La pintura decorativa en la región de Hälsingland de Suecia ( en sueco : Hälsingemålning , "pintura de Helsingia") se ha practicado como una tradición de arte popular desde el siglo XVI. Empleada como un medio de decoración de interiores en las casas de campo de Hälsingland, la tradición ha sido practicada en su mayoría por artistas autodidactas y ahora olvidados. Las pinturas murales generalmente se aplicaban con pintura al temple después de cubrir la superficie dura de madera con lino grueso . La pintura decorativa de muebles también fue una manifestación omnipresente del estilo artístico. Los temas religiosos fueron predominantes hasta el siglo XVIII, después del cual la selección de motivos se volvió más diversa. Las primeras atribuciones confiables de interiores conservados a artistas nombrados se refieren a obras de ese período de tiempo. A principios del siglo XIX, los artistas de formación clásica comenzaron a participar e influir en el estilo, mientras que una afluencia de artistas populares expertos en la tradición dalcarliana dejaron su huella en la región. También se introdujo la práctica de decorar las paredes con la ayuda de plantillas como una alternativa más económica al papel pintado impreso, tan de moda pero todavía muy caro . A finales del siglo XIX, la tradición del arte popular se había degenerado y entró en decadencia.
Hälsingland se considera una de las principales áreas de arte popular sueco debido a la importante cantidad de obras preservadas. [1] La mayoría de las decoraciones preservadas de la época se han encontrado cerca de los lagos Dellen , así como en los valles fluviales de Ljusnan y Voxnan . [2] La época dorada de la pintura decorativa en Hälsingland, entre 1800 y 1870, fue vital para la designación de las Casas Rurales Decoradas de Hälsingland como Patrimonio de la Humanidad . [3]
Hälsingland tiene una gran cantidad de tierra cultivable y un buen cultivo de lino , producción de lino y bosques que proporcionan madera de calidad. Estos factores económicos se han alegado comúnmente como razones para la correspondiente abundancia de casas de campo ricamente decoradas en Hälsingland. [4] [5] [6] Por el contrario, los estudios de las tradiciones del arte popular en otras áreas de Suecia han demostrado que la abundancia de pintura decorativa no depende necesariamente de la acumulación de riqueza. [7] La importancia a menudo citada del lino como facilitadores económicos del estilo artístico también ha sido cuestionada. [8]
Se han conservado varios fragmentos de obras del siglo XVI pintadas sobre tejido de lino. [9] De hecho, en Hälsingland se ha descubierto una parte desproporcionadamente grande de todos los tapices nórdicos pintados que proceden del siglo XVI. Esto se debe principalmente al hallazgo de Alfta desenterrado en 1964, después de que se quitaran las tablas del suelo de la granja Hans-Ers durante la renovación. El hallazgo consta de varios tapices de diferentes marcas y orígenes desconocidos. [10] Una de las piezas más exquisitas vuelve a contar la historia del Libro de Ester con los personajes en vestimentas contemporáneas del siglo XVI. En la parte posterior del tapiz muestra un patrón más antiguo, posiblemente del siglo XV. [11] Otro tejido de mediados del siglo XVI representa a las mujeres como representaciones alegóricas de la misericordia , la prudencia y la justicia . [12]
A finales del siglo XVI, los agricultores de Hälsingland amueblaban sus casas con muebles pintados y ricamente decorados. En aquella época, la mayoría de los agricultores suecos no tenían ningún mueble pintado. [13] Los documentos de archivo de 1500 a 1601 revelan al menos 20 personas con el título de "pintores", lo que indica que sus servicios eran muy solicitados. [9]
