Mijaíl Mijáilovich Tsekhanovsky ( en ruso : Михаил Михайлович Цехановский ; 7 de junio [ OS 26 de mayo] 1889 - 22 de junio de 1965) fue un artista , director de animación , ilustrador de libros, guionista, escultor y educador ruso y soviético . Fue uno de los fundadores y líderes indiscutibles de la escuela de animación soviética de Leningrado . Artista Meritorio de la RSFSR (1964). [1] [2]
Mijaíl Tsekhanovsky nació en Proskurov (actual Jmelnitski, Ucrania ) en una familia noble rusa . Su padre, Mijaíl Yurievich Tsekhanovsky ( en polaco : Ciechanowski ) (1859-1928/29), fue un consejero de Estado en activo y fabricante de azúcar, representante oficial de la Sociedad Panrusa de Fabricantes de Azúcar que emigró a París tras la Revolución de Octubre . Su madre, Zinaida Grigorievna Tsekhanovskaya, murió en 1899 a los 32 años. [3] [4]
Tsekhanovsky se crió en San Petersburgo y estudió en el Primer Gimnasio de San Petersburgo, la escuela más prestigiosa de su tiempo donde solo eran aceptados los hijos de los nobles. [5] Comenzó a pintar mientras todavía estaba en el gimnasio, y al graduarse se fue a París, donde se formó como escultor en talleres privados entre 1908 y 1910. A su regreso, Tsekhanovsky ingresó en la Academia Imperial de las Artes y en la Facultad de Derecho de la Universidad Imperial de San Petersburgo , pero las abandonó con el comienzo de la Primera Guerra Mundial y se mudó a Moscú. Luego ingresó en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú , que terminó en 1918. [1] [6]
Ese mismo año, las autoridades soviéticas lo enrolaron en el 16.º Ejército , donde sus talentos se utilizaron para la agitación y la propaganda . Tsekhanovsky dibujó carteles, diseñó trenes de agitación, pintó cines y clubes, talló esculturas y realizó escenografías para el teatro del frente. De 1920 a 1922 también dirigió el estudio de arte en la Universidad del Ejército Rojo de Smolensk . Entre sus estudiantes se encontraba Mijail Volpin , quien más tarde escribió guiones para muchos de sus proyectos de animación. [6]
En 1923, Tsekhanovsky se desmovilizó y regresó a San Petersburgo (entonces Petrogrado, rebautizada como Leningrado al año siguiente), donde continuó su carrera artística. Entre sus proyectos se encontraban carteles de cine que anunciaban películas extranjeras. También enseñó arte en la Escuela de Arte Tavricheskaya . En 1926 se unió a un grupo de ilustradores de libros encabezados por Vladimir Lebedev , que se especializaba en literatura infantil. El área de Tsekhanovsky era la ciencia popular . Su distinguible estilo artístico "industrial" influenciado por Lebedev y la estética constructivista le trajo fama. [6] [7]
En 1927 ilustró el poema "Post" de Samuel Marshak sobre una carta que siguió a su amigo Boris Zhitkov en sus aventuras alrededor del mundo. El libro tuvo muchas reediciones y desde entonces ha sido considerado el culmen de la artesanía de Tsekhanovsky. Los biógrafos coincidieron en que el libro en sí fue diseñado de acuerdo con las reglas del montaje cinematográfico y estaba "lleno de movimiento". El artista también produjo una serie de flip books , por lo que su paso a la animación era solo cuestión de tiempo. [1] [6]
En 1928, Sovkino firmó un contrato con él para una película animada basada en Post . Tsekhanovsky, poco familiarizado con los medios, colaboró con Ivan Druzhinin y su propia esposa Vera Tsekhanovskaya , ambos animadores principiantes con formación profesional. Tuvieron que improvisar en su camino y terminaron con una mezcla de animación tradicional y recortada (llamadas marionetas planas en ese momento) que dieron vida a la visión única de Tsekhanovsky. [6] La versión muda de Post se lanzó en 1929, y en 1930 se agregó una partitura musical de Mikhail Deshevov junto con una voz en off y algo de texto de Daniil Kharms , mientras que el positivo fue coloreado a mano. Se convirtió en la primera película animada soviética en color y sonido , al mismo tiempo que la primera en obtener elogios nacionales e internacionales. [1] [3] Frank Lloyd Wright se la mostró a Walt Disney como un ejemplo de animación que invita a la reflexión. [8]
Por primera vez, la prensa soviética empezó a hablar de la animación como una nueva forma de arte, lo que en realidad era la intención original del director. Como escribió en su ensayo crítico De Murzilka al gran arte , los cineastas de aquella época consideraban la animación como una "rama secundaria, creativamente insignificante del gran arte del cine, pero no como una rama de los gráficos y la pintura, por no hablar de una forma de arte separada... Los procesos técnicos, profesionales y artísticos de construcción de una película gráfica son completamente diferentes del proceso de realización cinematográfica... La animación no es una marioneta filmada, ni un teatro de títeres , ni un cine... Es un nuevo tipo de bellas artes espaciotemporales ". [9]
En el mismo ensayo, Tsekhanovsky abordó el tema de la unidad de animación y sonido, así como el concepto de sonido gráfico , cuya invención se le atribuye en 1929. [10] Mientras Arseny Avraamov y otros comenzaron a desarrollar la idea de forma activa, Tsekhanovsky siguió su propio camino. La versión de 1930 de Post ya presentaba una imagen rítmica sincronizada con el sonido pregrabado, lo que la convertía en un elemento separado e independiente de la película. [6] En 1931 dirigió dos cortometrajes experimentales "naturales" en vivo, Gopak y Pacific 231, realizados como intentos de ilustrar una danza nacional y la obra orquestal de Arthur Honegger sincronizando imágenes visuales con música. [10] [11]
Todo esto inspiró a Mijaíl y Vera Tsekhanovsky a lanzar su proyecto más ambicioso: una ópera animada, El cuento del cura y su obrero Balda, basada en el cuento de hadas en verso de Alexander Pushkin con una fuerte influencia de los carteles de Rosta . Fue concebida en 1932 como el primer largometraje soviético de animación tradicional que utilizaba el "método del álbum" de animación, con personajes dibujados en papel en lugar de celuloide. [6] En 1933, Tsekhanovsky invitó a Dmitri Shostakovich a crear la banda sonora y a Alexander Vvedensky a escribir la letra.
A Shostakovich le encantó la oportunidad de componer una ópera satírica innovadora con personajes abstractos dirigidos por su música y no por otra persona. La llamó "un cuento de hadas lleno de ardor, facilidad y alegría, y escribir música para él es igual de fácil y alegre". Como escribió Tsekhanovsky en septiembre de 1934, "... trabaja increíblemente rápido sin perder calidad. Es un verdadero artista. Un verdadero artesano. Ahora me toca a mí. Debo crear algo que valga la pena con su música. Debo hacerlo. Balda es el único proyecto en el que puedo demostrar de lo que soy capaz". Grabaron 15 escenas en noviembre. [12]
Sin embargo, los problemas comenzaron pronto en la producción. Tsekhanovsky, aún inexperto, siempre estuvo detrás del compositor, enfrentándose a problemas organizativos y financieros. Los primeros intentos de cerrar Balda por parte de Lenfilm se remontan a 1933. En marzo de 1936, los ejecutivos del estudio persuadieron al compositor para que reorquestara su partitura de una sinfonía a una orquesta de cámara. Casi al mismo tiempo se publicó en la prensa el infame artículo Muddle Instead of Music , que condenaba la ópera de Shostakovich. Todo esto paralizó el trabajo y el proyecto se cerró oficialmente. [12] [13]
Sin embargo, Tsekhanovsky recopiló cuatro partes terminadas y el resto del material en una película completa. No se estrenó, sino que se archivó "para tiempos mejores", lo que nunca sucedió, ya que fue destruida en un incendio provocado por los bombardeos de Leningrado de 1941 que afectaron a Lenfilm. Vera Tsekhanovskaya logró salvar solo un pequeño segmento de Bazaar . Shostakovich consideró la banda sonora de la película como una de sus mejores obras: "Hay varias piezas con las que estoy contento. Especialmente Balda , de principio a fin". [12] En 2005, uno de sus estudiantes restauró la banda sonora de 50 minutos y la lanzó al público. [14]
