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Una obra de teatro es una forma de drama que consiste principalmente en diálogos entre personajes y está destinada a ser representada en el teatro, no solo para su lectura . El creador de una obra de teatro se conoce como dramaturgo .
Las obras se representan en distintos niveles, desde el West End de Londres y el Broadway de Nueva York (los niveles más altos del teatro comercial en el mundo de habla inglesa) hasta el teatro regional , el teatro comunitario y producciones académicas en universidades y escuelas.
Una obra de teatro está diseñada específicamente para ser representada en el escenario, a diferencia de las obras destinadas a la radiodifusión o la adaptación cinematográfica. Se presentan en un escenario ante un público en vivo. Algunos dramaturgos, en particular George Bernard Shaw , han mostrado poca preferencia por si sus obras se representan o se leen. El término "obra" abarca los textos escritos de los dramaturgos y sus interpretaciones teatrales completas. [1]
Las comedias son obras diseñadas para provocar humor y a menudo presentan diálogos ingeniosos, personajes excéntricos y situaciones inusuales. Las comedias atienden a diversos grupos de edad. Las comedias fueron uno de los dos géneros originales del drama griego antiguo , el otro eran las tragedias. Algunos ejemplos de comedias incluyen El sueño de una noche de verano de William Shakespeare y, en la época moderna, El libro de Mormón . [2] [3]
Las farsas constituyen un subgénero de comedia sin sentido que con frecuencia incluye humor. A menudo se basan en situaciones exageradas y comedia física. Un ejemplo de farsa es la obra de William Shakespeare La comedia de las equivocaciones o la obra de Mark Twain ¿Está muerto ?
Las obras satíricas ofrecen una perspectiva cómica sobre los acontecimientos contemporáneos, a la vez que hacen comentarios políticos o sociales, y a menudo destacan cuestiones como la corrupción. Algunos ejemplos de obras satíricas son El inspector general de Nikolai Gogol y Lisístrata de Aristófanes . Las obras satíricas son una forma de comedia distinta y popular, que a menudo se considera un género aparte.
La comedia de la Restauración es un género que explora las relaciones entre hombres y mujeres, a menudo ahondando en temas atrevidos para su época. [4] Los personajes de las comedias de la Restauración encarnan con frecuencia diversos estereotipos, lo que contribuye a los temas consistentes del género. Esta similitud también condujo a una homogeneidad de mensaje y contenido en la mayoría de las obras de este género. A pesar de esto, la exploración de los aspectos tácitos de las relaciones por parte de la comedia de la Restauración fomentó una conexión más íntima entre el público y la actuación.
Los orígenes de la comedia de la Restauración se encuentran en las teorías de la comedia de Molière , aunque difieren en tono e intención. [5] La falta de alineación entre la moral del género y la ética predominante de su época es un punto de interés al estudiar la comedia de la Restauración. Esta disonancia podría explicar por qué, a pesar de su éxito inicial, la comedia de la Restauración no perduró hasta el siglo XVII. No obstante, los teóricos del teatro contemporáneo se han sentido cada vez más intrigados por la comedia de la Restauración a medida que exploran estilos de interpretación con convenciones únicas. [6]
Las tragedias se adentran en temas más oscuros como la muerte y el desastre. El personaje central, o protagonista , a menudo posee un defecto trágico que conduce a su caída. Las obras trágicas abarcan una amplia gama de emociones y enfatizan conflictos intensos. La tragedia fue el otro género original del drama griego antiguo junto con la comedia. Algunos ejemplos de tragedias incluyen Hamlet de William Shakespeare y la obra de John Webster La duquesa de Malfi . [2]
Las obras históricas se centran en hechos históricos reales. Pueden ser tragedias o comedias, aunque a menudo desafían estas clasificaciones. La historia surgió como un género diferenciado en gran medida debido a la influencia de William Shakespeare. Algunos ejemplos de obras históricas son Demetrius de Friedrich Schiller y El rey Juan de Shakespeare . [7]
La ópera balada, un estilo teatral popular en su época, marcó la primera forma de musical interpretado en las colonias americanas. El primer musical indígena americano se estrenó en Filadelfia en 1767, titulado "The Disappointment", que nunca progresó más allá de sus etapas iniciales.
El teatro musical occidental moderno ganó prominencia durante la era victoriana, con elementos estructurales clave establecidos por las obras de Gilbert y Sullivan en Gran Bretaña y Harrigan y Hart en Estados Unidos. En la década de 1920, los estilos teatrales comenzaron a cristalizarse, lo que otorgó a los compositores la autonomía para crear cada canción dentro de una obra. Estos nuevos musicales se adhirieron a convenciones específicas, a menudo presentando canciones de treinta y dos compases. La Gran Depresión impulsó a muchos artistas a pasar de Broadway a Hollywood, transformando la esencia de los musicales de Broadway. Un cambio similar ocurrió en la década de 1960, caracterizada por una escasez de compositores y una disminución de la vitalidad y el valor de entretenimiento de los musicales.
