Jacopo Carucci o Carrucci ( IPA: [ˈjaːkopo ka(r)ˈruttʃi] ; 24 de mayo de 1494 - 2 de enero de 1557), generalmente conocido como Jacopo ( da ) Pontormo o simplemente Pontormo ( IPA: [ponˈtormo] ), fue un manierista italiano pintor y retratista de la Escuela Florentina . Su obra representa un profundo cambio estilístico respecto de la tranquila regularidad de perspectiva que caracterizó el arte del Renacimiento florentino . [1] Es famoso por su uso de poses entrelazadas, junto con una perspectiva ambigua; sus figuras a menudo parecen flotar en un entorno incierto, libres de las fuerzas de la gravedad.
Jacopo Carucci nació en Pontorme (entonces conocido como Pontormo o Puntormo), cerca de Empoli , hijo de Bartolomeo di Jacopo di Martino Carrucci y Alessandra di Pasquale di Zanobi. Vasari relata cómo el niño huérfano, "joven, melancólico y solitario", fue transportado como un joven aprendiz:
Jacopo no llevaba muchos meses en Florencia cuando Bernardo Vettori lo envió a vivir con Leonardo da Vinci , y luego con Mariotto Albertinelli , Piero di Cosimo , y finalmente, en 1512, con Andrea del Sarto , con quien no permaneció mucho tiempo, por Después de haber hecho los cartones para el arco de los Servitas, no parece que Andrea le tuviera buena voluntad, cualquiera que haya sido la causa.
Pontormo pintó en Florencia y sus alrededores , a menudo con el patrocinio de los Medici . Una incursión a Roma, en gran parte para ver la obra de Miguel Ángel , influyó en su estilo posterior. Rostros embrujados y cuerpos alargados son característicos de su obra. Un ejemplo del estilo temprano de Pontormo es un fresco que representa la Visitación de la Virgen y Santa Isabel , con sus figuras equilibradas y danzantes, pintado entre 1514 y 1516.
Esta Visitación temprana hace una comparación interesante con su pintura del mismo tema que fue realizada aproximadamente una década después, ahora ubicada en la iglesia parroquial de San Miguel Arcángel en Carmignano , a unos 20 km al oeste de Florencia. Al colocar estas dos imágenes juntas, una de su estilo temprano y otra de su período de madurez, se pone de relieve el desarrollo artístico de Pontormo. En la obra anterior, Pontormo tiene un estilo mucho más cercano a su maestro, Andrea del Sarto, y a los principios artísticos del renacimiento de principios del siglo XVI. Por ejemplo, las figuras se encuentran a poco menos de la mitad de la altura de la imagen general, y aunque están un poco más abarrotadas de lo que preferiría el verdadero equilibrio del alto renacimiento, al menos están ubicadas en un entorno arquitectónico clasicista a una distancia cómoda del espectador. En la obra posterior, el espectador se acerca casi incómodamente a la Virgen y Santa Isabel , quienes se acercan entre sí en nubes de cortinas . Además, el entorno arquitectónico claro que está cuidadosamente construido en la pieza anterior ha sido completamente abandonado en favor de un entorno urbano peculiar y anodino.
Los lienzos de Joseph (ahora en la National Gallery de Londres) ofrecen otro ejemplo del estilo en desarrollo de Pontormo. Realizadas aproximadamente al mismo tiempo que la Visitación anterior , estas obras (como José en Egipto , a la izquierda) muestran una inclinación mucho más manierista. Según Giorgio Vasari , el niño sentado en un escalón es su joven aprendiz Bronzino .
En los años transcurridos entre las Visitaciones de las SS Annunziata y San Michele , Pontormo participó en la decoración al fresco del salón de la villa de campo de los Medici en Poggio a Caiano (1519-20), 17 km al NO de Florencia. Allí pintó frescos en un estilo de género pastoral , muy poco común en los pintores florentinos; su tema era el oscuro mito clásico de Vertumnus y Pomona en una luneta .
En 1522, cuando estalló la peste en Florencia, Pontormo partió hacia la Certosa di Galluzzo , un monasterio cartujo de clausura donde los monjes hacían votos de silencio. Pintó una serie de frescos, ahora bastante deteriorados, sobre la pasión y resurrección de Cristo. Estos frescos revelan con especial fuerza la influencia de los grabados de Alberto Durero , que a menudo inspiraron a Pontormo después de su regreso a Florencia. [2]
El gran lienzo del retablo de la Capilla Capponi diseñado por Brunelleschi en la iglesia de Santa Felicita, Florencia , que representa La Deposición de la Cruz (1528), es considerado por muchos la obra maestra superviviente de Pontormo.
