década de 1950 y, en años más recientes, se les ha dado el confuso título de "pintura tradicional balinesa moderna". Los pintores de Ubud, aunque eran una minoría entre los artistas que trabajaban en la década de 1930, se convirtieron en los representantes del nuevo estilo gracias a la presencia del gran artista Gusti Nyoman Lempad en ese pueblo y al patrocinio de los gobernantes tradicionales de Ubud. Los puntos clave del estilo de Ubud incluían una concentración en la representación de la vida cotidiana y el drama de Bali; el cambio del mecenas de estos artistas de los templos religiosos y las casas reales a los turistas/coleccionistas occidentales; el cambio de la composición de la imagen de un enfoque múltiple a un enfoque único. [7] A pesar de la adopción de las tradiciones pictóricas occidentales modernas por parte de muchos pintores balineses e indonesios , la "pintura tradicional balinesa moderna" sigue prosperando y continúa a cargo de los descendientes/estudiantes de los artistas de la era modernista de preguerra (1928-1942). Las escuelas de pintura tradicional balinesa moderna incluyen las escuelas de pintura de Ubud, Batuan, Sanur , Young Artist y Keliki. [7]
La modernización del arte balinés antes de la guerra surgió de tres pueblos: Ubud, donde se establecieron los espías, Sanur en la costa sur y Batuan, un centro tradicional de músicos, bailarines, talladores y pintores. Los artistas pintaban principalmente sobre papel, aunque también utilizaban lienzo y tabla. A menudo, las obras presentaban grupos repetitivos de follaje estilizado u olas que transmitían una sensación de textura, incluso de perspectiva. Cada pueblo desarrolló un estilo propio. Los artistas de Ubud hicieron un mayor uso de los espacios abiertos y enfatizaron las figuras humanas. Las pinturas de Sanur a menudo presentaban escenas eróticas y animales, y el trabajo de Batuan era menos colorido pero tendía a ser más recargado. [8]
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Ubud se convirtió en un centro de arte en la década de 1930, bajo el patrocinio de los señores de Ubud, que llegaron al poder a finales del siglo XIX. Antes de la década de 1930, es posible que se hayan encontrado pinturas tradicionales de estilo wayang de otros pueblos en Ubud, pero fueron más influyentes en el cercano pueblo de Peliatan, que hoy en día está clasificado como parte de Ubud. Artistas importantes de Ubud ya estaban adaptando versiones del estilo wayang a finales de la década de 1920, en particular Ida Bagus Kembeng de Tebesaya, que puede haber estudiado con familiares en el cercano pueblo de Tampaksiring. I Gusti Nyoman Lempad , que había llegado a Ubud bajo el patrocinio de su señor gobernante, pasó de ser arquitecto y escultor a ejecutar dibujos excepcionales alrededor de 1931. Anak Agung Gde Sobrat de Ubud también comenzó a pintar en esta época. Estos y otros artistas recibieron materiales y oportunidades para vender sus obras de manos de los artistas europeos residentes Walter Spies y Rudolf Bonnet. Desarrollaron estilos experimentales que los comentaristas europeos identificaron como un nuevo tipo de arte balinés moderno, diferenciado del arte tradicional que se rige por estrictas reglas de iconografía religiosa.
