Allegro es un musical de Richard Rodgers (música) y Oscar Hammerstein II (libreto y letras), su tercera colaboración teatral. El musical, que se estrenó en Broadway el 10 de octubre de 1947, se centra en la vida de Joseph Taylor Jr., quien sigue los pasos de su padre como médico, pero se ve tentado por la fortuna y la fama en un hospital de una gran ciudad.
Después del inmenso éxito de los dos primeros musicales de Rodgers y Hammerstein , Oklahoma! y Carousel , la pareja buscaba un tema para su próxima obra. Hammerstein llevaba mucho tiempo contemplando una obra seria que abordara los problemas del hombre corriente en el cambiante mundo moderno. Él y Rodgers buscaban crear una obra que fuera tan innovadora como sus dos primeros musicales de teatro. Con ese fin, crearon una obra con un gran elenco, incluido un coro griego . La producción no tendría decorados; los accesorios y las proyecciones servían para sugerir ubicaciones.
Después de una desastrosa prueba en New Haven , Connecticut , el musical se estrenó en Broadway con una gran venta anticipada de entradas y críticas muy variadas. Agnes de Mille , la coreógrafa de las producciones anteriores de Rodgers y Hammerstein en Broadway, dirigió y coreografió la obra. El espectáculo fue visto como demasiado moralista y la presentación en Broadway terminó después de nueve meses; fue seguido por una breve gira nacional. No tuvo producción en el West End y rara vez se ha revivido. Hay dos grabaciones de Allegro , el álbum del elenco original y una grabación de estudio lanzada en 2009.
Oscar Hammerstein II siempre había querido escribir un drama serio, uno que abordara los problemas de la vida que enfrenta la gente común. A principios de 1946, tres años después de que comenzara su asociación con Richard Rodgers, el dúo tuvo dos éxitos ( Oklahoma! y Carousel ) en Broadway, y éxito como productores de musicales que otros habían escrito. En marzo, Hammerstein se acercó a Rodgers con la idea de una obra con dos hombres como personajes centrales, en lugar del formato habitual de "niño y niña". Durante las semanas siguientes, los dos lo discutieron y el concepto evolucionó hacia un musical sobre un hombre, el hijo de un médico, que atrajo a Rodgers, hijo y hermano de médicos. Para septiembre, el tema general de la historia ya se había establecido: la lucha del personaje principal para evitar comprometer sus principios a medida que avanza en la vida. [1]
Hammerstein había pensado en escribir una obra sobre un hombre, desde su nacimiento hasta su muerte. Sin embargo, después de haber matado a su personaje principal masculino, Billy Bigelow, en el escenario de Carousel , se mostró reacio a matar a otro. [2] Al final, llevó a su protagonista desde su nacimiento hasta los 35 años. [1] Imaginó una obra de teatro sencilla como Our Town que, después de su presentación inicial, se prestaría a producciones universitarias. [3] Allegro fue concebido para que tuviera lugar en un espacio abierto, utilizando accesorios y proyecciones para transmitir el escenario a la audiencia. [4] Además del coro cantante habitual, habría un coro parlante, a la manera de un coro griego , que comentaría la acción y hablaría tanto a los personajes como a la audiencia. [4]
Para investigar sobre la profesión médica, Hammerstein entrevistó a su propio médico. [5] Escribió algunas páginas del libro antes de embarcarse con su esposa rumbo a Australia para visitar a su suegra; cuando su barco llegó a Brisbane, le envió a Rodgers parte del resto. Al recibir el paquete, Rodgers, que por lo general no componía hasta que Hammerstein le proporcionaba una letra, se sentó inmediatamente y compuso tres canciones. [1] Hammerstein puso gran parte de sus propias experiencias en la obra. Según su hijo, William, "la mayor parte del primer acto se basaba en sus propios recuerdos de su propia infancia. Siempre le había intrigado, ya sabes; su madre murió cuando él tenía doce años. Siempre sentí que sus canciones surgían de sus sentimientos hacia ella". [6]
Hammerstein pasó un año escribiendo y puliendo el primer acto, esforzándose infinitamente por mejorar la redacción. El segundo acto fue más apresurado; con una fecha límite, Hammerstein lo completó solo una semana antes de que comenzaran los ensayos. [7] El protegido de Hammerstein, Stephen Sondheim , que trabajó como encargado de la producción por 25 dólares a la semana , declaró:
Años después, hablando con Oscar sobre el programa (no creo haberlo reconocido en ese momento), me di cuenta de que estaba tratando de contar la historia de su vida... Oscar lo dijo como una metáfora de lo que le había sucedido. Había tenido tanto éxito con Oklahoma! y Carousel que de repente lo necesitaban en todas partes. De lo que estaba hablando era de los adornos, no tanto del éxito, sino de perder de vista cuál es tu objetivo. [8]
El dúo contrató a la coreógrafa Agnes de Mille para dirigir, un cambio entre dos funciones teatrales que era inusual en ese momento. [4] De Mille había sido la coreógrafa de los bailes en Oklahoma! y Carousel , diseñando ballets que revelaban los estados psicológicos de los personajes a la audiencia. [9] Ella había estado preocupada por la cohesión del guion cuando lo recibió de Hammerstein. Cuando unos días antes de que comenzaran los ensayos, le preguntó a Hammerstein de qué trataba el espectáculo, el letrista respondió: "Se trata de un hombre al que no se le permite hacer su propio trabajo debido a las presiones mundanas". [7] De Mille respondió: "Esa no es la obra que has escrito. No has escrito tu segundo acto". [7] Hammerstein respondió: "Pero ya estamos comprometidos con el teatro en Nueva York". [7]
De Mille se enfrentó a una tarea inmensa. En lugar de decorados convencionales, las localizaciones fueron sugeridas por plataformas, imágenes proyectadas sobre telones de fondo e iluminación (había 500 señales de iluminación, un récord de Broadway en ese momento). Se necesitaron cuarenta tramoyistas para mover sesenta decorados parciales, y los objetos se movían al escenario mediante una pista semicircular oculta por una elaborada serie de cortinas. Según la biógrafa de De Mille, Carol Easton, " Allegro era un espectáculo gigantesco, de una escala que excedía el alcance de cualquier individuo". [10]
Los ensayos se llevaron a cabo en tres lugares de Nueva York, para los protagonistas, cantantes y bailarines. La producción contó con 41 protagonistas y más de cien bailarines. [10] De Mille también coreografió los bailes, que eran extremadamente complicados y proporcionaron el marco para las escenas que componían el espectáculo. Durante los bailes, Joe aprende a caminar, se enamora, se descarría y luego vuelve al camino correcto. De Mille utilizó adultos con ropa de niño para los bailes cuando Joe es un niño; como no había niños reales en el escenario para proporcionar escala, la ilusión funcionó. [11] El baile que acompañó a "One Foot, Other Foot" se basó en las propias experiencias de De Mille al ver a su propio hijo Jonathan aprender a caminar. [11]
Sondheim expresó más tarde su opinión sobre la dirección de De Mille, llamándola "un horror. Trataba a los actores y cantantes como basura y trataba a los bailarines como dioses... [ella era], creo, una mujer extremadamente insensible, una excelente escritora y una directora terrible, en términos de moral, de todos modos. Esa fue mi primera experiencia de mal comportamiento en el teatro". [12] Sin embargo, Rufus Smith, que interpretó el papel menor del entrenador de fútbol, declaró: "Nunca más en mi vida experimentaré lo que es detener un espectáculo de golpe, haciendo exactamente lo que ella me enseñó". [13] El inmenso trabajo de dirigir la obra finalmente resultó demasiado grande para De Mille, quien declaró "No puedo hacer los nuevos bailes y las nuevas canciones y el nuevo libro", y Hammerstein intervino para dirigir el diálogo. [7] Según la biógrafa de Rodgers, Meryle Secrest, en este punto el elenco estaba indignado por el trato que les dio De Mille. [14] James Mitchell , uno de los bailarines de la producción, afirmó más tarde que De Mille era mejor dirigiendo bailarines que actores, ya que los actores suben al escenario con nociones preconcebidas sobre cómo interpretar un papel, y los bailarines no. [13]
La primera prueba, en New Haven, Connecticut , no salió como estaba previsto. Durante el primer acto, William Ching, que interpretaba a Joseph Taylor Sr., estaba cantando "A Fellow Needs a Girl" cuando la pared del escenario comenzó a derrumbarse, lo que le obligó a sostenerla hasta que los tramoyistas se dieron cuenta. El bailarín Ray Harrison se enganchó en una pista del escenario, se rompió los ligamentos de la rodilla y fue sacado del escenario gritando. Lisa Kirk , la primera Emily, cayó sobre la orquesta mientras cantaba "The Gentleman Is a Dope". Fue catapultada de nuevo al escenario sin pausa en su canto, ante un gran aplauso del público. [15] Sondheim recordó:
Al día siguiente, en el New York Herald Tribune ... Billy Rose , precisamente, estaba diciendo: "Ha nacido una estrella". La noche siguiente, ella vuelve, llega al mismo punto de la canción y empieza a caer, y todo el público se queda sin aliento porque todos habían leído el Herald Tribune . Ella se recupera rápidamente, todos suspiran y recibe otra ovación. Oscar llegó al backstage al final y dijo: "Si haces eso una tercera vez, estás despedida". [15]
Los desastres de la inauguración en New Haven concluyeron durante "Come Home", una canción cerca del final de la obra: las silenciosas exhortaciones del coro y de la madre de Joe para convencerlo de que regresara a su pequeño pueblo. Se disparó una falsa alarma de incendio y el público comenzó a empujar hacia la salida. Joshua Logan , que estaba presente, ordenó en voz alta a la multitud que se sentara, lo que hizo. [15] Una de las pruebas de Boston que siguió a New Haven estuvo marcada por el comportamiento bullicioso de los asistentes a la convención, hasta que Hammerstein gritó: "¡Cállate!" y el público se calmó. [16]
La obra comienza con Marjorie Taylor en la cama, en 1905. Esposa del médico de un pueblo pequeño, Joseph Taylor, acaba de tener un hijo. La gente del pueblo predice grandes cosas para Joseph Taylor Jr., o Joe, como lo llamarán más adelante (número musical: "Joseph Taylor, Jr."). Joe aprende lo que aprende un bebé: la presencia reconfortante de su madre, la presencia de otra figura, que no huele tan bien, y que siempre se va tan pronto como él recoge su bolso negro. Joe es visto como un bebé y luego no como un niño; el público adopta su perspectiva. La abuela de Joe se da cuenta de que intenta caminar, llama a Marjorie para que presencie los primeros pasos y, una vez que los da, como dice el coro, "el mundo pertenece a Joe" ("One Foot, Other Foot"). Joe crece hasta la edad escolar y pierde a su querida abuela. Jennie Brinker, la hija de un hombre de negocios, lo consuela. Los dos llegan a la edad de ir a la escuela secundaria y comienzan a salir, aunque Joe no tiene el valor de besarla, para frustración de Jennie. Mientras Joe se prepara para irse a la universidad, el Dr. Taylor espera que su hijo lo ayude en su práctica médica, y él y Marjorie se preguntan si Joe se casará con Jennie ("A Fellow Needs a Girl").
En la fiesta de bienvenida de los estudiantes de primer año ("Freshman Dance"), el público finalmente ve a Joe en el escenario. Se maravilla de su nuevo mundo, en el que es un solitario ("A Darn Nice Campus"). Joe se desempeña ineficazmente como animador ("The Purple and the Brown"), alentando a los Wildcats, cuyo jugador estrella es el compañero de clase de Joe en primer año, Charlie Townsend. Ambos son estudiantes de pre-medicina y pronto se hacen amigos cercanos. La amistad los ayuda a ambos; Joe logra ingresar a la fraternidad y los círculos sociales de Charlie, mientras que a Charlie se le permite copiar el concienzudo trabajo escolar de Joe.
Mientras Joe está en la universidad, Jennie se queda en casa, y su rico padre, Ned Brinker, que desaprueba que Joe pase tantos años en la escuela antes de ganarse la vida, la anima a buscar otros novios. Jennie no se molesta en ocultar estos romances en sus cartas; Joe finalmente se harta y tiene una cita doble con Charlie y dos chicas. Beulah, la cita de Joe, inicialmente se muestra entusiasmada con el romance en ciernes (" So Far "), pero se aleja disgustada cuando Joe, que es incapaz de apartar los pensamientos de Jennie de su mente, se queda dormido después de un beso apasionado. Jennie rompe con el chico que Joe temía que se casara con ella, y está esperando a Joe cuando regresa a casa ("You Are Never Away"). Marjorie Taylor está convencida de que Jennie no es la chica adecuada para Joe, y después de una confrontación con Jennie cuando ella le dice esto, Marjorie muere de un ataque al corazón. A pesar de la desaprobación de ambas familias ("Qué hermoso día para una boda"), Joe y Jennie se casan, una boda observada por los infelices fantasmas de Marjorie y la abuela ("Deséenles bien").