La mayor parte de la pintura tradicional realizada durante el siglo XVII se ha perdido, y solo se conservan restos fragmentarios. Estos fragmentos muestran una amplitud tanto en la elección de motivos como en el estilo, [14] con predominio de los colores gris, negro y rojo. [15] En una granja de la parroquia de Ljusdal se descubrió un motivo bíblico, en este caso pintado al temple sobre tejido de lino. De los fragmentos de texto contenidos en el tapiz, se trata de la historia del rey Salomón , pero los personajes están vestidos de nuevo de acuerdo con la moda sueca del siglo XVI. [16] Los pintores de paredes de la época aplicaban la pintura directamente sobre la superficie de madera, aunque era habitual realizar preparaciones, como rellenar las grietas entre los troncos con una especie específica de musgo y luego cubrirlo con trozos de lino. Las preparaciones se completaban cubriendo la pared con una capa de temple blanco. Una vez que la pintura base se había secado, el artista podía empezar a trabajar. [17] Varias casas del clero de la provincia todavía utilizaban tapices tradicionales para vestir las paredes como medio de decoración. [18]
El tema bíblico seguía siendo fuerte durante el siglo XVIII. Junto con las personas, los caballos se convirtieron en un componente favorito de la composición. [19] En las habitaciones decoradas de la casa , era costumbre pintar todas las superficies, incluidas las paredes y los techos. Para ambos, todavía se usaba temple blanco para la capa base. [20] Los pintores de paredes separaban la superficie en secciones con bordes de vinos de uva pintados y columnas . Además de los jinetes y otros personajes, las secciones ostentaban flores y frutas en grandes urnas. [12] Los techos estaban adornados con vinos de uva, hojas de laurel y abundantes rosetas de flores . [20]
Durante la mayor parte del siglo XVIII, la paleta de colores se limitó a los pigmentos que se podían obtener de forma natural: hollín o carbón para el negro, tiza o cal para el blanco, tierra ferrosa para el rojo y, a partir de depósitos de tierras locales raras, se fabricaba un tinte amarillo. [21] A mediados del siglo XVIII se introdujo el azul de Prusia y siguió siendo popular durante todo el siglo XIX. [22] [23] Las primeras atribuciones adecuadas que conectan a varios artistas locales con sus obras son de principios y mediados del siglo XVIII. Entre ellos se encuentran Gustaf Reuter , un cabo que servía en la compañía de Delsbo , y Erik Ersson , de Källeräng en la parroquia de Delsbo. [19]
Durante el siglo XIX, el estilo del arte popular se vio influenciado por primera vez por artistas con formación formal y clásica. Tanto Jonas Wallström como Olof Hofrén eran artistas cultos expertos en pintura de paisajes que dibujaban columnas, donde especialmente las de Hofren eran fieles al estilo clásico. [24] En la pintura figurativa hubo una migración en la elección de motivos que se alejaban de las omnipresentes escenas bíblicas. Otra novedad fue la popularización de las imitaciones de mármol al temple en los vestíbulos de las casas. [25] [26]
A principios de la década de 1770, Dalarna sufrió malas cosechas, lo que obligó a los pintores de la provincia a viajar hacia el este en busca de trabajo en regiones prósperas. [27] Varios pintores dalcarlianos estuvieron activos en la provincia de Gästrikland desde la década de 1770 en adelante y durante el siglo XIX su estilo colorido tuvo una gran demanda entre los campesinos ricos de Hälsingland. A medida que el papel se hizo cada vez más disponible en el siglo XIX, los pintores pudieron trabajar desde casa, en Dalarna, y hacer que las obras se entregaran a sus compradores, lo que facilitó la difusión del estilo dalcarliano. [28] Los pintores dalcarlianos que estaban activos en Hälsingland ajustarían sus elecciones tanto de motivos como de paleta de colores hasta cierto punto, para cumplir con las expectativas de sus nuevos clientes. [29] Los dalcarlianos solían firmar sus obras. Debido a esta práctica, su presencia en la provincia ha sido históricamente exagerada, en comparación con los helsingios locales que a menudo renunciaban a firmar su arte. [30]
A principios del siglo XIX, el papel pintado impreso empezó a competir con la tradición del arte popular y a complementarla. [31] Estos papeles pintados eran en su mayoría impresos en bloque. [32] Inicialmente, los agricultores de Helsingia se contentaban con limitar el uso del papel pintado a una sola habitación, normalmente la pequeña cámara de la "parstuga", y a principios de siglo incluso esta costumbre era poco común. [33] Se considera que los papeles pintados impresos inspiraron la pintura mural basada en esténcil, que fue introducida durante la década de 1830 por Jonas Wallström. Contratar a un pintor de esténciles era considerablemente más barato que comprar papel pintado impreso real. [34] La tradición de Helsingia era relativamente avanzada en términos tanto de patrones basados en esténciles como de su combinación con motivos figurativos, en comparación con otras tradiciones de arte popular sueco. [35]