Las figuras, con sus formas nítidamente modeladas y sus colores brillantes, están unidas en una composición ovular arremolinada, enormemente compleja , alojada en un espacio poco profundo y algo aplanado. Aunque comúnmente se conoce como La Deposición de la Cruz , no hay ninguna cruz real en la imagen. La escena podría llamarse más propiamente Lamentación o Llevar el Cuerpo de Cristo . Aquellos que están rebajando (o apoyando) a Cristo parecen tan angustiados como los dolientes. Aunque soportan el peso de un hombre adulto, apenas parecen tocar el suelo; La figura inferior en particular se balancea delicada e inverosímilmente sobre los dos dedos delanteros de sus pies. Estos dos muchachos a veces han sido interpretados como ángeles que llevaban a Cristo en su viaje al cielo . En este caso, el tema de la imagen sería más parecido a un Entierro , aunque la falta de una tumba discernible altera esa teoría, del mismo modo que la falta de una cruz plantea un problema para la interpretación de la Deposición . Finalmente, también se ha observado que las posiciones de Cristo y la Virgen parecen hacerse eco de las de la Piedad de Miguel Ángel en Roma, aunque aquí, en la Deposición, madre e hijo han sido separados. Así, además de elementos de Lamentación y Entierro , esta imagen contiene indicios de una Piedad . [3] Se ha especulado que la figura barbuda en el fondo en el extremo derecho es un autorretrato de Pontormo como José de Arimatea . Otra característica única de esta Deposición en particular es el espacio vacío que ocupa el plano pictórico central, ya que todos los personajes bíblicos parecen retroceder desde este punto. Se ha sugerido que este vacío puede ser una representación física del vacío emocional de la Virgen María ante la perspectiva de perder a su hijo.
En la pared a la derecha de la Deposición , Pontormo pintó al fresco una escena de la Anunciación (a la izquierda). Al igual que con la Deposición , la atención principal del artista se centra en las figuras mismas más que en su entorno. Colocados contra paredes blancas, el Ángel Gabriel y la Virgen María se presentan en un entorno tan simplificado que casi parece austero. Los detalles arquitectónicos ficticios sobre cada uno de ellos están pintados para parecerse a la piedra gris pietra serena que adorna el interior de Santa Felicità, uniendo así su espacio pintado con el espacio real del espectador. El sorprendente contraste entre las figuras y el suelo hace que sus brillantes vestimentas casi parezcan brillar a la luz de la ventana entre ellos, contra el fondo desnudo, como si la pareja apareciera milagrosamente en una extensión del muro de la capilla. La Anunciación se parece a la Visitación en la iglesia de San Michele en Carmignano antes mencionada, tanto en el estilo como en las posturas de balanceo.
Vasari nos cuenta que la cúpula fue originalmente pintada con Dios Padre y los Cuatro Patriarcas . La decoración de la cúpula de la capilla ya se ha perdido, pero todavía cuatro círculos con los evangelistas adornan las pechinas , elaborados tanto por Pontormo como por su principal alumno Agnolo Bronzino . Los dos artistas colaboraron tan estrechamente que los especialistas discuten qué círculos pintó cada uno de ellos.
Pontormo tardó tres años en completar este tumultuoso óvalo de figuras. Según Vasari, como Pontormo deseaba sobre todo "hacer las cosas a su manera, sin que nadie lo molestara", el artista cerró la capilla con una cortina para evitar opiniones que interfirieran. Vasari continúa: "Y así, habiéndolo pintado a su manera sin que ninguno de sus amigos pudiera señalarle nada, finalmente fue descubierto y visto con asombro por toda Florencia..." [4]
Varias otras obras de Pontormo también permanecieron en Florencia; en la Galería de los Uffizi se exponen su mística Cena en Emaús y retratos.
Muchos de los lienzos más conocidos de Pontormo, como la primera serie de José en Egipto ( c. 1515 ) y el posterior Martirio de San Mauricio y la Legión Tebana ( c. 1531 ), representan multitudes dando vueltas en un contrapposto extremo en posiciones muy variadas.
Sus retratos, marcadamente caracterizados, muestran proporciones igualmente manieristas.
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Muchas de las obras de Pontormo han resultado dañadas, incluidas las lunetas del claustro de la Cartuja de Galluzo . Ahora se exhiben en el interior, aunque en su estado dañado.
