.jpg/1280px-Macbeth_(32280144787).jpg)
Una obra de teatro es una forma de drama que consiste principalmente en un diálogo entre personajes y está destinada a una representación teatral más que a una mera lectura . Se conoce como dramaturgo al creador de una obra de teatro .
Las obras se representan en varios niveles, desde el West End de Londres y Broadway de la ciudad de Nueva York (los niveles más altos del teatro comercial en el mundo de habla inglesa) hasta teatro regional , teatro comunitario y producciones académicas en universidades y escuelas. Una obra de teatro está diseñada específicamente para su representación en el escenario, a diferencia de las obras destinadas a su transmisión o adaptación cinematográfica. Las obras de teatro se presentan en un escenario ante una audiencia en vivo. Algunos dramaturgos, en particular George Bernard Shaw , han mostrado poca preferencia en cuanto a si sus obras se representan o se leen. El término "obra de teatro" abarca tanto los textos escritos de los dramaturgos como sus representaciones teatrales completas. [1]
Las comedias son obras diseñadas para provocar humor y, a menudo, presentan diálogos ingeniosos, personajes excéntricos y situaciones inusuales. Las comedias se dirigen a diversos grupos de edad. Las comedias eran uno de los dos géneros originales del drama griego antiguo , siendo el otro las tragedias. Ejemplos de comedias incluyen El sueño de una noche de verano de William Shakespeare y, en la actualidad, El Libro de Mormón . [2] [3]
Las farsas constituyen un subgénero de la comedia sin sentido que frecuentemente involucra humor. A menudo se basan en situaciones exageradas y comedias slapstick. Un ejemplo de farsa es la obra de William Shakespeare La comedia de los errores o la obra de Mark Twain ¿Está muerto? .
Las obras satíricas brindan una perspectiva cómica sobre eventos contemporáneos y al mismo tiempo hacen comentarios políticos o sociales, a menudo destacando temas como la corrupción. Ejemplos de obras satíricas son El inspector gubernamental de Nikolai Gogol y Lisístrata de Aristófanes . Las obras de sátira son una forma de comedia distinta y popular, a menudo consideradas un género separado en sí mismas.
La comedia de restauración es un género que explora las relaciones entre hombres y mujeres, a menudo ahondando en temas atrevidos para su época. [4] Los personajes de las comedias de restauración con frecuencia encarnan varios estereotipos, lo que contribuye a la coherencia de los temas del género. Sin embargo, esta similitud también condujo a una homogeneidad de mensaje y contenido en la mayoría de las obras de este género. A pesar de esto, la exploración de la comedia de restauración de aspectos tácitos de las relaciones fomentó una conexión más íntima entre la audiencia y la actuación.
Los orígenes de la comedia de restauración tienen sus raíces en las teorías de la comedia de Molière , aunque difieren en tono e intención. [5] La desalineación entre la moral del género y la ética predominante en su época es un punto de interés al estudiar la comedia de restauración. Esta disonancia podría explicar por qué, a pesar de su éxito inicial, la comedia de restauración no perduró durante el siglo XVII. No obstante, los teóricos del teatro contemporáneo se han sentido cada vez más intrigados por la comedia de restauración a medida que exploran estilos de interpretación con convenciones únicas. [6]
Las tragedias profundizan en temas más oscuros como la muerte y el desastre. El personaje central, o protagonista , a menudo posee un defecto trágico que conduce a su perdición. Las obras trágicas abarcan una amplia gama de emociones y enfatizan conflictos intensos. La tragedia era el otro género original del drama griego antiguo junto con la comedia. Ejemplos de tragedias incluyen Hamlet de William Shakespeare y la obra de John Webster La duquesa de Malfi . [2]
Las obras históricas se centran en acontecimientos históricos reales. Pueden ser tragedias o comedias, aunque a menudo desafían estas clasificaciones. La historia surgió como un género distinto en gran parte debido a la influencia de William Shakespeare. Ejemplos de obras históricas incluyen Demetrius de Friedrich Schiller y King John de Shakespeare . [7]
La ópera balada, un estilo teatral popular de su época, marcó la primera forma de musicales interpretados en las colonias americanas. El primer musical indígena americano se estrenó en Filadelfia en 1767, titulado "The Disappointment". Sin embargo, esta producción nunca avanzó más allá de sus etapas iniciales.
