Sergei Prokofiev se puso a trabajar en su Concierto para piano n.° 2 en sol menor , op. 16, en 1912 y lo completó al año siguiente. Sin embargo, esa versión del concierto se pierde; La partitura fue destruida en un incendio tras la Revolución Rusa . Prokofiev reconstruyó la obra en 1923, dos años después de terminar su Concierto para piano n.° 3 , y declaró que estaba "tan completamente reescrita que casi podría considerarse [Concierto para piano] n.° 4". De hecho, su orquestación tiene características que son claramente posteriores al concierto de 1921. Actuando como solista, Prokofiev estrenó este "Nº 2" en París el 8 de mayo de 1924 bajo la dirección de Serge Koussevitzky . Está dedicado a la memoria de Maximilian Schmidthof, un amigo de Prokofiev en el Conservatorio de San Petersburgo , que se había suicidado en abril de 1913 [1] después de haber escrito una carta de despedida a Prokofiev. [2]
La obra está compuesta para piano solo, dos flautas , dos oboes , dos clarinetes , dos fagotes , cuatro trompas , dos trompetas , tres trombones , tuba , timbales , bombo , caja , platillos , pandereta y cuerdas . Consta de cuatro movimientos que duran entre veintinueve y treinta y siete minutos.
Prokofiev estrenó la obra originalmente el 5 de septiembre de 1913 (23 de agosto en el calendario utilizado en Rusia en ese momento), interpretando la parte de piano solo, en Pavlovsk . [3] La mayor parte de la audiencia reaccionó intensamente. El temperamento salvaje del concierto dejó una impresión positiva en algunos de los oyentes, mientras que otros se opusieron al sonido discordante y modernista ("¡Al diablo con esta música futurista!" "¿Qué está haciendo, burlándose de nosotros?" "Los gatos en ¡El techo hace mejor música!"). [4] [5]
Cuando la partitura orquestal original fue destruida en un incendio tras la Revolución Rusa , [6] Prokofiev reconstruyó y revisó considerablemente el concierto en 1923; en el proceso, hizo que el concierto, en sus propias palabras, fuera "menos cuadrado" y "un poco más complejo en su tejido contrapuntístico". [6] El resultado final, consideró Prokofiev, fue "tan completamente reescrito que casi podría considerarse [Concierto] No. 4". [1] ( El Concierto para piano n.º 3 se había estrenado en 1921). Estrenó esta versión revisada del concierto en París el 8 de mayo de 1924, bajo la dirección de Serge Koussevitzky . [1]
Sigue siendo uno de los conciertos para piano técnicamente más formidables del repertorio estándar. El biógrafo de Prokofiev, David Nice, señaló en 2011: "Hace una década, habría apostado que solo había una docena de pianistas en el mundo que podían tocar correctamente el Segundo Concierto para piano de Prokofiev. Argerich no lo tocaría, Kissin retrasó su aprendizaje e incluso Prokofiev, como virtuoso, se había metido en un lío terrible al intentar interpretarla con Ansermet y la Orquesta Sinfónica de la BBC en la década de 1930, cuando se le había escapado de las manos." [7]
El primer y el último movimiento duran alrededor de doce minutos cada uno y constituyen una de las músicas más dramáticas de todos los conciertos para piano de Prokofiev . Ambos contienen cadencias largas y desarrolladas y la cadencia del primer movimiento por sí sola ocupa casi toda la segunda mitad del movimiento.
El primer movimiento se abre tranquilamente con cuerdas y clarinete tocando un tema entrecortado de dos compases que, según sugiere el biógrafo de Prokofiev, Daniel Jaffé, "suena casi como un tema de pasacalles de bajo molido, ese símbolo musical del destino implacable". [8] El piano toma el relevo, construyendo sobre un acompañamiento de ondulaciones respiratorias con la mano izquierda, un tema narrante en sol menor que, en palabras del biógrafo soviético Israel Nestyev, "sugiere una historia tranquila y seria en la línea de una leyenda romántica". [9] Este tema de apertura contiene una segunda idea, [10] un tema escalico en ascenso; como observa Robert Layton , cuando más tarde es retomada por cuerdas al unísono como "una amplia melodía cantada, uno siente que el ejemplo de Rachmaninov no ha pasado completamente desapercibido". [11]
Un breve fuerte , respaldado por la orquesta, conduce a un tercer tema expansivo y andante interpretado nuevamente por el pianista solista; Layton señala que esto "espera con ansias su contraparte en el Tercer Concierto para piano: no hay duda de su carácter ligeramente frívolo". [11] La sección de recapitulación está, en efecto, llevada enteramente por la notoriamente agotadora cadencia de cinco minutos del solista, una de las cadencias más largas y difíciles del repertorio de piano clásico, que lleva al oyente hasta el clímax del movimiento. Compuesto en dos pentagramas, el piano toca una repetición de su propio tema de apertura. Un tercer pentagrama, que requiere que el pianista realice frecuentemente grandes saltos con ambas manos, contiene el motivo del acompañamiento orquestal anterior.