Es la Depresión . Joe se gana la vida como ayudante de su padre. El negocio del señor Brinker ha fracasado y él vive con la pareja, que experimenta la pobreza por primera vez en sus vidas. La pobreza afecta a Jennie más que a Joe: a la nueva señora Taylor no le gusta la vida de ama de casa empobrecida ("El dinero no lo es todo"). Cuando se entera de que Joe rechazó una oferta lucrativa de un destacado médico de Chicago, que es el tío de Charlie, Jennie se enfurece al principio. Cuando descubre que eso no funciona, lo convence de cambiar de opinión a través de la culpa: si acepta la oferta del doctor Denby, podrá ganar el dinero para poner en marcha el pequeño hospital con el que sueña su padre y tendrán el dinero para criar a un niño como es debido.
Joe acepta el trabajo y, tristemente, abandona a su padre. Pronto se encuentra atendiendo a hipocondríacos; se le exige que pase tiempo en cócteles marcados por conversaciones inútiles ("Yatata, Yatata, Yatata"). Charlie también forma parte de la práctica, pero la ex estrella del fútbol se ha vuelto alcohólica. El propio Joe se está volviendo descuidado debido a las distracciones; su enfermera, Emily, detecta un error y piensa que Joe es demasiado descuidado, pero de todos modos está enamorada de él ("The Gentleman Is a Dope"). Denby felicita a Joe por sus habilidades, tanto médicas como sociales. El anciano médico tiene menos tiempo para una enfermera, Carrie Middleton, que ha trabajado en su hospital durante treinta años y una vez salió con él, pero que está involucrada en una protesta laboral; Denby ordena que la despidan a pedido de Lansdale, un influyente fideicomisario y fabricante de jabón. Charlie, Joe y Emily comentan sobre el ritmo frenético del mundo de Chicago en el que viven ("Allegro").
Joe se ha ido desilusionando cada vez más de su vida en la ciudad y se preocupa por sus antiguos pacientes en su ciudad natal. Se entera de que Jennie tiene una aventura con Lansdale. Mientras Joe está sentado, con la cabeza entre las manos, su difunta madre y un coro de los amigos que dejó atrás le piden que regrese ("Vuelve a casa"). A Joe le han ofrecido el puesto de médico jefe en el hospital de Chicago, en sustitución de Denby, que está asumiendo un puesto ejecutivo, o como lo define el médico mayor, "le han dado una patada en el piso superior". En la inauguración de un nuevo pabellón en el hospital, Joe tiene una revelación y cambia el rumbo de su vida; mientras lo hace, aparece la abuela y llama a Marjorie para que vaya a verlo, un eco de la escena en la que aprendió a caminar. Joe rechaza el puesto y regresará a su pequeño pueblo para ayudar a su padre, acompañado por Emily y Charlie, pero no por Jennie (Final: "One Foot, Other Foot" (repetición)).