Quizás lo más trágico sea la pérdida de los frescos inacabados del coro de la Basílica de San Lorenzo, Florencia, que consumieron la última década de su vida. [5] Sus frescos representaban un día del Juicio Final compuesto por un inquietante pantano de figuras retorciéndose. Los dibujos restantes, que mostraban cuerpos extraños y místicos, tenían un efecto casi alucinatorio. La pintura de figuras florentina había hecho hincapié principalmente en figuras lineales y escultóricas. Por ejemplo, el Cristo del Juicio Final de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina es un enorme bloque pintado, severo en su ira; por el contrario, Jesús en el Juicio Final de Pontormo se retuerce sinuosamente, como si ondeara a través de los cielos en la danza de la finalidad última. Los ángeles giran a su alrededor en posturas aún más serpenteantes. Si la obra de Pontormo de la década de 1520 parecía flotar en un mundo poco afectado por la fuerza gravitacional, las figuras del Juicio Final parecen haber escapado de él por completo y agitarse en el aire enrarecido.
En su Juicio Final, Pontormo fue en contra de la tradición pictórica y teológica al colocar a Dios Padre a los pies de Cristo, en lugar de encima de él, una idea que Vasari encontró profundamente perturbadora:
Pero nunca he podido entender el significado de esta escena,... es decir, lo que pudo haber querido significar en esa parte donde está Cristo en lo alto resucitando a los muertos, y debajo de Sus pies está Dios Padre, quien está creando a Adán y Eva. Además de esto, en uno de los rincones, donde están los cuatro evangelistas, desnudos, con libros en las manos, no me parece que en un solo lugar haya pensado en ningún orden de composición, ni de medida, ni de tiempo. , o variedad en las cabezas, o diversidad en los colores de las carnes, o, en una palabra, a cualquier regla, proporción o ley de perspectiva, porque toda la obra está llena de figuras desnudas con un orden, diseño, invención, composición, colorear y pintar a su manera...
La Vida de Pontormo de Vasari lo describe como retraído y sumido en la neurosis mientras se encontraba en el centro de los artistas y mecenas de su vida. Esta imagen de Pontormo ha tendido a colorear la concepción popular del artista, como se ve en la película de Giovanni Fago , Pontormo, un amor herético . Fago retrata a Pontormo sumido en una dedicación solitaria y finalmente paranoica a su proyecto final del Juicio Final , que a menudo mantuvo oculto de los espectadores. Sin embargo, como ha señalado la historiadora del arte Elizabeth Pilliod, Vasari estaba en feroz competencia con el taller Pontormo/Bronzino en el momento en que escribía sus Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos . Esta rivalidad profesional entre las dos Bottegas bien podría haber proporcionado a Vasari una amplia motivación para perseguir el linaje artístico de su oponente en busca del patrocinio de los Medici . [6]
Quizás como resultado de la burla de Vasari, o quizás debido a los caprichos del gusto estético, la obra de Pontormo estuvo bastante pasada de moda durante varios siglos. El hecho de que gran parte de su obra se haya perdido o haya sido gravemente dañada es un testimonio de este abandono, aunque ha recibido una atención renovada por parte de los historiadores del arte contemporáneo. De hecho, entre 1989 y 2002, el Retrato de un alabardero de Pontormo (a la derecha) ostentó el título de la pintura más cara del mundo realizada por un viejo maestro .
Independientemente de la veracidad del relato de Vasari, es cierto que la idiosincrasia artística de Pontormo produjo un estilo que pocos pudieron (o quisieron) imitar, con la excepción de su alumno más cercano, Bronzino . Los primeros trabajos de Bronzino son tan cercanos a los de su maestro que la autoría de varias pinturas de las décadas de 1520 y 1530 todavía está en disputa; por ejemplo, los cuatro tondi que contienen a los evangelistas en la Capilla Capponi.
Pontormo comparte algunos de los manierismos de Rosso Fiorentino y de Parmigianino . En cierto modo, anticipó tanto el Barroco como las tensiones de El Greco . Sus excentricidades también dieron lugar a un original sentido de la composición. En el mejor de los casos, sus composiciones son coherentes. Las figuras de la Deposición , por ejemplo, parecen sustentarse entre sí: la eliminación de cualquiera de ellas provocaría el colapso del edificio. En otras obras, como en los lienzos de José, la aglomeración crea una confusión pictórica confusa. Es en los dibujos posteriores donde vemos una elegante fusión de cuerpos en una composición que incluye el marco ovalado de Jesús en el Juicio Final .
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