Bajo el patrocinio de la familia real de Ubud, especialmente Tjokorda Gde Agung Sukawati, y con Rudolf Bonnet como consultor principal, se fundó en 1936 el Pitamaha Art Guild como una forma de profesionalizar la pintura balinesa. Su misión era preservar la calidad del arte balinés en medio de la avalancha de turismo en Bali. Los miembros de la junta directiva de Pitamaha se reunían regularmente para seleccionar las pinturas presentadas por sus miembros y para realizar exposiciones en toda Indonesia y en el extranjero. Entre 1936 y 1939, Bonnet organizó importantes exposiciones de este arte balinés moderno en los Países Bajos, con una exposición más pequeña en Londres. Pitamaha estuvo activa hasta que la Segunda Guerra Mundial llegó a Bali en 1942. Los artistas de Ubud que eran miembros de Pitamaha provenían de Ubud y sus pueblos circundantes: Pengosekan, Peliatan y Tebasaya. Entre ellos, además de los mencionados anteriormente, se encontraban: Los tres hijos de Ida Bagus Kembeng: Ida Bagus Wiri, Ida Bagus Made e Ida Bagus Belawa; Tjokorda Oka de la casa real de Peliatan; Sobrat y sus familiares, entre ellos Anak Agung Gde Meregeg, I Dewa Putu Bedil, I Dewa Nyoman Leper, Anak Agung Dana de Padangtegal; y yo Gusti Ketut Kobot, su hermano I Gusti Made Baret, yo Wayan Gedot, Dewa Putu Mokoh de Pengosekan. También participaron artistas de otras áreas, incluidos Pan Seken de Kamasan, I Gusti Made Deblog de Denpasar y algunos de los artistas de Sanur.
Aunque de corta duración, Pitamaha se identifica con la efusión de arte moderno de la década de 1930 que lo precedió, y con los desarrollos posteriores en el arte. Los artistas de Ubud han continuado la tradición Pitamaha. Entre estos artistas de Ubud, importantes son Ida Bagus Sena (sobrino de Ida Bagus Made Poleng), AA Gde Anom Sukawati (hijo de AA Raka Pudja), I Ketut Budiana, I Nyoman Kayun e I Nyoman Meja. Budiana es el artista con una de las trayectorias de exposiciones individuales más impresionantes. Sus pinturas se encuentran en colecciones del Museo de Arte de Fukuoka, Bentara Budaya Jakarta, Museum Puri Lukisan, Neka Museum y Arma Museum. Ida Bagus Sena también ha desarrollado un estilo único y tiene un profundo conocimiento de la filosofía balinesa en sus pinturas. Anom Sukawati es el colorista balinés de mayor éxito. I Nyoman Meja desarrolló un estilo que es copiado de cerca por varios de sus estudiantes. I Nyoman Kayun recibió el premio Bali Bangkit en 2008.
La Escuela de Pintura de Batuan es practicada por artistas en el pueblo de Batuan, que está situado a 10 kilómetros (6,2 millas) al sur de Ubud. Los artesanos de Batuan son bailarines, escultores y pintores talentosos. Entre los artistas más destacados de la década de 1930 se encuentran I Nyoman Ngendon y algunos miembros de las principales familias brahmanas , como Ida Bagus Made Togog. Otros artistas importantes de Batuan de la era premodernista incluyen a I Dewa Nyoman Mura (1877-1950) e I Dewa Putu Kebes (1874-1962), que eran conocidos como sanging ; pintores tradicionales de estilo Wayang para textiles ceremoniales de templos.
La influencia occidental en Batuan no alcanzó la intensidad que tuvo en Ubud. [5] Según Claire Holt , las pinturas de Batuan eran a menudo representaciones oscuras y abarrotadas de escenas legendarias o temas de la vida cotidiana, pero retrataban sobre todo momentos nocturnos temibles en los que fantasmas grotescos, monstruos animales extraños y brujas abordaban a la gente. Esto es particularmente cierto en el caso de las pinturas recopiladas por Margaret Mead y Gregory Bateson durante sus estudios de campo en Bali de 1936 a 1939. [5] Las gradaciones de tinta negra a blanca se extendían sobre la mayor parte de la superficie para crear una atmósfera de oscuridad y penumbra. En los últimos años, los diseños cubrían todo el espacio, lo que a menudo contribuía a la naturaleza abarrotada de estas pinturas.