Dado el extraordinario éxito de Oklahoma! y Carousel , Allegro fue esperado con gran interés por la comunidad teatral y el público. [18] El musical atrajo $ 750,000 en ventas anticipadas, en un momento en que el precio máximo de la entrada para un musical de Broadway era de $ 6. [19]
Allegro se estrenó en Broadway en el Majestic Theatre el 10 de octubre de 1947. Fue protagonizada por John Battles como Joseph Taylor Jr., Annamary Dickey como Majorie Taylor, William Ching como el Dr. Joseph Taylor, Roberta Jonay como Jennie Brinker, Lisa Kirk como Emily y John Conte como Charlie Townsend. [20] Una actuación especial la tarde del estreno para amigos y asociados generó un aplauso entusiasta; el público en la inauguración oficial esa noche aplaudió poco. Como dijo el esposo de De Mille, Walter Prude, Allegro fue "como un petardo mojado". [19]
Las críticas mixtas provocaron discusiones continuas sobre el mérito de la obra, que continuaron mucho después de la primera noche. [21] Algunas de las noticias que generó el espectáculo no tenían nada que ver con su valor: de Mille hizo despedir a la bailarina Francis Rainer, y Rainer alegó que el despido se debió a su activismo sindical. Después de que Actors' Equity se involucrara, Rainer fue recontratada. Más mala publicidad llegó cuando los productores propusieron despedir a varios miembros de la orquesta y el coro para reducir los costos para que el espectáculo pudiera continuar hasta el verano de 1948, y los artistas despedidos también alegaron el despido por la participación sindical. [22] El espectáculo cerró el 11 de julio de 1948 después de 315 funciones, [23] y en el otoño, comenzó una gira nacional. [24] La gira nacional duró ocho meses, mucho más corta que la de Oklahoma! o Carousel . No se montó ninguna producción en Londres. Según Thomas Hischak en su The Rodgers and Hammerstein Encyclopedia , el espectáculo obtuvo una pequeña ganancia; [25] Otras fuentes afirman que el programa perdió dinero. [16] [26]
El espectáculo fue popular en la década de 1950 entre las sociedades de teatro amateur, debido al gran elenco sin estrellas y al escenario vacío. Rara vez se ha recuperado profesionalmente: la Ópera Municipal de San Luis lo presentó en 1955; Goodspeed Musicals lo presentó en Connecticut en 1968. Una versión abreviada fue presentada Off-Off-Broadway en 1978 por Equity Library Theatre. [25]
En marzo de 1994, New York City Center Encores! presentó una versión de concierto en escena , con un elenco que incluía a Stephen Bogardus (Joseph Taylor Jr.), Karen Ziemba y Jonathan Hadary . Christopher Reeve fue el narrador y el concierto fue dirigido por Susan H. Schulman . [27] Una versión revisada de Allegro , reescrita por Joe DiPietro , que era un protegido del hijo de Oscar, James Hammerstein , se produjo en el Signature Theatre (Arlington, Virginia) en enero de 2004. Esta versión redujo el musical en tamaño y escala. El elenco fue cortado y se combinaron algunos personajes; las orquestaciones originales, lujosas, se simplificaron. [28]
El estreno canadiense de Allegro tuvo lugar en 2004, a cargo de la compañía Toronto Civic Light-Opera. Con orquesta completa y un elenco de 30 personas, la producción fue diseñada y dirigida por Joe Cascone, y se convirtió en una de las inspiraciones para la grabación estelar de 2009. Asistieron Ted Chapin, Bruce Pomahac y Dena Hammerstein , respectivamente, director ejecutivo de la organización Rodgers & Hammerstein, director musical de R&H y nuera de Hammerstein. La producción fue un gran éxito, tanto artístico como económico para la compañía.
El Astoria Performing Arts Center, en colaboración con Actors' Equity, montó una producción del 1 al 17 de mayo de 2014 en Astoria, Queens, Nueva York, dirigida por Tom Wojtunik. APAC tiene oficinas en los históricos Kaufman Astoria Studios; el espacio de actuación de APAC se encuentra dentro de la Iglesia Metodista Unida Good Shepherd.
Una versión editada de 90 minutos dirigida por John Doyle fue presentada por la Classic Stage Company en la ciudad de Nueva York en noviembre de 2014.
El espectáculo tuvo su estreno europeo en una reposición que tuvo lugar en el Southwark Playhouse , Londres, Reino Unido, de agosto a septiembre de 2016, con críticas positivas.