Los sentimientos de Tsekhanovsky se sintieron profundamente heridos. El próximo cortometraje que había planeado durante mucho tiempo no se estrenó hasta 1940. El cuento del ratoncito tonto se convirtió en una película infantil tradicional, aunque todavía libre de los clichés de su época . [15] Una vez más colaboró con Samuel Marshak y Dmitri Shostakovich , cuya partitura se interpreta de forma independiente en los teatros de ópera en la actualidad. [13] [16]
A diferencia de Shostakovich, que disfrutaba trabajando con Tsekhanovsky, Marshak se sintió molesto por los cambios realizados en su guion (incluido el final más apto para niños) y solicitó editar la película, lo que provocó un conflicto entre Lenfilm y la gerencia de Mosfilm . Finalmente aceptó retirar la mayoría de las reclamaciones a cambio de que su nombre fuera eliminado de los créditos (lo que se hizo en la edición final que se perdió durante la guerra). [13] [15] La película fue filmada a todo color utilizando el proceso de película de tres colores por el director de fotografía Pavel Mershin y se estrenó con un éxito moderado. [17]
Mientras tanto, Tsekhanovsky había estado dando clases a estudiantes que querían unirse a su estudio en Lenfilm. Preparó a toda una generación de animadores en 1941, cuando comenzó la Gran Guerra Patria . Las consecuencias fueron verdaderamente catastróficas: muchos murieron en los frentes, otros murieron de hambre durante el Sitio de Leningrado . [18] El propio Tsekhanovsky apenas sobrevivió al sitio. Perdió mucho peso, fue testigo del incendio que arruinó Lenfilm y todos sus archivos, y de la muerte de sus colegas, incluido Ivan Druzhinin, que murió durante la campaña de la Guerra de Invierno . En 1942 fue evacuado a Samarcanda junto con su esposa y se unió a Soyuzmultfilm , donde trabajó hasta su muerte. [2] [19]
Después de la guerra, Tsekhanovsky se hizo conocido como uno de los principales partidarios y promotores de la rotoscopia (llamada Eclair por los animadores rusos en honor al proyector de video Eclair ). [9] Entre 1948 y 1960 produjo una serie de adaptaciones de cuentos de hadas que hicieron un uso excesivo de esta tecnología hasta el punto de que los actores que posaban para los personajes podían ser fácilmente detectados. Afirmó que el uso de personajes realistas en un cuento de hadas solo enfatizaría el elemento de fantasía. [6]
Sus películas de esa época recibieron numerosos premios en los festivales de cine internacionales, incluido el Festival de Cine Checo de 1949 en Mariánské Lázně (Mejor Película Infantil por La flor del arco iris ), el Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary de 1951 (Mejor Película de Animación por El cuento del pescador y el pez ) y el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata de 1960 (La hoja de roble plateada por La princesa rana ). [2] [20]
Con Fox, Beaver and the Rest (1960), Mijail y Vera Tsekhanovsky comenzaron a regresar a su pasado experimental. El propio autor presentó dos fábulas satíricas de Serguéi Mijalkov , sosteniendo dos hojas de papel con los personajes dibujados cobrando vida. Dos años después, la pareja estrenó Los cisnes salvajes, basada en el cuento de hadas de H. C. Andersen , que se convirtió en el primer largometraje de animación soviético de pantalla ancha . Estaba dibujada de una manera "formalista" original con una fuerte influencia gótica . [2] [21]
La última película de Tsekhanovsky, Post (1964), fue una nueva versión de su primera obra animada. También se realizó como un cortometraje de animación tradicional en formato panorámico y fue vista por los críticos como un homenaje a las tradiciones del constructivismo , y contó con muchas escenas tomadas directamente de la versión de 1929, así como parte de la música original. [11]
Mijail Tsekhanovsky murió el 22 de junio de 1965 y fue enterrado en Moscú. Le sobrevivió su esposa Vera Tsekhanovskaya (25 de diciembre de 1902 - 25 de abril de 1977), quien conservó los diarios de su esposo, que se conservaban desde la década de 1920. [3] En 2014, la compañía MasterFilm lanzó un documental En busca del correo perdido , en el que dos especialistas del Instituto de Investigación Cinematográfica de Moscú, Nikolai Izvolov y Sergei Kapterev, viajaron por todo el mundo en busca de los fragmentos de la versión de 1930 de El correo que se consideraba perdida. [11]