Entre los primeros artistas de Batuan, I Ngendon (1903-1946) fue considerado el pintor más innovador de la Escuela de Batuan. [6] Ngendon no solo era un buen pintor, sino también un astuto hombre de negocios y activista político. Alentó y movilizó a sus vecinos y amigos para que pintaran para el consumo turístico. Su habilidad para el retrato jugó un papel importante en enseñar a sus compañeros de aldea en Batuan más que Spies y Bonnet. [6] Los principales artistas de Batuan de este período fueron: I Patera (1900-1935), I Tombos (nacido en 1917), Ida Bagus Togog (1913-1989), Ida Bagus Made Jatasura (1917-1946), Ida Bagus Ketut Diding (1914-1990), I Made Djata (1920-2001) e Ida Bagus Widja (1912-1992). El espíritu del período Pitamaha sigue siendo fuerte y continúa en los artistas contemporáneos de Batuan, como I Made Budi, I Wayan Bendi (nacido en 1950), I Ketut Murtika (nacido en 1952), I Made Sujendra (nacido en 1964) y muchos otros. Las pinturas de I Made Budi e I Wayan Bendi capturan la influencia del turismo en la vida moderna de Bali. Colocan a turistas con sus cámaras, conduciendo una motocicleta o surfeando durante las actividades tradicionales de la aldea balinesa. La dicotomía de la vida moderna y tradicional balinesa se contrasta marcadamente en armonía. I Ketut Murtika todavía pinta la historia tradicional del Mahabharata y el Ramayana con detalles minuciosos y colores tenues. Su pintura de la Rueda de la Vida vista desde el sistema de creencias balinés muestra su dominio de las leyendas locales y su minuciosa atención al detalle. [9]
A diferencia de Ubud y Batuan, que se encuentran en el interior de Bali, Sanur es un destino turístico de playa. Sanur fue el hogar del conocido artista belga Le Mayeur de Mepres, que vivía con una esposa balinesa (Ni Polok) y tenía una casa en la playa de Sanur, aunque no tenía ningún tipo de interacción con los artistas locales.
En la década de 1930, los turistas llegaban a Bali en cruceros atracados en Sanur y hacían excursiones a Ubud y a los sitios turísticos vecinos. Su privilegiada ubicación proporcionaba al artista de Sanur un fácil acceso a los turistas occidentales que frecuentaban la tienda de los hermanos Neuhaus, que vendían recuerdos balineses y tenían un acuario de peces tropicales. Los hermanos Neuhaus se convirtieron en los principales comerciantes de pinturas de Sanur y otras obras de arte locales. La playa que rodea Sanur, llena de canoas y horizontes abiertos, proporcionaba a los artistas locales un entorno visual diferente al de Ubud y Batuan, que se encuentran en el interior. La atmósfera lúdica impregna las pinturas de Sanur y no está dictada por la iconografía religiosa. [7] Es más ligera y aireada que las de Batuan y Ubud, con criaturas marinas, paisajes eróticos y animales salvajes dibujados en patrones rítmicos. Es posible que estas obras, y las de Batuan, influyeran en el artista europeo MC Escher. La mayoría de sus primeros trabajos eran aguadas de tinta en blanco y negro sobre papel, pero a pedido de Neuhaus, los trabajos posteriores fueron adornados con colores pastel claros, a menudo agregados por un pequeño número de artistas que se especializaron en colorear dibujos en blanco y negro, en particular I Pica e I Regug, quienes dejaron sus iniciales balinesas en los márgenes.
La escuela de pintura de Sanur es la más estilizada y decorativa de todo el arte balinés moderno. Los principales artistas de Sanur son I Rundu, Ida Bagus Nyoman Rai , Ida [Bagus] Made Pugug, I Soekaria, I [Gusti] Made Rundu e I Pica. I Rudin, que vivía cerca, en Renon, comenzó a pintar a mediados de la década de 1930 y en la década de 1950 se dedicó a dibujar bailarinas balinesas a la manera de los dibujos de Miguel Covarrubias .
El desarrollo de la Escuela de Jóvenes Artistas de pintura se atribuye al artista holandés Arie Smit , un soldado holandés que sirvió durante la Segunda Guerra Mundial y decidió quedarse en Bali. A principios de la década de 1960, se encontró con niños en el pueblo de Penestanan , cerca de Tjampuhan, que dibujaban en la arena. Animó a estos niños a pintar proporcionándoles papel y pinturas. [6]
Sus pinturas se caracterizan por dibujos "infantiles" que carecen de detalles y colores brillantes dibujados con pintura al óleo sobre lienzo. En la década de 1970, atrajo a unos trescientos pintores campesinos para producir pinturas para turistas. En 1971, Datuk Lim Chong Kit realizó una exposición de obras de artistas jóvenes de su colección en la Galería Alpha de Singapur titulada Pintores campesinos de Bali. Una versión de esa exposición se realizó en 1983 en la Galería Nacional de Malasia .
El cuadro de I Wayan Pugur (nacido en 1945) que se muestra aquí fue realizado cuando tenía 13 años y se expuso en el Museo de Arte Moderno de San Francisco en 1964, como parte de una exposición itinerante en los Estados Unidos en 1964-1965, que también se exhibió en el Instituto Smithsoniano. Este dibujo temprano, realizado en papel, exhibe el uso de colores brillantes y una composición equilibrada. El espacio del dibujo está dividido en tres áreas de color sólido: azul oscuro, amarillo brillante y magenta, lo que muestra la influencia de la tradición de la pintura Wayang. Las hojas del gran árbol con las serpientes muestran la yuxtaposición de colores complementarios. Los rostros de las figuras fueron dibujados sin detalles, pero las serpientes tienen ojos y lenguas largas.
Los principales artistas de la Escuela de Jóvenes Artistas son I Wayan Pugur, I Ketut Soki , [10] I Ngurah KK, I Nyoman Londo, I Ketut Tagen, MD Djaga, I Nyoman Cakra, Ni Ketut Gampil, I Nyoman Mundik, I Wayan Regug y muchos otros.
En la década de 1990, las pinturas en miniatura surgieron de Keliki, un pequeño pueblo al norte de Ubud, lideradas por un granjero local, I Ketut Sana. [8] Los tamaños varían desde tan solo 2 x 3 pulgadas hasta tan grandes como 10 x 15 pulgadas. I Ketut Sana aprendió a pintar de I Gusti Nyoman Sudara Lempad de Ubud y de I Wayan Rajin de Batuan. Combinó el dibujo lineal de Lempad y los detalles de la escuela de Batuan. Cada centímetro del espacio está cubierto con minuciosos detalles de la vida del pueblo balinés y leyendas dibujadas en tinta y coloreadas con acuarela. El resultado es una combinación entre la juventud de la escuela de Ubud y los detalles de la escuela de Batuan. Los artistas de Keliki estaban orgullosos de su paciencia al pintar minuciosos detalles de cada objeto que ocupaba el espacio de dibujo.
A la izquierda se ilustra un dibujo de I Lunga (c. 1995) que representa la historia de Rajapala. A menudo se hace referencia a Rajapala como el primer mirón balinés o “mirón”. Según la historia, Rajapala ve a un grupo de ninfas celestiales bañándose en una piscina. Se acerca sigilosamente y, sin que ellas lo sepan, roba la falda (kamben) de la más bonita, Sulaish. Como su ropa contiene poderes mágicos que le permiten volar, la ninfa no puede regresar a casa. Rajapala le ofrece casarse con ella. Ella acepta con la condición de que regrese al cielo después del nacimiento de un hijo. Con el tiempo, ella y Rajapala tienen un hijo pequeño y sano. Pasan los años y un día, Sulaish descubre accidentalmente su ropa escondida en la cocina. Comprendiendo que la han engañado, se despide de su marido y de su hijo y regresa a su morada celestial.