La carga acumulada finalmente se libera en un clímax prematuro (sol menor), marcado como fff y colosal , que consiste en un triplete oscilante de semicorchea que recorre las cuatro octavas superiores del piano, mantenido en ritmo mediante un acompañamiento de entrepierna de la mano izquierda que salta. El propio Prokofiev describe este como uno de los lugares más difíciles del concierto. [12]
Los últimos compases antes del clímax absoluto están marcados como tumultuosos y alcanzan una discordia suprema cuando el do sostenido menor choca con el re menor.
Mientras ambas manos se separan para abrazar el piano fff en re menor, un acento en cada nota, la orquesta anuncia su regreso, las cuerdas y los timbales se hinchan furiosamente de p aff . El oyente está expuesto al estruendo apocalíptico de varios cuernos, trombones, trompetas y tuba, que, como lo describe Jaffé, "tocan siniestramente el tema inicial del 'destino' en fortissimo ", [8] mientras el piano, las flautas y las cuerdas todavía chillan. al unísono arriba y abajo en los rangos más altos. Dos choques de platillos ponen fin al cataclismo en sol menor.
Un decrescendo devuelve la música a un piano casi espeluznante en el que el piano presenta tímidamente el segundo tema narrante , hace eco de sus últimas notas, lo repite pianissimo , siempre desvaneciéndose. Las cuerdas del pizzicato apuntan varias veces más al tema inicial, cuyo significado ahora se ha revelado.
El scherzo tiene una forma excepcionalmente estricta considerando la parte de piano. La mano derecha y la mano izquierda tocan un tenaz unísono, casi 1.500 semicorcheas cada una, literalmente sin un momento de pausa: Robert Layton describe al solista en este movimiento como "un futbolista virtuoso que conserva la iniciativa mientras el equipo contrario (la orquesta) carga tras a él". [11] A unas diez notas por segundo y sin apenas variaciones de velocidad, este movimiento dura alrededor de dos minutos y medio y supone un desafío de concentración inusual para el pianista. Muestra la línea motora de las cinco "líneas" (caracteres) que Prokofiev describe en su propia música. (Otras piezas similares incluyen la Toccata en re menor y el último movimiento de la Sonata para piano n.° 7 ). Un motivo fugaz, que hará una aparición importante en el movimiento final, aparece (fig. 39 en la partitura) en la parte de los violonchelos: "un triplete más corchea con inflexión cromática, tocado dos veces antes de terminar". [8] A diferencia de los otros tres movimientos, es principalmente en re menor .
En lugar de un movimiento lírico lento que podría haberse esperado después de un scherzo (cf. Segundo Concierto para piano de Brahms ), Prokofiev ofrece un Intermezzo trepidante y amenazador. [11] Layton caracteriza este movimiento como "en cierto modo el más caracterizado de los cuatro movimientos, con sus destellos de ingenio sardónico y armonías progresistas". [11]
El movimiento comienza con un tema de bajo con pies pesados, dirigido a ser tocado con fuerza ( pesante ) y fortissimo . La música ha vuelto a sol menor. Cuerdas, fagot, tuba, timbales y gran cassa (bombo) marchan junto con determinación melancólica. Los trombones pronuncian bruscamente una D, seguida de la tuba y el oboe en un repentino diminuendo. Durante varios compases, la orquesta lanza amenazas cada vez menores, al mismo tiempo que avanza inexorablemente hacia la tónica, momento en el que entra el piano y la música inmediatamente gana fuerza. La marcha de la introducción continúa mientras el piano modula hacia un nuevo territorio armónico. Hay un momento de respiro en esta "procesión sarcásticamente grotesca" con la única aparición de "un tema introvertido de lirismo entumecido". [8] Después de una reformulación del material anterior, la música se aventura en un nuevo tema lírico en re menor, marcado como pp y dolce, un poco scherzando . El piano y las flautas se deslizan con gracia hacia arriba y hacia abajo por las octavas superiores. Luego, el piano repite el tema solo, humorístico y seco , antes de unirse a la orquesta. La tensión aumenta y la música asciende hasta alcanzar un clímax, cuando el tema de apertura regresa con siniestros trombones y acordes estridentes en la parte superior del piano. Los instrumentos de viento de madera bajan la intensidad y el movimiento termina silenciosamente con un último golpe de ingenio.
Cinco octavas por encima de la nota final del intermezzo, una diatriba en fortissimo salta del cielo, escrita en4
4pero con un patrón repetido de siete corcheas de largo (acentuadas como 4+3 ). Después de seis compases, se estabiliza en las proximidades del do central. Corriendo hasta una acciaccatura semitonal ácida en ambas manos, el piano pasa a una carrera de acordes de octava y notas individuales, saltando maniáticamente arriba y abajo del teclado dos veces por compás. Se selecciona un tema audible, y durante una repetición de piano y staccato del tema, las cuerdas y flautas se apresuran, haciendo que la música se detenga por un momento. Un momento después el piano vuelve a tocar fuerza y el sprint se reanuda. Se repite tres veces más en total antes de que el piano realice un tormentoso galope de tríadas ( tempestoso ), con las manos separadas más o menos simétricamente, mientras las cuerdas lanzan un acompañamiento frenético de octavas regulares en staccato. El piano pone fin momentáneamente a su propia furia con una maniobra apenas factible, saltando ambas manos tres o cuatro octavas simultáneamente y fortissimo en el tiempo de una semicorchea. Pero para entonces el sprint se ha transformado en una "persecución aterradora con un motivo de triplete obsesivamente repetido [escuchado fugazmente por primera vez en el movimiento Scherzo] eclipsado por los siniestros rugidos de la tuba y los trombones". [8] Sólo unos momentos después, la orquesta se detiene y el piano, sin acompañamiento, toca acordes suaves pero disonantes que, sugiere Jaffé, "recuerdan los acordes en forma de campana que abren la pieza final de las Seis pequeñas piezas para piano de Schoenberg". Op. 19", que fueron compuestas en homenaje a Mahler poco después de su muerte. (Jaffé señala que Prokofiev había introducido la música de Schoenberg en Rusia tocando las piezas Op. 11, y sugiere que Prokofiev pudo haber conocido y haberse inspirado en la Op. 19 de Schoenberg para usar un motivo de campana similar para conmemorar a Schmidthof.) [8]
El piano se mantiene a un lado durante ocho compases mientras las cuerdas, todavía mf , se embarcan en un nuevo episodio. Luego, el solista toca un tema melancólico en re menor de carácter similar al tema de apertura para piano del primer movimiento, caracterizado por Jaffé como una "canción de cuna" al tiempo que nota (al igual que Nestyev) [13] su afinidad con Mussorgsky . Los fagotes retoman el tema del piano errante, mientras que el piano pasa a un acompañamiento de semicorchea de pp . La música finalmente termina, con "una versión que suena abatida del tema de la canción de cuna en fagot cortada abruptamente por una cadencia de sonido muy articulada y muy final de la orquesta". [8] Pero, como señala Jaffé, "el pianista no deja que las cosas descansen... sino que elabora el tema de la 'persecución'", iniciando así "no tanto una cadencia... sino una meditación poscadencial sobre el acordes de 'campana'". [8] La orquesta se une después de un tiempo, reintroduciendo el tema de la "canción de cuna" del piano, mientras la parte del solista todavía fluye a lo largo de las octavas. La clave cambia regularmente de La menor a Do menor y viceversa, la música se vuelve cada vez más amplia y más difícil de tocar. Ritmo y melodía caen entonces en un piano abrupto , no menos amenazador que el fuerte anterior . El cromatismo rodante hace que la música suba hasta un fortissimo , mientras la orquesta todavía proclama el tema de piano originalmente melancólico. Este es el único lugar fuera del andantino donde el piano supera el rango anterior de siete octavas, saltando dos octavas hasta B 7 en una sola vez.
Un largo diminuendo de ráfagas de piano deslizantes lleva el volumen a un mínimo de pp (Prokofiev no utiliza ni una sola vez un ppp en la parte de piano del concierto). Luego, una feroz explosión ( ff ) de la orquesta inicia la feroz repetición.
La primera grabación del concierto se realizó en noviembre de 1953 y se publicó al año siguiente en Remington Records : R-199-182. El pianista era Jorge Bolet , la Orquesta Sinfónica de Cincinnati estaba dirigida por Thor Johnson , y bajo la supervisión de Laszlo Halasz y Don Gabor. La interpretación de Bolet marcó un estándar por el cual se juzgaron varias grabaciones posteriores: Shura Cherkassky y Herbert Menges (HMV mono); Nicole Henriot y Charles Munch (con un mal corte en el primer movimiento; estéreo RCA); y Malcolm Frager y René Leibowitz (también estéreo RCA). Tedd Joselson, que entonces tenía 19 años, lanzó su carrera discográfica con este trabajo en colaboración en 1973 con la Orquesta de Filadelfia y el director Eugene Ormandy (nuevamente en RCA).
La Página Prokofiev , un sitio web de Sugi Sorensen, recomendó la grabación de Gutiérrez con Järvi y la Orquesta Real del Concertgebouw ; [14] esto recibió más elogios cuando se reeditó en 2009. [15] [16] La grabación de Yundi Li con Ozawa y la Filarmónica de Berlín en 2007 es ampliamente elogiada: [17] [18] [19] [20] The New York Times lo recomendó y lo consideró como el más notable del año, [21] mientras que figura en The Penguin Guide to Recorded Classical Music 3 Stars. [22] Más recientemente, la grabación de Kissin, ganadora del Grammy , con Ashkenazy ahora dirigiendo la Orquesta Filarmónica , ha recibido elogios, al igual que la de Wang y Dudamel. [23] [24]
El scherzo del concierto proporciona la partitura musical para el corto animado del animador suizo Georges Schwizgebel , Jeu . [25] [26]
