Alison Saar (nacida el 5 de febrero de 1956) es una escultora, artista de medios mixtos e instalaciones que vive en Los Ángeles . Su obra de arte se centra en la diáspora africana y la identidad femenina negra y está influenciada por el arte popular y la espiritualidad de África , el Caribe y América Latina . [1] Saar es conocida por "transformar objetos encontrados para reflejar temas de identidad cultural y social, historia y religión". [2] Saar atribuye a sus padres, la artista de collage y ensamblaje Betye Saar (née Brown) y el pintor y conservador de arte Richard Saar, su temprana exposición al arte y a estas prácticas metafísicas y espirituales. [3] Saar siguió los pasos de sus padres junto con sus hermanas, Lezley Saar y Tracye Saar-Cavanaugh, que también son artistas. [4] [5] Saar ha sido una artista en ejercicio durante muchos años, exponiendo en galerías de todo el mundo e instalando obras de arte público en la ciudad de Nueva York. Ha recibido premios por sus logros de instituciones como la Comisión de Arte de la Ciudad de Nueva York y el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston.
Saar nació en Los Ángeles, California , hija de una conocida escultora y artista de instalaciones afroamericana , Betye Saar , y Richard Saar, ceramista y conservador de arte. [6] La madre de Saar, Betye, participó en el Movimiento de las Artes Negras de la década de 1970 y con frecuencia llevaba a Alison y sus hermanas, Lezley y Tracye, a museos e inauguraciones de arte durante su infancia. [7] También vieron arte marginal , como Watts Towers de Simon Rodia en Los Ángeles y Bottle Village de Grandma Prisbrey en Simi Valley . [8] El amor de Saar por la naturaleza, el intenso interés en el arte popular vernáculo y la admiración por la capacidad de los artistas para crear belleza mediante el uso de elementos desechados surgieron de su educación y exposición a estas experiencias y tipos de arte. [9] Alison trabajó con su padre como conservadora durante ocho años, comenzando cuando todavía estaba en la escuela secundaria. [10] Allí aprendió a tallar y señala que más tarde influyó en los materiales que usaría en sus piezas. [10] El trabajo con artefactos de diferentes culturas (frescos chinos, momias egipcias y arte precolombino y africano ) le enseñó a Alison las propiedades de varios materiales, técnicas y estéticas . [10] La familia ha seguido desempeñando un papel importante en el trabajo de Saar, desde su inspiración hasta su proceso. En palabras de la autora y entrevistadora Hadley Roach, "En la vida de Saar, la mesa de la cocina es el caballete, los niños son los asistentes y la madera a la deriva se arrastra periódicamente desde el patio trasero para convertirse en las piernas de alguien". [11]
Saar recibió una licenciatura doble en historia del arte y bellas artes del Scripps College (Claremont, CA) en 1978, después de haber estudiado con la Dra. Samella Lewis . [12] [13] Después de terminar sus estudios, Saar se sintió más obligada a dedicarse a ser artista en lugar de estudiar arte. [13] Su tesis se centró en el arte popular afroamericano . [14] Recibió un MFA del Otis College of Art and Design (Los Ángeles, CA) en 1981. [15] Mientras estudiaba en Otis College of Art and Design, Saar creó piezas con arte de fibra que hacían referencia a Mark Rothko y al arte tántrico . Se dio cuenta de que quería cambiar su forma de arte a algo que fuera más expresivo y atractivo. [16] Además de sus distinguidas carreras separadas, Saar y su madre Betye Saar han producido obras de arte juntas, como House of Gris Gris (1989). [17] De su madre, Alison “heredó una fascinación por el misticismo, los objetos encontrados y el potencial espiritual del arte”. [8]
En 1981, después de graduarse en el Otis College of Art and Design , Saar y su marido, Tom Leesar, también artista, se mudaron a la ciudad de Nueva York. Juntos transformaron un almacén en Chelsea en un apartamento tipo loft, y las baldosas de hojalata que encontró dentro de su apartamento y otros edificios del siglo XIX y principios del XX se convirtieron en una imagen recurrente en sus obras escultóricas posteriores. [16]
En 1983, Saar fue artista residente en Harlem en el Studio Museum . En 1985, realizó otra residencia en Nuevo México, donde integró su estilo urbano con influencias de los nativos americanos del suroeste y de México. [18]
