Hannah Wilke (nacida Arlene Hannah Butter ; (7 de marzo de 1940 - 28 de enero de 1993) [1] fue una pintora , escultora , fotógrafa , videoartista y artista de performance estadounidense . Su trabajo es conocido por explorar cuestiones de feminismo , sexualidad y feminidad . [2]
Hannah Wilke nació el 7 de marzo de 1940 en la ciudad de Nueva York de padres judíos ; sus abuelos eran inmigrantes de Europa del Este. Se graduó de la Great Neck North High School , en Long Island, en 1957. [3] En 1962, recibió una Licenciatura en Bellas Artes y una Licenciatura en Ciencias de la Educación de la Tyler School of Art , Temple University , Filadelfia. Enseñó arte en varias escuelas secundarias durante aproximadamente 30 años y se unió al cuerpo docente de la School of Visual Arts . Después de su graduación el mismo año enseñó arte en dos escuelas secundarias. Primero, Plymouth Meeting, Pensilvania (1961-1965), entre 1965 y 1970 trabajó en White Plains, Nueva York. Después de dejar White Plains, se unió a la School of Visual Arts, en Nueva York (1972-1991). [4]
De 1969 a 1977, Wilke mantuvo una relación con el artista pop estadounidense Claes Oldenburg ; vivieron, trabajaron y viajaron juntos durante ese tiempo. [5] [6] [7] El trabajo de Wilke se exhibió [8] a nivel nacional e internacional a lo largo de su vida y continúa mostrándose póstumamente. [9] Las primeras exposiciones individuales de su trabajo se montaron en Nueva York y Los Ángeles en 1972. Su primera exposición completa en un museo se realizó en la Universidad de California, Irvine , en 1976, y su primera retrospectiva en la Universidad de Missouri en 1989.
Se realizaron retrospectivas póstumas en Copenhague , Helsinki y Malmö , Suecia en 2000 y en el Museo de Arte Neuberger de 2008 a 2009. Desde su muerte, el trabajo de Wilke se ha exhibido en muestras individuales en galerías, exposiciones grupales y varias encuestas sobre el arte de las mujeres, incluyendo WACK! Art and the Feminist Revolution [10] en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles , Elles en el Centro Georges Pompidou y Revolution in the Making: Abstract Sculpture by Women, 1947 – 2016 en Hauser & Wirth Los Ángeles. [11]
La Colección y Archivo Hannah Wilke de Los Ángeles fue fundada en 1999 por la hermana de Hannah Wilke, Marsie Scharlatt, y su familia [12] , y ha estado representada por la Galería Alison Jacques de Londres desde 2009. [13]
Su imagen está incluida en el icónico cartel de 1972 Algunas mujeres artistas estadounidenses vivas de Mary Beth Edelson . [14]
Wilke ganó renombre por primera vez con sus esculturas de terracota " vulvares " en la década de 1960. [15] Sus esculturas, exhibidas por primera vez en Nueva York a fines de la década de 1960, a menudo se mencionan como algunas de las primeras imágenes vaginales explícitas que surgen del movimiento de liberación de las mujeres , [15] y se convirtieron en su forma característica que hizo en varios medios, colores y tamaños, incluidas grandes instalaciones de piso, a lo largo de su vida. [8] [16] Algunos de sus medios incluían arcilla, chicle, borradores amasados, pelusa de lavandería y látex. [2] El uso de materiales no convencionales es típico del arte feminista, lo que hace un guiño a la falta histórica de acceso de las mujeres a los materiales de arte tradicionales y la educación. [17] Además, Wilke informó que la razón por la que eligió la goma de mascar fue porque "es la metáfora perfecta para las mujeres estadounidenses: mastícala, obtén lo que quieres de ella, tírala y pon una pieza nueva". [18] Las esculturas de Wilke fueron un ejemplo innovador de erotismo utilizando un estilo que combinaba el posminimalismo y la estética feminista. [19] Wilke, una dibujante consumada, creó numerosos dibujos, comenzando a principios de la década de 1960 y continuando durante toda su vida. En una reseña de los dibujos de Wilke en Ronald Feldman Fine Arts en 2010, Thomas Micchelli escribió en The Brooklyn Rail : "En esencia, era una creadora de cosas... una artista cuya sensualidad y humor se combinan con su perspicacia formal y rigor táctil". [20] Hizo performances en vivo y en video, comenzando en 1974 con Hannah Wilke Super-t-Art , una performance en vivo en The Kitchen, Nueva York, que también convirtió en una obra fotográfica icónica. Las performances de Wilke evocan a artistas como Simone Forti , Trisha Brown e Yvonne Rainer . El arte escultórico que creó Wilke, con sus materiales poco convencionales y narrativas feministas, también se relaciona con el trabajo de Louise Bourgeois , Eva Hesse , Alina Szapocznikow y Niki de St Phalle .
En 1974, Wilke comenzó a trabajar en su pieza de arte corporal fotográfico SOS - Starification Object Series, en la que fusionó su escultura minimalista y su propio cuerpo creando pequeñas esculturas vulvares con chicle y pegándoselas a sí misma. [15] Luego se fotografió en varias poses de pin-up , proporcionando una yuxtaposición de glamour y algo parecido a la escarificación tribal . [15] Wilke ha relacionado las cicatrices en su cuerpo con una conciencia del Holocausto . Estas poses exageran y satirizan los valores culturales estadounidenses de la belleza y la moda femeninas y también insinúan un interés en la escarificación ceremonial. [21] Los 50 autorretratos se crearon originalmente como un juego, "SOSStarificaion Object Series: An Adult Game of Mastication", 1974-75, que Wilke convirtió en una instalación que ahora se encuentra en el Centro Pompidou , París. También realizó esta pieza públicamente en París en 1975, haciendo que los miembros de la audiencia masticaran el chicle para ella antes de esculpirlos y colocarlos en papeles que colgó en la pared. [21] Wilke también usó chicles de colores como medio para esculturas individuales, usando múltiples trozos de chicle para crear una compleja superposición que representa la vulva. [22] El uso de vaginas y vulvas por parte de Wilke se refiere a su idea de la "feminidad natural", para apoyar su argumento de que las mujeres son biológicamente superiores. [18] Más tarde, en 1976, una vez más evocó las poses de pin-up en su autorretrato, Marxismo y arte: cuidado con el feminismo fascista .