A medida que el acceso al papel pintado mejoró durante las décadas de 1840 y 1850, su uso se generalizó y más de una habitación estaba decorada comúnmente con papel pintado impreso. A pesar de esto, hubo un aumento correspondiente en la demanda de pintura decorativa. [33] No fue hasta la segunda mitad del siglo XIX que el papel pintado impreso suplantaría las decoraciones pintadas, y el uso de pinturas enmarcadas también se volvió habitual. [36] La sustitución de los fuegos abiertos por estufas de hierro fundido durante la década de 1860 permitió el uso de papel pintado en las cocinas de las casas de campo. [33] A partir de la década de 1870, la caída de los precios permitió que incluso las clases bajas pudieran permitirse el papel pintado. [31] Desde una perspectiva más amplia, la creciente industrialización y las influencias del modernismo habían estado erosionando las costumbres tradicionales locales. [37] Hacia fines del siglo XIX, la tradición de la pintura helsingiana se había degenerado y entró en decadencia. [38]
Los nombres de la mayoría de los pintores de Helsingia, así como los creadores de la mayoría de los interiores conservados, se han perdido para la historia, como resultado de la tradición de no firmar sus obras. Aun así, se conoce por su nombre a varios artistas de los siglos XVIII y XIX. [39] La falta de firmas ha llevado a que muchas de las atribuciones anteriores sean cuestionadas, debido a análisis dudosos y a haber favorecido demasiado a pintores conocidos. [40] Las investigaciones científicas han demostrado que la cooperación entre artistas era extremadamente común, lo que complica aún más las atribuciones posteriores. [41]
Varios pintores conocidos eran soldados o al menos habían sido engendrados por soldados. [38] Hasta 1846, la afiliación al gremio era obligatoria, pero solo para los pintores activos en pueblos y ciudades. En el campo, el consejo de socken estaba autorizado a aprobar a los artesanos locales. [42] Los registros eclesiásticos indican que muchos pintores eran pobres y murieron sin apenas un centavo a su nombre. La mayoría de los pintores conocidos son hombres, pero hay ejemplos documentados de mujeres que participaron, como la esposa y el hijo de Gustaf Reuter trabajando en la iglesia de Delsbo, mientras Gustaf estaba lejos en una campaña militar. [39] Algunas de las esposas de los pintores de Dalcarlia contribuyeron, entre ellas Anna Hansdotter, la esposa de Bäck Anders Hansson . [43]
La pintura decorativa como oficio se transmitía frecuentemente dentro de las familias; el conocimiento también podía adquirirse al casarse con un miembro de una familia de artistas. [44] Algunos patrones recurrentes, como los adornos de acanto y las técnicas para marmolear , parecen haber sido influenciados por los gustos de la nobleza y los ornamentos sacros de los interiores de las iglesias. Muchos pintores de iglesias habían adaptado a su vez su estilo de las decoraciones de las iglesias del continente europeo, a donde habían viajado en busca de empleo. [45] Los pintores fraternizaban, cooperaban y aprendían unos de otros mientras ejercían su oficio, [46] [47] y, en conjunción con las expectativas de sus clientes, surgieron y prevalecieron estilos locales y variaciones de los mismos. [48] Estos estilos se han descrito en los tiempos modernos utilizando términos comunes de la historia del arte : el estilo Karl Johan de la parroquia de Arbrå , el estilo gustaviano de la parroquia de Ljusdal y el barroco de las parroquias de Forsa y Delsbo . [49] Durante períodos prolongados, individuos o grupos de pintores prominentes influirían en el estilo local. [50] Los pintores itinerantes a su vez podrían inspirarse en tales peculiaridades, ampliando su influencia a medida que vagaban por el campo en busca de empleo. [46] [51]
