Se puede decir que Francia fue líder en el desarrollo del arte románico y gótico antes de que el Renacimiento llevara a Italia a convertirse en la principal fuente de desarrollos estilísticos hasta que Francia igualara nuevamente la influencia italiana durante el Barroco tardío y el Neoclasicismo y luego recuperara el papel principal en las artes desde el siglo XIX hasta mediados del XX.
Los monumentos del arte griego en la Galia, en las factorias que habían establecido allí, también son muy escasos.
[1] La escultura en la Edad Media, ya sea en Francia o en el resto de Europa y el mundo cristiano, estaba íntimamente ligada al mundo religioso y, más específicamente, a la arquitectura religiosa en la que frecuentemente encajaba.
Servían para la instrucción de las multitudes, siendo verdaderos libros en piedra y vidrio.
Durante este período, los artistas cristianos adoptaron los saberes romanos de la pintura, mosaico, escultura y trabajos del metal.
El clipeus, que lleva el retrato del difunto o un epígrafe, aparece muy rápidamente en los sarcófagos cristianos.
El strigilous perdió rápidamente su forma oval, pero permaneció esencialmente fiel a la disposición original de la decoración.
En el curso del siglo IV , el tipo columnar se volvió más complejo en su ornamentación arquitectónica y algunas veces fue reemplazado por elementos vegetales.
En la Galia merovingia, las decoraciones talladas aparecen en las tumbas más ricas, donde algunos prefieren el enterramiento en sarcófagos a menudo trapezoidales adornados con cruces y motivos geométricos hasta el siglo VII, y cubiertos con follajes vegetales hasta el final del período merovingio.
El molde de esta estatua, el único bronce sobreviviente del siglo VIII , se hizo en 3 partes —el caballo, la cabeza y el cuerpo— que fueron ensambladas después.
La escultura sobre capitel se extiende a partir del año mil, aunque sus comienzos fueron tímidos: en las iglesias italianas de la primera mitad del siglo XI se retoma el modelo corintio, más o menos estilizado (marquesina con palmetas).
Otros lugares (Borgoña, Cataluña) experimentan los capiteles con entrelazado y hojas de acanto.
La basílica Saint-Sernin de Toulouse (segunda mitad del siglo XI) conserva 260 capiteles románicos.
[3] Son muchos los edificios que tienen conjuntos esculpidos, destacando: El arte cisterciense se desarrolló en respuesta a los excesos del arte románico desarrollado por Cluny y se caracterizó por un esteticismo refinado al extremo.
Por lo tanto, en la década de 1170, los conventos principales recibieron adornos Sin embargo, la escultura en el arte cisterciense siguió siendo rara, y se limitaba esencialmente a ornamentaciones estilizadas y depuradas o algunas estatuas raras muy simples.
Además, aunque las iglesias y las estatuas estuvieron pintadas generalmente en la Edad Media, este no fue el caso en el arte cisterciense, ya que el color estaba reservado a las iluminaciones.
La aparición del arte gótico fue vista como una innovación y fue nombrado opus modernum ( obra moderna), siendo la escultura una de sus expresiones más importantes.
La escultura gótica nació estrechamente vinculada a la arquitectura, como se observa en la decoración de las grandes catedrales y otros edificios religiosos, pero con el tiempo fue ganando independencia.
[13] El gótico de los dos primeros periodos, fue una iniciativa, principalmente, del arte producido en Francia, incluso cuando ya tuvo más presencia en otros lugares.
En la catedral de Reims, las esculturas poseen una estilística más cercana a la de la figura humana, con las vestiduras que se adaptan al cuerpo, con actitudes y expresiones que reflejan emociones y sentimientos.
Las tumbas seguían siendo como las del siglo XIII, pero con las imágenes que reflejaban mejor los retratos de los difuntos, destacando la del rey Carlos V de Francia y sus dos inmediatos sucesores, obras realizadas por André Beauneveu.
En Francia, en el siglo XVI, un poco más tarde, nacerá una segunda generación de grandes escultores, muy influenciados por el arte italiano.
También son destacables Jean Varin, medallista brillante, o, en la estatuaria funeraria, la moda del orante arrodillado, forma que ya existía en el XVI, retomada en particular por Thomas Boudin y Michel Bourdin.
El segundo equipo de Versalles, cuyo papel era decorar Versalles y los palacios reales desde 1661, incluía a escultores como François Girardon, Antoine Coysevox, Nicolas Coustou, los hermanos Balthazar y Gaspard Marsy y especialmente Pierre Puget, celebrado muy temprano como «el Miguel Ángel de Francia», genio barroco (del que fue uno de los introductores en Francia) y uno de los principales representantes del espíritu clásico francés del Gran Siglo en la escultura.