Saar vivió en Nueva York durante 15 años, tuvo dos hijos, Kyle y Maddy [19] y regresó a Los Ángeles, donde vive actualmente. [16]
Saar es experta en numerosos medios artísticos, incluyendo esculturas de metal, madera, frescos, xilografías y obras que utilizan objetos encontrados. [16] [20] [21] [14] Sus esculturas e instalaciones exploran temas de la diáspora cultural africana y la espiritualidad. [20] Su trabajo es a menudo autobiográfico y a menudo reconoce el papel histórico del cuerpo como marcador de identidad y la conexión del cuerpo con la política de identidad contemporánea. [1] Snake Man (1994), en la colección del Museo de Arte de Honolulu , es un ejemplo de cómo la artista hace referencia tanto a la cultura africana como al cuerpo humano en su trabajo. La educación multiétnica de la artista, la identidad multirracial y sus estudios del arte y la religión latinoamericanos, caribeños y africanos han informado su trabajo. [22] [14] Saar investiga las prácticas del candomblé , la santería y el hoodoo . [23] Creyendo que los objetos contienen espíritus, transforma objetos familiares encontrados para despertar emociones humanas. [24] [10]
Sus esculturas, muy personales y a menudo de tamaño natural, se caracterizan por su franqueza emocional y, al contrastar materiales y mensajes, impregna su obra de un alto grado de subtexto cultural. [25] Cuando se le pregunta por la motivación que hay detrás de su práctica de utilizar materiales encontrados, afirma: "Nunca he pensado realmente en mis grabados como algo político, sino más bien en algo populista, accesible y asequible. Me encanta la historia de los panfletos donde la gente imprimía un poema y lo empapelaba por la ciudad, y he hecho un par de ellos con poetas". [26]
Las esculturas de Saar representan con frecuencia cuestiones relacionadas con el género y la raza a través de su experiencia personal y su contexto histórico. [27] Muchas de las obras de Saar incluyen mensajes y temas de la historia de los afroamericanos. Su exhibición de 2018, Topsy Turvy , hace referencia al personaje Topsy de la novela La cabaña del tío Tom de Harriet Beecher Stowe , un estereotipo racial de larga data. [28] Saar reimagina el estereotipo de Stowe como un símbolo de resiliencia y resistencia, un personaje transformado a través del amor después de experimentar el trato cruel de la esclavitud que la dejó fría y sin corazón. [16]
Saar ha identificado su obra con la intención de evocar emociones, pero no ha identificado su trabajo como directamente político. Sin embargo, en una reseña de la Bienal del Whitney de 1993, la crítica de arte del New York Times, Roberta Smith, dijo que el trabajo de Saar estaba entre los "pocos casos en los que lo político y lo visual unen fuerzas con verdadera eficacia". [29] Algunas de las obras de Saar hacen referencia directa a cuestiones contemporáneas, como Rise (2020), como una oda al movimiento Black Lives Matter en la colección del Museo Whitney de Arte Estadounidense de Nueva York. Sobre la exposición Coup de Saar de 2006, la crítica Rebecca Epstein escribió: "[Saar] demuestra una habilidad hábil con materiales aparentemente implacables (bronce, plomo, alquitrán, madera). [Ella] hace malabarismos con temas de identidad personal y cultural mientras crea cuerpos femeninos de varios tamaños (a menudo el suyo) que están llenos de historia a la vez que son sólidos en su postura". [30]
Saar ha creado varias obras públicas a lo largo de su carrera. Una de sus obras más publicitadas de principios de la década de 2000 incluye un monumento a Harriet Tubman titulado Swing Low . Esta pieza se encuentra en Harriet Tubman Memorial Plaza , South Harlem, en la intersección de St. Nicholas Ave y Frederick Douglas Boulevard en W 122nd Street. Se cita a Saar describiendo sus intenciones para la representación de Tubman dentro de la obra, afirmando que retrató a Tubman "no como la conductora del ferrocarril sino como el tren en sí, una locomotora imparable". [31]
Una colección pública de sus obras de 2011 en exhibición en Madison Square Park titulada "Estaciones" incluye las piezas individuales Primavera , Otoño , Invierno y Verano . A lo largo de estas piezas, Saar infundió granadas en sus imágenes para reiterar los temas de la mitología griega que enmarcan la creación de esta obra. Inspirada por la historia de Deméter y Perséfone , Saar incorpora los motivos del cuento en su serie de estaciones.