Wilke acuñó el término "autorretratos performalistas" para reconocer a los fotógrafos que la ayudaron, incluido su padre ( First Performalist Self-Portrait , 1942-77) y su hermana, Marsie (Butter) Scharlatt ( Arlene Hannah Butter y Cover of Appearances , 1954-77). El título de la obra fotográfica y performática de Wilke, So Help Me Hannah , 1979, fue tomado de una frase vernácula de los años 1930 y 1940 y ha sido interpretado como un juego con el estereotipo de la madre judía y una referencia a la relación de Wilke con su madre. [23]
Además de Hannah Wilke Super-t-Art , 1974, otras performances conocidas en las que Wilke utilizó su cuerpo incluyen Gestures , 1974; Hello Boys , 1975; Intercourse with... (instalación de audio) 1974-1976; Intercourse with... (video) 1976; y Hannah Wilke Through the Large Glass , realizada en el Museo de Arte de Filadelfia en 1977.
Hannah Wilke murió en Houston, Texas, en 1993 de un linfoma . [1] [24] Su último trabajo, Intra-Venus (1992-1993), es un registro fotográfico publicado póstumamente de su transformación física y deterioro como resultado de la quimioterapia y el trasplante de médula ósea. [25] Las fotografías, que fueron tomadas por su esposo Donald Goddard, con quien había vivido desde 1982 y se casó en 1992 poco antes de su muerte, confrontan al espectador con imágenes personales de Wilke progresando desde la felicidad de la mediana edad a la calvicie, dañada y resignada. [25] Intra-Venus refleja su díptico fotográfico Retrato de la artista con su madre, Selma Butter , 1978-82, que retrataba las luchas de su madre con el cáncer de mama y "haber incorporado literalmente a su madre, enfermedad y todo". [26] Intra-Venus fue exhibida y publicada póstumamente en parte como respuesta a los sentimientos de Wilke de que los procedimientos clínicos ocultan a los pacientes como si morir fuera una "vergüenza personal". [27]
Las obras de Intra-Venus también incluyen dibujos en acuarela de rostros y manos, Pinceladas, una serie de dibujos hechos con su propio cabello y las Cintas de Intra-Venus , una instalación de cintas de vídeo de 16 canales. [28]
Wilke se presenta a menudo como una modelo de glamour posando. Sin embargo, su uso del yo en la fotografía y el arte escénico se ha interpretado como una celebración y validación del yo, las mujeres, lo femenino y el feminismo . [29] [30] Por el contrario, también se ha descrito como una deconstrucción artística de los modos culturales de vanidad femenina, narcisismo y belleza. [31] [32]
Wilke se refirió a sí misma como una artista feminista desde el principio. [33] La crítica de arte Ann-Sargent Wooster dijo que la identificación de Wilke con el movimiento feminista era confusa debido a su belleza: sus autorretratos parecían más una página central de Playboy que los típicos desnudos feministas. [33] Según Wooster,
El problema que Wilke enfrentó para que la tomaran en serio fue que era una mujer convencionalmente bella, y su belleza y su narcisismo egocéntrico le distraían de su inversión del voyeurismo inherente a las mujeres como objetos sexuales. En sus fotografías de sí misma como diosa, encarnación viviente de grandes obras de arte o como chica de calendario, arrebató los medios de producción de la imagen femenina de las manos masculinas y los puso en las suyas. [33]
Si bien los críticos consideraban que la belleza de Wilke era un impedimento para comprender su obra, esto cambió a principios de los años 1990, cuando Wilke comenzó a documentar el deterioro de su cuerpo, devastado por un linfoma. El uso que hace Wilke del autorretrato ha sido explorado en detalle en sus escritos sobre su última serie fotográfica, Intra Venus . [34]
Wilke respondió una vez a los críticos que comentaron que su cuerpo era demasiado hermoso para su trabajo diciendo: "La gente me dice tonterías como '¿Qué habrías hecho si no fueras tan hermosa?' ¿Qué diferencia hay? ... La gente hermosa muere, al igual que los estereotipos de 'feos'. Todo el mundo muere. [35] "
Durante su vida, Wilke fue ampliamente expuesta y recibió elogios de la crítica, aunque también fue vista como controvertida. Sin embargo, hasta hace poco, los museos dudaban en adquirir obras de mujeres artistas que, incluida Wilke, participaron en protestas denunciando su falta de inclusión durante el movimiento feminista de la década de 1970. [36] Mientras aún estaba viva, el trabajo de Wilke estuvo en algunas colecciones permanentes, mostrando el uso confrontativo de la sexualidad femenina. Desde su muerte, el trabajo de Wilke ha sido adquirido para las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles , el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles y en museos europeos como el Centro Pompidou de París. [37]
Recibió una Beca de Servicio Público para Artistas Creativos (1973); Becas del Fondo Nacional para las Artes (1987, 1980, 1979, 1976); Becas de la Fundación Pollock-Krasner (1992, 1987); una Beca Guggenheim (1982) y un Premio de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (1993). [2] [ se necesita una mejor fuente ]
La obra de Wilke se conserva en las siguientes colecciones permanentes: