Jacopo Carucci o Carrucci ( IPA: [ˈjaːkopo ka(r)ˈruttʃi] ; 24 de mayo de 1494 - 2 de enero de 1557), generalmente conocido como Jacopo ( da ) Pontormo o simplemente Pontormo ( IPA: [ponˈtormo] ), fue un pintor y retratista manierista italiano de la Escuela florentina . Su obra representa un profundo cambio estilístico respecto de la tranquila regularidad perspectivista que caracterizó el arte del Renacimiento florentino . [1] Es famoso por su uso de poses entrelazadas, junto con una perspectiva ambigua; sus figuras a menudo parecen flotar en un entorno incierto, sin obstáculos por las fuerzas de la gravedad.
Jacopo Carucci nació en Pontorme (entonces conocido como Pontormo o Puntormo), cerca de Empoli , hijo de Bartolomeo di Jacopo di Martino Carrucci y Alessandra di Pasquale di Zanobi. Vasari relata cómo el niño huérfano, "joven, melancólico y solitario", fue llevado de un lugar a otro cuando era un joven aprendiz:
No había estado Jacopo muchos meses en Florencia cuando Bernardo Vettori lo envió a quedarse con Leonardo da Vinci , y luego con Mariotto Albertinelli , Piero di Cosimo y, finalmente, en 1512, con Andrea del Sarto , con quien no permaneció mucho tiempo, pues después de haber hecho los cartones para el arco de los Servitas, no parece que Andrea le tuviera buena voluntad, cualquiera que haya sido la causa.
Pontormo pintó en Florencia y sus alrededores , a menudo con el apoyo del mecenazgo de los Medici . Una incursión a Roma, en gran parte para ver la obra de Miguel Ángel , influyó en su estilo posterior. Los rostros fantasmales y los cuerpos alargados son característicos de su obra. Un ejemplo del estilo temprano de Pontormo es un fresco que representa la Visitación de la Virgen y Santa Isabel , con sus figuras en equilibrio que parecen danzar, pintado entre 1514 y 1516.
Esta Visitación temprana es una comparación interesante con su pintura del mismo tema que realizó aproximadamente una década después, ahora albergada en la iglesia parroquial de San Miguel Arcángel en Carmignano , a unos 20 km al oeste de Florencia. Colocar estas dos imágenes juntas, una de su estilo temprano y otra de su período de madurez, pone de relieve el desarrollo artístico de Pontormo. En la obra anterior, Pontormo se acerca mucho más en estilo a su maestro, Andrea del Sarto, y a los principios artísticos del renacimiento de principios del siglo XVI. Por ejemplo, las figuras están a poco menos de la mitad de la altura del cuadro general, y aunque un poco más abarrotadas de lo que preferiría el verdadero equilibrio del alto renacimiento, al menos están ubicadas en un entorno arquitectónico clasicista a una distancia cómoda del espectador. En la obra posterior, el espectador se acerca casi incómodamente a la Virgen y Santa Isabel , que se desplazan una hacia la otra en nubes de drapeados . Además, el claro entorno arquitectónico cuidadosamente construido en la pieza anterior ha sido completamente abandonado en favor de un peculiar entorno urbano anodino.
Los lienzos de José (actualmente en la National Gallery de Londres) ofrecen otro ejemplo del estilo en desarrollo de Pontormo. Realizadas aproximadamente en la misma época que la Visitación anterior , estas obras (como José en Egipto , a la izquierda) muestran una inclinación mucho más manierista. Según Giorgio Vasari , el modelo del niño sentado en un escalón es su joven aprendiz, Bronzino .
Entre la SS Annunziata y la Visitación de San Miguel , Pontormo participó en la decoración al fresco del salón de la villa campestre de los Médici en Poggio a Caiano (1519-1520), a 17 km al NNO de Florencia. Allí pintó frescos de estilo pastoral , muy poco común entre los pintores florentinos; su tema era el oscuro mito clásico de Vertumno y Pomona en un luneto .
En 1522, cuando estalló la peste en Florencia, Pontormo se trasladó a la Certosa di Galluzzo , un monasterio cartujo de clausura donde los monjes hacían votos de silencio. Pintó una serie de frescos, ahora bastante deteriorados, sobre la pasión y resurrección de Cristo. Estos frescos revelan con especial fuerza la influencia de los grabados de Alberto Durero , que a menudo sirvieron de inspiración a Pontormo tras su regreso a Florencia. [2]
El gran lienzo del retablo de la Capilla Capponi diseñada por Brunelleschi en la iglesia de Santa Felicita, Florencia , que representa El Descendimiento de la Cruz (1528), es considerado por muchos la obra maestra sobreviviente de Pontormo.
Las figuras, con sus formas nítidamente modeladas y colores brillantes, están unidas en una composición ovalada enormemente compleja y arremolinada , albergada en un espacio poco profundo y algo aplanado. Aunque comúnmente se conoce como El Descendimiento de la Cruz , no hay una cruz real en la imagen. La escena podría llamarse más apropiadamente Lamentación o Llevar el cuerpo de Cristo . Aquellos que bajan (o sostienen) a Cristo parecen tan angustiados como los dolientes. Aunque están sosteniendo el peso de un hombre adulto, apenas parecen tocar el suelo; la figura inferior en particular se balancea delicadamente e inverosímilmente sobre sus dos dedos delanteros. Estos dos niños a veces han sido interpretados como ángeles , llevando a Cristo en su viaje al Cielo . En este caso, el tema de la imagen sería más parecido a un Entierro , aunque la falta de una tumba discernible perturba esa teoría, al igual que la falta de cruz plantea un problema para la interpretación del Desencierro . Por último, también se ha observado que las posiciones de Cristo y la Virgen parecen hacer eco de las de la Piedad de Miguel Ángel en Roma, aunque aquí en el Descendimiento madre e hijo han sido separados. Así, además de elementos de una Lamentación y un Entierro , esta imagen tiene indicios de una Piedad . [3] Se ha especulado que la figura barbuda del fondo en el extremo derecho es un autorretrato de Pontormo como José de Arimatea . Otra característica única de este Descendimiento en particular es el espacio vacío que ocupa el plano pictórico central, ya que todos los personajes bíblicos parecen retroceder desde este punto. Se ha sugerido que este vacío puede ser una representación física del vacío emocional de la Virgen María ante la perspectiva de perder a su hijo.
En la pared a la derecha del Descendimiento , Pontormo pintó al fresco una escena de la Anunciación (a la izquierda). Al igual que en el Descendimiento , la atención principal del artista se centra en las figuras en sí mismas más que en su entorno. Colocados contra paredes blancas, el ángel Gabriel y la Virgen María se presentan en un entorno tan simplificado que casi parece austero. Los detalles arquitectónicos ficticios sobre cada uno de ellos están pintados para parecerse a la piedra serena gris que adorna el interior de Santa Felicità, uniendo así su espacio pintado con el espacio real del espectador. El sorprendente contraste entre las figuras y el fondo hace que sus brillantes prendas casi parezcan brillar a la luz de la ventana que las separa, contra el fondo despojado, como si la pareja apareciera milagrosamente en una extensión de la pared de la capilla. La Anunciación se parece a su Visitación antes mencionada en la iglesia de San Michele en Carmignano , tanto en el estilo como en las posturas de balanceo.
Vasari nos cuenta que la cúpula estaba pintada originalmente con Dios Padre y los Cuatro Patriarcas . La decoración de la cúpula de la capilla se ha perdido en la actualidad, pero cuatro tondos con los Evangelistas todavía adornan las pechinas , realizadas tanto por Pontormo como por su discípulo principal Agnolo Bronzino . Los dos artistas colaboraron tan estrechamente que los especialistas discuten qué tondos pintó cada uno.
Pontormo tardó tres años en terminar este tumultuoso óvalo de figuras. Según Vasari, como Pontormo deseaba sobre todo "hacer las cosas a su manera, sin que nadie le molestara", el artista tapó la capilla para evitar opiniones intrusivas. Vasari continúa: "Y así, habiéndola pintado a su manera, sin que ninguno de sus amigos pudiera señalarle nada, finalmente fue descubierta y vista con asombro por toda Florencia..." [4]
En Florencia se conservan también otras obras de Pontormo; en la Galería de los Uffizi se conserva su mística Cena de Emaús y algunos retratos.
Muchos de los lienzos conocidos de Pontormo, como la temprana serie José en Egipto ( c. 1515 ) y el posterior Martirio de San Mauricio y la Legión Tebana ( c. 1531 ) representan multitudes deambulando en un contrapposto extremo de posiciones muy variadas.
Sus retratos, agudamente caracterizados, muestran proporciones igualmente manieristas.
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Muchas de las obras de Pontormo han resultado dañadas, entre ellas las lunetas del claustro de la Cartuja de Galluzo , que ahora se exponen en el interior, aunque en su estado de deterioro.
Tal vez lo más trágico sea la pérdida de los frescos inacabados para el coro de la Basílica de San Lorenzo, en Florencia, que consumieron la última década de su vida. [5] Sus frescos representaban un día del Juicio Final compuesto por un inquietante pantano de figuras que se retorcían. Los dibujos restantes, que mostraban una extraña y mística formación de cuerpos en cintas, tenían un efecto casi alucinatorio. La pintura florentina de figuras había hecho hincapié principalmente en las figuras lineales y escultóricas. Por ejemplo, el Cristo en el Juicio Final de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina es un enorme bloque pintado, severo en su ira; por el contrario, el Jesús en el Juicio Final de Pontormo se retuerce sinuosamente, como si ondulara a través de los cielos en la danza de la finalidad última. Los ángeles se arremolinan a su alrededor en poses aún más serpentinas. Si la obra de Pontormo de la década de 1520 parecía flotar en un mundo poco tocado por la fuerza gravitacional, las figuras del Juicio Final parecen haber escapado por completo a ella y agitarse en el aire enrarecido.
En su Juicio Final, Pontormo fue contra la tradición pictórica y teológica al colocar a Dios Padre a los pies de Cristo, en lugar de encima de él, una idea que Vasari encontró profundamente inquietante:
Pero nunca he podido comprender el significado de esta escena... quiero decir, lo que pudo querer significar en esa parte donde está Cristo en lo alto, resucitando a los muertos, y bajo sus pies está Dios Padre, que está creando a Adán y Eva. Además de esto, en uno de los ángulos, donde están los cuatro evangelistas, desnudos, con libros en las manos, no me parece que en un solo lugar haya pensado en ningún orden de composición, ni en ninguna medida, ni en ningún tiempo, ni en ninguna variedad de cabezas, ni en ninguna diversidad de colores de carne, ni, en una palabra, en ninguna regla, proporción o ley de perspectiva, pues toda la obra está llena de figuras desnudas con un orden, un diseño, una invención, una composición, un colorido y una pintura ideados a su manera...
La Vida de Pontormo de Vasari lo describe como un hombre retraído y sumido en la neurosis, mientras que era el centro de atención de los artistas y mecenas de su vida. Esta imagen de Pontormo ha tendido a teñir la concepción popular del artista, como se ve en la película de Giovanni Fago , Pontormo, un amor herético . Fago retrata a Pontormo sumido en una dedicación solitaria y en última instancia paranoica a su proyecto final del Juicio Final , que a menudo mantenía oculto a los espectadores. Sin embargo, como ha señalado la historiadora de arte Elizabeth Pilliod, Vasari estaba en feroz competencia con el taller de Pontormo/Bronzino en la época en que estaba escribiendo sus Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos . Esta rivalidad profesional entre las dos bottegas bien podría haber proporcionado a Vasari una amplia motivación para perseguir el linaje artístico de su oponente en busca del mecenazgo de los Medici . [6]
Tal vez como resultado de la burla de Vasari, o tal vez debido a los caprichos del gusto estético, la obra de Pontormo estuvo bastante pasada de moda durante varios siglos. El hecho de que gran parte de su obra se haya perdido o esté gravemente dañada es un testimonio de este descuido, aunque ha recibido una renovada atención por parte de los historiadores del arte contemporáneo. De hecho, entre 1989 y 2002, el Retrato de un alabardero de Pontormo (a la derecha) ostentó el título de la pintura más cara del mundo realizada por un maestro antiguo .
Independientemente de la veracidad del relato de Vasari, es cierto que las idiosincrasias artísticas de Pontormo produjeron un estilo que pocos pudieron (o quisieron) imitar, con la excepción de su discípulo más cercano, Bronzino . La obra temprana de Bronzino es tan parecida a la de su maestro que la autoría de varias pinturas de las décadas de 1520 y 1530 todavía está en disputa, por ejemplo, los cuatro tondi que contienen a los Evangelistas en la Capilla Capponi.
Pontormo comparte algunos de los manierismos de Rosso Fiorentino y de Parmigianino . En cierto modo, anticipó el barroco así como las tensiones de El Greco . Sus excentricidades también dieron como resultado un sentido original de la composición. En el mejor de los casos, sus composiciones son cohesivas. Las figuras en el Descendimiento , por ejemplo, parecen sostenerse unas a otras: la eliminación de cualquiera de ellas haría que el edificio se derrumbara. En otras obras, como en los lienzos de José, el hacinamiento crea una confusión pictórica. Es en los dibujos posteriores donde vemos una elegante fusión de cuerpos en una composición que incluye el marco ovalado de Jesús en el Juicio Final .
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