La inauguración de los Juegos Olímpicos de París de 2024 marcó la inauguración de una nueva obra de arte pública de Saar en el Jardín Charles-Aznavour, en la Avenida de los Campos Elíseos de la ciudad . El monumento, titulado El Salón , representa a una mujer negra sosteniendo una rama de olivo y una llama dorada, rodeada de un círculo de sillas en las que los espectadores pueden sentarse. Su objetivo es representar la paz, así como el poder de las mujeres. [32]
Hay varios temas recurrentes en la obra de Saar, incluidos los de la mitología, la niñez y las relaciones familiares. [33] En una entrevista con la revista New York Times, Saar habló de su relación con la diosa yoruba del parto y los ríos, Yemoja: "Yemoja aparece mucho en mi obra. La descubrí por primera vez cuando vivía en Nueva York en los años 90, tratando de lidiar con el hecho de ser una madre joven y tener una carrera; me pareció un verdadero acto de equilibrio. Hice una pieza llamada "Cool Maman", que equilibra ollas y sartenes reales sobre su cabeza, todas de esmalte blanco. Veo a Yemoja no solo como una ayuda para mí en términos de paciencia, equilibrio y crianza de los hijos, sino también como un espíritu acuático que da vida y nutre mi proceso creativo". [26]
El trabajo de Saar ha sido exhibido en museos, bienales, galerías y lugares de arte público. El trabajo de Saar ha sido exhibido internacionalmente con exhibiciones clave en el Museo de Historia Cultural Fowler de UCLA , LA Louver Gallery , Phyllis Kind Gallery en la ciudad de Nueva York, Ben Maltz Gallery y Pasadena Museum of California Art . [34] Fue artista residente en Dartmouth College y en The Studio Museum en Harlem. [35] [8] Sus exhibiciones institucionales individuales incluyen: Directions en el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden en 1993. Alison Saar: Bearing en el Museum of the African Diaspora en 2015-16; [36] [37] Winter en The Fields Sculpture Park, Omi International Arts Center en 2014-15; [38] Hothouse en el Watts Towers Art Center en 2014-15; [39] y TODAVÍA... que se inauguró en la Galería Ben Maltz , Otis College of Art and Design en 2012 y viajó al Museo de Arte Figge , Massachusetts College of Art and Design en 2013. [40] [41] [42]
Entre sus exposiciones colectivas más importantes se incluyen: In Profile: Portraits from the Permanent Collection en The Studio Museum de Harlem en 2015; [43] African American Art since 1950: Perspectives from the David C. Driskell Center , una exposición itinerante y catálogo que se presentó en la Universidad de Maryland en 2012, el Museo de Arte Taft en 2013, el Centro Harvey B. Gantt en 2014, el Museo de Arte Figge en 2014-15, el Museo de Arte Polk en 2015 y el Museo de Arte Sheldon en 2016. [44] Made in California: Art, Image, and Identity, 1900-2000, una gran exposición y catálogo producidos por el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles en 2000; [45] Twentieth Century American Sculpture in the White House Garden en The White House , Washington, DC, en 1995; [46] y "Building on the Legacy: African American Art from the Permanent Collection" en el Museo de Arte Muscarelle en Williamsburg, Virginia en 2018. En 2021, Saar curó SeenUNseen en LA Louver , que coincidió con una lectura de Myriam JA Chancy . [47]
Una exposición en el Museo de Arte Ackland titulada Legados familiares: el arte de Betye, Lezley y Alison Saar presentó a Alison junto con su madre y su hermana. Esta exposición exhibió obras de los tres artistas a lo largo de más de 40 años e incluyó cincuenta piezas de técnica mixta. Los temas superpuestos de la colección se exhibieron en las etiquetas de las paredes de ciertas obras: "“arte, familia e identidad”; “interpretar estereotipos y ofrecer historias alternativas”; “reconsiderar la esclavitud”; “interpretar la ascendencia mestiza”; y “revelar el espíritu a través del arte”. Esta exposición se centró en la naturaleza interconectada de la familia y el arte. [48]
La obra de Saar Hi, Yella fue incluida en la Bienal Whitney de 1993 celebrada en el Museo Whitney de Arte Americano , un referente en las exposiciones estadounidenses por su tono crítico y contenido. [49] [29] [50] [51]
En 2021, el Museo de Arte Benton y el Centro de Artes Armory examinaron su trabajo en una exposición conjunta titulada "Alison Saar: Of Aether and Earthe". [52]
Saar está representado por LA Louver en Venecia, California.
[34] [ Se necesita una fuente mejor ]
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