Reuter fue el hombre detrás del estilo de pintura decorativa estilizada popularizado en el área de Dellen durante el siglo XVIII. Como soldado del Regimiento Hälsinge, con frecuencia se encontraba fuera en campañas militares. [52] El estilo ha sido caracterizado como barroco con elementos del renacimiento . [53] Retrataba tanto personajes bíblicos como líderes militares a caballo. [52] Su método habitual para componer secciones de pared usaba marcos pintados de vides, cortinas, flores y frutas. El amarillo, el rojo y el marrón dominan la paleta, y los contornos de sus personajes están claramente demarcados en negro. [54] A lo largo de su carrera, Reuter se asociaría con varios pintores más jóvenes, apodados retroactivamente la "Escuela de Delsbo", para salvaguardar las opciones estilísticas de su tradición local. [55] A diferencia de muchos otros, Reuter firmaba regularmente su producción, lo que facilitaba significativamente el discernimiento entre las obras del maestro y las de sus estudiantes. [54] Los interiores conservados por Reuters se conservan en Delsbo Forngård, Bjuråker Forngård, el Museo Hälsingland en Hudiksvall , el museo Ljusdal y en la granja de Delsbo en el museo al aire libre Skansen en Estocolmo . [56] [57]
Hallberg fue uno de los primeros artistas con formación formal. Después de asistir a la escuela de arte en Estocolmo, se mudó al norte, a Hudiksvall, donde se hizo un nombre, principalmente como pintor de iglesias, pero también decoraba interiores de casas de campo, como Vallingården en Växbo. Dominada por tonos de marrón y rojo, la paleta de colores de Hallberg es sombría. Sus muchos interiores de iglesias se basaron en diseños icónicos de grandes maestros. [58] Su alumno más famoso, Jonas Åkerström, comenzaría su carrera como pintor de interiores de casas de campo y terminaría como pintor de la corte de Gustavo III . [59] El propio Hallberg trabajó en al menos una docena de iglesias en el norte de Hälsingland, incluido el retablo de la iglesia de Delsbo, terminado en 1764. [60]
Hertman nació y creció en Bollnäs y, según la tradición oral, fue aprendiz del artista local Sven Hult en Söderhamn . Su esposa acompañaba a Hertman en sus viajes y pintaba con él. [55] Los motivos religiosos de Hertman incluyen el bautismo , la pasión y la ascensión de Jesús , que según el anticuario Ingemar Svensson contiene elementos influenciados por los cambios culturales que presagiaron el renacimiento cristiano del siglo XIX . [a] [61] A lo largo de su carrera pasaría del barroco ingenuo al rococó . Muchas pinturas incluyen detalles de grabados en cobre reproducidos en una edición sueca de Himmlischer Liebeskuss de Heinrich Müller . Hertman también se ganaba la vida como relojero . [62] Sus obras se han conservado en casas de campo en las parroquias de Alfta , Arbrå , Bollnäs, Mo, Ovanåker y Rengsjö . [55] La interpretación de Hertman de la Lebenstreppe se exhibe en la casa de campo de Schols en Näsbyn y su pasión de Jesús se muestra en las paredes de la cabaña de Bollnäs en Skansen. [63]
Wallström nació en Vallsta y adoptó un nuevo apellido, en honor a su lugar de nacimiento. [64] Entre 1814 y 1821 vivió en Hudiksvall trabajando como aprendiz del artista Anders Winberg. [65] Continuó como oficial en el taller de Gustaf Söderberg en Estocolmo (1823-1831) y probablemente recibió tutoría del pintor de tapices Carl Fredric Torsselius. [64] [65] Cuando regresó a la zona de Vallsta en la década de 1830, rápidamente se convirtió en el pintor de esténcil más distinguido del valle medio del río Ljusnan. [66] Wallström completó varios interiores que consistían en motivos a mano alzada y pintura con esténcil. Su estilo típico incluye marcos dorados, columnillas y ornamentación al estilo de Karl Johan, con patrones de esténcil ricos y dibujados por expertos. Los motivos entre estos adornos suelen ser paisajes románticos o pastorales . [67] [68] Los interiores decorados de Gästgivars en Vallsta, completados por Wallström, han alcanzado el estatus de Patrimonio de la Humanidad. [66] Otras obras suyas se conservan en el Museo Hälsingland, [69] Renshammar en Bollnäs, Wallins en Växbo, Lars-Pers en Hov y en Arbrå Fornhem. [67]
La creación y pintura decorativa de muebles independientes era una costumbre entre los campesinos de Hälsingland en una fecha anterior a la de otras partes del país, y se estableció cada vez más durante el siglo XVII. [74] El origen de las piezas individuales de mobiliario suele ser evidente tanto en los estilos de carpintería como de pintura particulares de las diversas parroquias de la región. [75] No todos los muebles estaban decorados de forma elaborada. Los objetos importantes, incluidos cofres y cajas fuertes, así como armerías y relojes de caja alta , fueron priorizados para su embellecimiento. [76] Los armarios eran objetos de estatus no solo por sus adornos a menudo intrincados, sino porque contenían los objetos más caros de la propiedad, incluida la metalistería . [77] Los relojes de caja alta eran populares entre los campesinos más ricos a fines del siglo XVIII. Si bien el estilo en Hälsingland era único, las mismas piezas valiosas eventualmente se pintaron decorativamente en muchas provincias de Suecia. [76]
La tradición de decorar las superficies de las mesas que decoraban los grandes salones era característica de Helsinga; los ejemplos más antiguos datan de finales del siglo XVI. [78] La costumbre era especialmente común en la parroquia de Delsbo , donde se han conservado numerosos tableros de mesa, arcones y armarios pintados de los siglos XVI y XVII. [79] Muchos artistas de Dalarna trabajaban como pintores de muebles en la provincia de Hälsingland. [80] No era raro que el artista que decoraba paredes y techos también decorara los muebles. [81] El resultado final podía diferir ligeramente, incluso cuando se había contratado al mismo pintor. Los diferentes materiales y la durabilidad requerida de los muebles exigían diferentes pigmentos y agentes aglutinantes, que a su vez dictaban el resultado decorativo. [82]
En el estilo helsingio se utiliza una amplia selección de colores. [83] Durante los siglos XVIII y XIX, los colores eran comúnmente mezclados por los propios pintores. Hay informes de pintores que recogían pigmentos de depósitos de tierra locales, pero el método habitual era comprarlos a los comerciantes. [84] Los análisis de pigmentos de obras del siglo XVIII han revelado diferentes pigmentos amarillos y rojos, y la presencia de tinte índigo , tiza , negro de carbón y ocre (rojo y amarillo). [85] El ocre estuvo de moda durante el siglo XIX y se unió a los óxidos de plomo rojos y amarillos , azul de Prusia , amarillo cromo , cinabrio , cardenillo y verde de París . [22] [86] La disponibilidad mejoró a principios y mediados del siglo XIX a medida que se relajaban las leyes comerciales y varios comerciantes abrieron nuevas tiendas en la provincia. Estas mejoras, junto con el lanzamiento de pigmentos sintéticos producidos industrialmente durante la década de 1860, ofrecieron nuevas oportunidades. [87]
Los pigmentos en polvo se mezclaban con agua o alcohol, tras lo cual se añadían espesantes como huevo, cola o aceite de lino . [84] Estos productos naturales se conseguían de los agricultores locales. [22] El temple a base de cola era omnipresente para decorar paredes y techos. Las barras de cera hechas de cola animal hirviendo se calentaban y se mezclaban con tiza para crear pintura blanca para la capa base. [88] Las paredes cubiertas de temple son sensibles tanto a la humedad como al desgaste, pero por lo demás son resistentes a la degeneración. Los muebles y los artículos del hogar (como cofres, armerías y puertas, que se esperaba que soportaran el desgaste) se decoraban con témpera o pintura al óleo . [88] La pintura de muebles se realizaba sobre madera sin tratar, con una capa base de tiza y cola que solo se utilizaba ocasionalmente. [89] El temple a base de huevo que se utilizaba era una mezcla de huevos, aceite de lino, pigmentos y agua. La pintura al óleo pura, con aceite de lino, se utilizaba para las paredes exteriores. [88]
La pintura mural se aplicaba directamente sobre una superficie de madera, sobre un tejido de lino fino o, a partir del siglo XIX, sobre papel grueso. [2] [38] Rara vez se trabajaba en adobe , ya que se utilizaba con moderación como medio de aislamiento en la provincia de Hälsingland. [90] Las decoraciones sobre madera se hacían sobre paneles de madera planos que cubrían la madera o sobre la propia superficie de la madera. [91]
Los pintores eran competentes en diversas técnicas, empleando pintura salpicada, marmoleado, pintura con esténcil y combinaciones con papel tapiz impreso, para crear diversas expresiones. [92] [51]