A principios de los años 90, la cantidad de musicales originales de Broadway disminuyó y muchas producciones adaptaron películas o novelas. Los musicales emplean canciones para avanzar la narrativa y transmitir los temas de la obra, generalmente acompañadas de coreografía. Las producciones musicales pueden ser visualmente complejas y exhibir decorados elaborados e interpretaciones de actores. Algunos ejemplos de producciones musicales incluyen Wicked y El violinista en el tejado .
Este estilo teatral se originó en la década de 1940, cuando Antonin Artaud planteó la hipótesis de que la expresión se debía a los efectos del cuerpo en lugar de a través de un "pensamiento socialmente condicionado". En 1946, escribió un prefacio a sus obras en el que explicaba cómo había llegado a escribir como lo hacía.
En primer lugar, Artaud desconfiaba del lenguaje como medio eficaz de comunicación. Las obras del género del teatro de la crueldad exhiben convenciones y contenidos abstractos. Artaud pretendía que sus obras tuvieran un impacto y lograran un propósito. Su objetivo era simbolizar el subconsciente a través de representaciones corporales, ya que creía que el lenguaje no era suficiente. Artaud consideraba que sus obras eran representaciones más que recreaciones, lo que indicaba que creía que sus actores encarnaban la realidad, en lugar de reproducirla.
Sus obras abordaban temas tan importantes como los pacientes de los pabellones psiquiátricos y la Alemania nazi. A través de ellas pretendía "hacer audibles las causas del sufrimiento". El público, que se quedó desconcertado por lo que vio inicialmente, reaccionó negativamente. Gran parte de su obra incluso fue prohibida en Francia durante esa época.
Artaud descartó la idea de que el teatro convencional de su época pudiera proporcionar al público una experiencia catártica que ayudara al proceso de curación después de la Segunda Guerra Mundial. Por esta razón, se inclinó por el teatro basado en la radio, donde el público podía conectar personalmente las palabras que escuchaba con sus propios cuerpos. Este enfoque hizo que su obra fuera más íntima e individualizada, lo que, en su opinión, aumentaría su eficacia a la hora de transmitir la experiencia del sufrimiento. [8]
Este género suele presentar representaciones metafísicas de cuestiones y dilemas existenciales. El teatro del absurdo rechaza la racionalidad y acepta la inevitabilidad de sumergirse en las profundidades de la condición humana. En lugar de discutir explícitamente estas cuestiones, el teatro del absurdo las encarna, lo que permite al público participar en un debate y una contemplación personal del contenido de la obra.
Un aspecto central del teatro del absurdo es la contradicción deliberada entre el lenguaje y la acción. A menudo, el diálogo entre los personajes contrasta marcadamente con sus acciones.
Entre los dramaturgos destacados de este género se incluyen Samuel Beckett , Jean-Paul Sartre , Eugène Ionesco , Arthur Adamov y Jean Genet . [9]
El término "obra" puede abarcar tanto un concepto general como designar específicamente una obra no musical. A diferencia de un " musical ", que incorpora música , danza y canciones cantadas por personajes, se puede utilizar el término "obra pura". Para una obra breve, se utiliza ocasionalmente el término "obra breve".
El término "guión" se refiere al texto escrito de una obra de teatro. Después de la introducción , que incluye el título y el autor, suele comenzar con un dramatis personae : una lista que presenta a los personajes principales de la obra por su nombre, acompañada de breves descripciones de los personajes (por ejemplo, " Stephano , un mayordomo borracho").
En el contexto de una obra musical ( ópera , ópera ligera o musical ), comúnmente se utiliza el término " libreto " en lugar de "guión".
Una obra de teatro se divide típicamente en actos , similares a los capítulos de una novela. Una obra concisa puede constar de un solo acto, conocido como "un acto". Los actos se dividen a su vez en escenas . Los actos y las escenas se numeran, y la numeración de las escenas se restablece a 1 al comienzo de cada acto posterior (por ejemplo, el acto 4, escena 3 podría ir seguido del acto 5, escena 1 ). Cada escena tiene lugar en una ubicación específica, indicada al comienzo de la escena en el guion (por ejemplo, " Escena 1. Ante la celda de Próspero "). Cambiar de ubicación generalmente requiere ajustar el escenario , lo que lleva tiempo, incluso si es solo un telón de fondo pintado, y solo puede ocurrir entre escenas.
Además del texto hablado por los actores, un guion incluye "direcciones escénicas" (distintas del uso del término en blocking , que implica la disposición de los actores en el escenario). Las direcciones escénicas comunes incluyen las entradas y salidas de los actores, por ejemplo, "[ Salen Caliban, Stephano y Trinculo ]" ( Exeunt es el plural latino de exit, que significa "[ellos] se van"). Las direcciones escénicas adicionales pueden dictar cómo se deben decir las líneas, como "[Aparte]" o "[Canta]", o especificar sonidos que se producirán fuera del escenario, como "[Trueno]".
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