Aunque Allegro está lleno de música, la música está fragmentada, ya que los personajes a menudo comienzan a cantar brevemente. El personaje de Joe era inusual para un protagonista masculino de la época, ya que tenía relativamente poco que cantar; [29] Joe solo tiene un número solista ("A Darn Nice Campus"). Se dan canciones importantes a personajes secundarios, como "So Far", que se le da a Beulah, que solo aparece en una cita con Joe. [30] El autor y compositor Ethan Mordden llama a la técnica de Rodgers "la deconstrucción de la música teatral, para que coincida con la deconstrucción del diseño teatral tradicional del espectáculo". [29]
La música de Rodgers es más sutil que en sus musicales anteriores y sus melodías más apagadas. Los cambios de tonalidad son menos dramáticos que en otros musicales de la época. [4] Rodgers no pretendía que las canciones se convirtieran en éxitos; en cambio, estaban diseñadas para atraer al público hacia la acción, ya que los acontecimientos que sucedían en el escenario se describían subjetivamente en las canciones. [30]
En 1947 se publicó una grabación del reparto original, muy abreviada. Según Hischak, solo Lisa Kirk como Emily brilla en la grabación, a la que llama "tristes evidencias de un proyecto muy ambicioso". [25] Originalmente publicada por RCA Victor Records en cinco discos de 78 rpm , las ventas fueron pobres; Victor no la reeditó en LP durante la rápida transición de los discos de 78 rpm a los discos de larga duración en 1949-1950, cuando la mayoría de las compañías discográficas estaban transfiriendo apresuradamente sus catálogos completos al nuevo medio. La grabación estuvo disponible brevemente en estéreo simulado en la década de 1960, y fue reeditada en la década de 1970 en el mono original. [31] La grabación del reparto original se lanzó en disco compacto en 1993. [32]
En 2008 se realizó una grabación de estudio de la banda sonora completa, con un elenco estelar que incluía a Patrick Wilson como Joe, Nathan Gunn y Audra McDonald como sus padres, Marni Nixon como la abuela, Laura Benanti como Jennie, Liz Callaway como Emily, Judy Kuhn como Beulah, Norbert Leo Butz como Charlie, con apariciones especiales de Stephen Sondheim , Schuyler Chapin y, a través de grabaciones de audio de archivo, Oscar Hammerstein. El álbum, producido por Sony Masterworks Broadway , fue lanzado el 3 de febrero de 2009. [33] Según el autor de teatro musical John Kenrick , "este elenco de estudio estelar glorifica todo lo que está bien con esta banda sonora melodiosa y a veces aventurera". [34]
La vocalista Jo Stafford tuvo un éxito pop con 'The Gentleman Is a Dope' en 1947.
Frank Sinatra llevó 'A Fellow Needs a Girl' al número 24 en 1947. Otra canción del musical, ' So Far ', fue la cara B del disco de 78 rpm. [35]
El musical recibió críticas mixtas tras su estreno. El crítico del New York Times, Brooks Atkinson, opinó que Rodgers y Hammerstein "se habían perdido por poco el esplendor final de una obra de arte perfecta". [20] Robert Coleman del New York Daily Mirror afirmó que " Allegro es la perfección", [19] y añadió que era "una combinación sorprendente de belleza, integridad, inteligencia, imaginación, gusto y habilidad... que le da una nueva estatura al escenario musical estadounidense". [25] Ward Morehouse de The Sun escribió que Allegro era "distinguido y tumultuoso. Ocupa su lugar junto a Oklahoma! y Carousel como una pieza teatral de gusto, imaginación y espectáculo". [19]
Sin embargo, Wolcott Gibbs de The New Yorker calificó el musical como "una decepción impactante". [19] Robert Garland, en el New York Journal American sugirió que Rodgers y Hammerstein "habían confundido allegro [que significa a un ritmo rápido] con, digamos, lento , que significa 'lento', 'sin prisa' e incluso francamente 'serio'". [19] El crítico George Jean Nathan , en un artículo especial en el Journal American , denunció "tales tonterías como la familiar escena de la boda y el fantasma de una madre que regresa a intervalos para evitar que su hijo cometa un error, pero un número parlanchín de cóctel parafraseado de una vieja película de Noël Coward , un número universitario ídem de uno anterior de George Abbott , y varios otros elementos que difícilmente rivalizan con la margarita en frescura". [36] En Theatre Arts , Cecil Smith calificó a Allegro como "aceptable sólo como un ejercicio de escenografía, no como una obra de arte... Allegro fracasa donde Our Town tuvo éxito... La vida de Joseph Taylor, Jr. tiene poco o nada que decirnos sobre nuestras propias vidas". [37] Louis Kronenberger de New York PM calificó el espectáculo como "un fracaso total". [38]