En el estilo helsingio, en comparación con otras tradiciones de arte popular sueco, eran más comunes los jaspeados distintivos y las imitaciones de madera fluida. [29] El nivel de artesanía helsingio también era más alto, probablemente a través de la inspiración directa de las imitaciones artesanales en las iglesias locales. [29] Dado que los artistas populares probablemente nunca habían observado mármol real, hubo una tendencia con el tiempo a que estas imitaciones se volvieran cada vez más estilizadas. [45] Las imitaciones de fondo gris eran frecuentes, pero el jaspeado también se hacía sobre fondos rojos. [93] En el área de Ljusdal se popularizaron varios estilos de jaspeado de fondo azul. [94] En la parroquia de Järvsö, a fines del siglo XVIII se impuso una cierta forma de pintar muebles, llamada "jaspeado de nubes". El estilo utiliza fondos azul oscuro logrados con negro de carbón y azul de Prusia , con líneas de nubes en albayalde . [95] Al mismo tiempo, los artistas de Ljusdal favorecieron una versión más clara del jaspeado azul para pintar muebles. El patrón se había utilizado anteriormente para la decoración de interiores en iglesias locales. [96]
El salpicado fue una técnica muy utilizada por la élite sueca durante los siglos XVII y XVIII para imitar piedras caras. [97] [98] Cada vez más utilizada por la gente común durante los siglos XVIII y XIX, [97] se convirtió en una técnica básica de los pintores de Helsingia. Debido a su naturaleza resistente, se utilizó ampliamente en los vestíbulos y cocinas de las casas de campo de Hälsingland. [93] Las manchas y el desgaste desaparecían en el desorden general de la superficie manchada. Se realizaron muchas versiones de salpicado, siempre sobre una capa base de temple. Cuando el temple se había secado, las manchas se esparcían sobre la pared con ramitas de abedul. [93] [99] Los artistas usaban pigmentos contrastantes sobre una base roja para imitar el pórfido exclusivo . [100]
El uso de plantillas para crear patrones complejos imitando el papel pintado impreso se popularizó en Hälsingland a principios del siglo XIX. Los artistas ya habían estado usando plantillas, [25] pero eran "plantillas positivas" y se aplicaba pintura alrededor de sus contornos para crear personajes y varias formas. El estilo novedoso usaba "plantillas negativas" donde los artistas pintaban dentro de las formas talladas de estas plantillas. [25] [101] Se combinaban formas geométricas simples y estructuras vegetales para crear patrones intrincados. [93] Los artistas trabajaban sobre papel o cartón , aplicados a una capa de tela o directamente sobre la madera de la pared. [102] De manera similar, las plantillas se hacían con papel y cartón tratados con goma laca para mejorar la rigidez y la durabilidad. [103] Otros materiales utilizados para hacer plantillas eran chapa negra , chapa metálica , cuero y corteza de abedul . [93]
Los pintores con esténciles favorecían el uso del temple. [104] La capa base se dejaba secar durante varias horas, [105] después de lo cual los esténciles se rellenaban con un pincel de pelo de cerdo o un pincel de punteado. [106] Para patrones más complejos, se utilizaban series de esténciles en secuencia con marcadores fiduciales para lograr la sincronización. El artista procedía paso a paso a lo largo de la superficie y creaba una apariencia de profundidad variando los tintes. [107] Los esténciles fueron aparentemente popularizados por Jonas Wallström , pero pronto fueron adoptados por muchos artistas helsingios y dalcarlianos activos en la provincia. [108] A mediados del siglo XIX, el coste del papel pintado impreso disminuyó, lo que contribuyó al declive de la pintura con esténcil. [105]
Las piezas de carpintería, incluidas las puertas y los paneles, a veces se sometían a técnicas de veteado que imitaban especies de madera más nobles. [25] Al igual que el marmoleado, el veteado de Helsingia era bastante estilizado, pero en muchos casos más cercano a la cosa real de lo habitual en el arte popular sueco. [109] [110] Los artistas usaban tela, dedos y las palmas de sus manos, o en ocasiones peines hechos a medida de varios materiales, a menudo cuero. [105] [111] Las propiedades especiales requeridas de la pintura veteada se aseguraban mediante el uso de agentes aglutinantes no convencionales, como cerveza , jarabe o productos lácteos . [105]
Desde el 1 de julio de 2012, siete casas de campo de Hälsingland han sido incluidas en la lista de Patrimonio de la Humanidad . Las casas de campo han sido seleccionadas para representar el estilo de pintura decorativa de la época dorada del siglo XIX. [112] La primera nominación incluyó una selección diversa de 15 granjas y entornos, incluidos pueblos enteros y un fäbod (un sitio para la trashumancia ). [113] La nominación fue rechazada en la conferencia de la UNESCO en Sevilla en junio de 2009, pidiendo una selección más concentrada de sitios. [114] Posteriormente, se mantuvieron cinco granjas de la nominación original y se agregaron dos más, reconocidas por sus elaborados interiores. [113] En 2024, la pintura con esténcil de Helsingia fue reconocida como patrimonio cultural inmaterial de la UNESCO . [115]
Un desprecio por el estilo tradicional se convertiría en una amenaza para su conservación. [39] A finales del siglo XIX, los viejos diseños fueron ridiculizados, [116] y hay numerosos informes de principios del siglo XX de tapices de cientos de años de antigüedad cortados en pedazos para paños de cocina, mientras que viejos muebles ricamente pintados fueron cortados en leña, señales de que estos artefactos se consideraban habituales y domésticos, y no era importante preservarlos para las generaciones futuras. [39] Muchos interiores pintados desaparecerían a medida que el interés por la renovación alcanzó su punto máximo durante los años 1940 y 1950. [117] Sin embargo, a diferencia de la pintura dalcarliana, no hubo un aumento en la demanda a finales del siglo XIX, lo que evitó la disipación de obras a compradores dispuestos y museos. [118] Por lo tanto, se han conservado más obras en su ubicación original, en comparación con otras tradiciones de arte popular sueco. La mayor parte de lo que se ha conservado se encuentra en fragmentos de tejido, papel grueso y tablones de madera. [119] Los interiores completos en su ubicación original son en su mayoría de la época dorada del siglo XIX. [120]
La conservación también se ha visto facilitada por las costumbres hereditarias que han mantenido la propiedad de las casas de campo dentro de la misma familia durante generaciones. [1] Por tradición, los grandes salones solo se utilizaban en raras ocasiones y en su mayoría permanecían vacíos, lo que reducía el riesgo y la necesidad de realizar renovaciones. [117] La mayoría de las propiedades estaban formadas por numerosos edificios pequeños, que ayudaban pasivamente a la conservación, ya que no todos fueron objeto de renovaciones a lo largo de los años. Las habitaciones y los edificios que dejaban de utilizarse solían quedar intactos, ya que se utilizaban para almacenamiento. [1]
A principios del siglo XX, en las universidades y museos se produjo un gran interés por las tradiciones del arte popular. La pintura de Helsingia se identificó como una de las tres tradiciones principales, junto con la pintura dalcarliana y la pintura de tapices del sur. [77] Sigurd Erixon, del Museo Nórdico de Estocolmo, escribió varios artículos sobre la pintura de Helsingia durante las décadas de 1920 y 1930. [121] [122] A medida que el interés académico se suavizaba durante la última parte del siglo XX, los museos locales y las asociaciones patrimoniales continuaron con el trabajo de recopilación e inventario. [77] Ingemar Svensson y Hilding Mickelsson llevaron a cabo una investigación a gran escala durante la década de 1960, con el apoyo del Museo Regional de Gävleborg y la Asociación del Patrimonio de Gästrike-Hälsinge. Los resultados de sus esfuerzos se publicaron en el libro Hälsingemålningar (1968). [123] [122] A finales del siglo XX se realizaron inventarios adicionales bajo la supervisión de Kerstin Sinha en el Museo Ljusdal, en cooperación con asociaciones locales de patrimonio. [48] [124] Durante las décadas anteriores y posteriores al año 2000, hubo un nuevo aumento del interés académico, en esta ocasión por parte de los estudiosos de la historia del arte . Se publicaron varias disertaciones y tesis sobre el tema de la pintura de Helsingia. [77]