Los principales artistas de la Escuela de Artistas Keliki son Sang Ketut Mandera (Dolit), [8] I Ketut Sana, I Wayan Surana, I Lunga, I Wayan Nengah, I Made Ocen, Gong Juna, I Made Widi, I Wayan Lanus, I Wayan. Lodra, [8] Ida Bagus Putra, Gusti Ngurah Putra Riong y muchos otros.
I Gusti Ngurah Gede Pemecutan, un balinés de ascendencia real, pinta sus cuadros con huellas dactilares. Si utilizamos la técnica del pincel, podemos borrarlas si es necesario, pero la técnica de las huellas dactilares debe colocar cada punto con precisión. Sus pinturas con huellas dactilares no tienen firma, pero sí muchas de ellas. La técnica de la pintura con huellas dactilares se considera parte de la técnica de pintura del puntillismo (con el pincel). [11]
Al igual que la pintura balinesa, la talla de madera balinesa sufrió una transformación similar durante las décadas de 1930 y 1940. El estallido creativo que surgió durante este período de transición a menudo se atribuye a influencias occidentales. En 2006, una exposición en el Museo Nusantara, Delft, Países Bajos, Leidelmeijer [12] rastreó la influencia del Art Déco en la talla de madera balinesa. Leidelmeijer conjeturó además que la influencia del Art Déco continuó hasta bien entrada la década de 1970.
Durante los años de transición, el Gremio de Artistas Pitamaha fue el principal impulsor no solo de las pinturas balinesas, sino también del desarrollo de las tallas de madera balinesas modernas. I Tagelan (1902-1935) produjo una talla alargada de una mujer balinesa a partir de un trozo largo de madera que le regaló Walter Spies, quien originalmente le pidió que produjera dos estatuas. [6] Esta talla se encuentra en la colección del Museo Puri Lukisan en Ubud.
Otros maestros de la talla de madera modernista balinesa fueron: Ida Bagus Nyana, Tjokot (1886-1971), [2] e Ida Bagus Tilem. Ida Bagus Nyana era conocido por experimentar con la masa en la escultura. Al tallar personajes humanos, acortaba algunas partes del cuerpo y alargaba otras, aportando así una calidad inquietante y surrealista a su obra. Al mismo tiempo, no trabajaba demasiado la madera y adoptaba temas sencillos e ingenuos de la vida cotidiana. De este modo, evitó la trampa del "barroco", a diferencia de muchos talladores de su época.
Tjokot se ganó la reputación de explotar la calidad expresiva inherente a la madera. Iba al bosque en busca de troncos y ramas de formas extrañas y, cambiándolos lo menos posible, los transformaba en fantasmas retorcidos y figuras demoníacas. [2]
Ida Bagus Tilem, hijo de Nyana, continuó las innovaciones de Nyana y Tjokot tanto en su trabajo con la madera como en la elección de los temas. A diferencia de los escultores de la generación anterior, se atrevió a alterar las proporciones de los personajes representados en sus tallas. Dejó que las deformaciones naturales de la madera guiaran la forma de su talla, utilizando troncos nudosos muy adecuados para representar cuerpos humanos retorcidos. Consideraba cada tronco o rama deformada como un medio para expresar sentimientos humanos. En lugar de representar mitos o escenas de la vida cotidiana, Tilem adoptó temas "abstractos" con contenido filosófico o psicológico: utilizó trozos de madera distorsionados que están dotados de fuertes poderes expresivos. [2] Ida Bagus Tilem, sin embargo, no solo fue artista sino también profesor. Formó a docenas de jóvenes escultores de la zona que rodea el pueblo de Mas. Les enseñó a seleccionar la madera por su poder expresivo y a establecer un diálogo entre la madera y el hombre que se ha convertido en la corriente principal de la talla de madera balinesa actual.
Hay muchos museos en todo el mundo que albergan una importante colección de pinturas balinesas. [13]