La dirección y coreografía de De Mille fueron generalmente reseñadas de manera positiva; Cecil Smith la aplaudió por la "facilidad y el diseño impecable con el que Miss De Mille aporta movilidad a estos coros no bailables [que cantan y hablan]... ningún musical anterior se ha acercado a Allegro en consistencia de movimiento, maestría en el ritmo y forma de patrones visuales". [39] El crítico de danza del Times , John Martin, afirmó: " Allegro definitivamente ha hecho historia" por dar De Mille "forma y sustancia al material con poco de ambos". [38] Dance Magazine la elogió por crear "la ilusión de espacio y profundidad mucho más allá de los confines del proscenio". [38]
Como el desacuerdo continuó después de la noche del estreno, Wayne Abrams escribió en el Chicago Sun-Times : "Nadie es neutral respecto de Allegro . La obra musical de Hammerstein-Rodgers-de Mille está cerca de la perfección o es un fracaso rotundo. Hay mucho margen para el desacuerdo". [21]
Hammerstein se sintió amargado por la reacción del público y de la crítica a su libro, y sintió que lo habían malinterpretado. La percepción pública era que Hammerstein había dado a entender que la gente de los pueblos pequeños era buena mientras que sus primos de las grandes ciudades eran neuróticos y venales. El letrista protestó, señalando que el peor personaje del musical era una chica de pueblo, pero según el biógrafo de Hammerstein, Hugh Fordin, "sabía que era culpa suya que el mensaje no fuera claro". [16] En un prefacio al guion publicado, publicado en 1948, Hammerstein intentó nuevamente dejar en claro su punto de vista:
Es una ley de nuestra civilización que, tan pronto como un hombre demuestra que puede contribuir al bienestar del mundo, se crea inmediatamente una conspiración para destruir su utilidad, una conspiración en la que suele ser un colaborador voluntario. A veces se da cuenta del peligro y hace algo al respecto. [40]
Según Frederick Nolan, en su libro sobre la música de la pareja, "Si lo analizamos hoy, el principal defecto de Allegro parece haber sido que se adelantó a su tiempo, la integración de la historia y la música era demasiado avanzada incluso para el público que ahora se estaba acostumbrando a los musicales que realmente tenían historias". [15] Sondheim señaló: " Allegro fue un intento de utilizar el teatro épico en el teatro musical contemporáneo. Utilizó un coro griego y trató de contar la historia de una vida, no a través de eventos sino a través de generalidades. Esto es lo que ahora se llamaría un enfoque brechtiano ". [41]
Una década después del estreno de Allegro , tras enterarse de su cáncer terminal, Hammerstein volvió al musical con la esperanza de corregir sus defectos, pero no completó el proyecto. [42] Mientras grababa una cinta de historia oral para la Universidad de Columbia , Hammerstein declaró: "Tenía la intención de que Dick escribiera música para ella [el coro de Allegro ], pero terminamos recitando el coro en su lugar... No culpo a nadie, porque todos lo aceptamos, todos colaboramos... pero fue un error". [43] Rodgers declaró más tarde que el espectáculo era "demasiado sermoneador, que era el único defecto que tenía Oscar, si es que tenía alguno", [30] y "[n]ada de qué avergonzarse, ciertamente". [44] Rodgers defendió aún más la obra: "Los comentarios que hicimos sobre los compromisos que exige el éxito, así como algunos de los problemas satíricos secundarios (la hipocondría, el cóctel vacío) aún se mantienen". [41]
El relativo fracaso de Allegro reforzó la determinación del equipo de conseguir otro éxito. El autor James Michener recordó su reunión con el dúo sobre la posibilidad de convertir su libro Tales of the South Pacific en un musical. "Estaban ardiendo por dentro por la recepción que tuvo Allegro . Esos tipos estaban tan furiosos que estaba bastante seguro de que podrían hacer un gran musical a partir de la guía telefónica del Bronx". [41] Ese proyecto se convertiría en South Pacific y sería un gran éxito. [45]
Hischak vincula el fracaso de Allegro a un cambio en el estilo de la pareja:
El fracaso de Allegro sólo empañó parcialmente la reputación de Rodgers y Hammerstein; después de todo, fue un fracaso muy respetable. Sin embargo, las repercusiones a largo plazo fueron más graves. R&H nunca más experimentaría con tanta audacia y correría el riesgo de perder su audiencia. Continuarían inventando cosas sorprendentes y maravillosas, pero los días de innovación radical y temeraria habían terminado. A partir de entonces, se aferrarían a lo probado y verdadero. Allegro marcó el final de la revolución de R&H. [25]
Fuentes en línea