El teatro musical occidental moderno ganó prominencia durante la época victoriana, con elementos estructurales clave establecidos por las obras de Gilbert y Sullivan en Gran Bretaña y Harrigan y Hart en Estados Unidos. En la década de 1920, los estilos teatrales comenzaron a cristalizar, otorgando a los compositores la autonomía para crear cada canción dentro de una obra. Estos nuevos musicales se adhirieron a convenciones específicas y a menudo presentaban canciones de treinta y dos compases. La Gran Depresión impulsó a muchos artistas a hacer la transición de Broadway a Hollywood, transformando la esencia de los musicales de Broadway. Un cambio similar ocurrió en la década de 1960, caracterizada por una escasez de compositores y una disminución en la vitalidad y el valor de entretenimiento de los musicales.
Al comenzar la década de 1990, el número de musicales originales de Broadway disminuyó y muchas producciones adaptaron películas o novelas. Los musicales emplean canciones para avanzar en la narrativa y transmitir los temas de la obra, generalmente acompañadas de coreografía. Las producciones musicales pueden ser visualmente complejas y mostrar decorados elaborados y actuaciones de actores. Ejemplos de producciones musicales incluyen Wicked y Fiddler on the Roof .
Este estilo teatral se originó en la década de 1940, cuando Antonin Artaud planteó la hipótesis sobre los efectos de expresarse a través del cuerpo en lugar de "mediante el pensamiento socialmente condicionado". En 1946 escribió un prefacio a sus obras en el que explicaba cómo llegó a escribir como lo hacía.
Ante todo, Artaud carecía de confianza en el lenguaje como medio de comunicación eficaz. Las obras del género del teatro de crueldad exhiben convenciones y contenidos abstractos. Artaud pretendía que sus obras tuvieran impacto y lograran un propósito. Su objetivo era simbolizar el subconsciente a través de actuaciones corporales, ya que creía que el lenguaje se quedaba corto. Artaud consideraba sus obras más bien representaciones que recreaciones, lo que indica que creía que sus actores encarnaban la realidad, en lugar de reproducirla.
Sus obras abordaron temas importantes como los pacientes en pabellones psiquiátricos y la Alemania nazi. A través de estas actuaciones, pretendía "hacer audibles las causas del sufrimiento". Sin embargo, el público inicialmente respondió negativamente, ya que quedó desconcertado por lo que vio. Gran parte de su trabajo incluso fue prohibido en Francia durante ese tiempo.
Artaud descartó la idea de que el teatro convencional de su época pudiera brindar al público una experiencia catártica que ayudaría al proceso de curación después de la Segunda Guerra Mundial. Por esta razón, se inclinó por el teatro radiofónico, donde el público podía conectar personalmente las palabras que escuchaba con sus propios cuerpos. Este enfoque hizo que su trabajo fuera más íntimo e individualizado, lo que creía que mejoraría su eficacia a la hora de transmitir la experiencia del sufrimiento. [8]
Este género suele presentar representaciones metafísicas de cuestiones y dilemas existenciales. El teatro del absurdo rechaza la racionalidad, abrazando la inevitabilidad de sumergirse en las profundidades de la condición humana. En lugar de discutir explícitamente estos temas, el teatro del absurdo los encarna. Esto deja que la audiencia participe en una discusión personal y en la contemplación del contenido de la obra.
Un aspecto central del teatro del absurdo es la contradicción deliberada entre lenguaje y acción. A menudo, el diálogo entre personajes contrasta marcadamente con sus acciones.
Entre los dramaturgos destacados de este género se incluyen Samuel Beckett , Jean-Paul Sartre , Eugène Ionesco , Arthur Adamov y Jean Genet . [9]
El término "obra" puede abarcar un concepto general o denotar específicamente una obra no musical. A diferencia de un " musical ", que incorpora música , danza y canciones cantadas por personajes, a menudo se utiliza el término "obra directa". Para una obra breve, ocasionalmente se emplea el término "playlet".
El término "guión" se refiere al texto escrito de una obra de teatro. Después de la portada , que incluye el título y el autor, suele comenzar con una dramatis personae : una lista que presenta a los personajes principales de la obra por sus nombres, acompañada de breves descripciones de los personajes (por ejemplo, " Stephano , un mayordomo borracho").
En el contexto de una obra musical ( ópera , ópera ligera o musical ), se utiliza comúnmente el término " libreto " en lugar de "guión".
Una obra de teatro suele dividirse en actos , similares a los capítulos de una novela. Una obra concisa puede consistir en un solo acto, conocido como "un solo acto". Los actos se dividen además en escenas . Los actos y escenas están numerados, y la numeración de las escenas se restablece a 1 al comienzo de cada acto posterior (por ejemplo, el Acto 4, Escena 3 puede ir seguido del Acto 5, Escena 1 ). Cada escena tiene lugar en una ubicación específica, indicada al inicio de la escena en el guión (por ejemplo, " Escena 1. Antes de la celda de Próspero "). Cambiar de ubicación generalmente requiere ajustar el escenario , lo que lleva tiempo, incluso si es solo una escena pintada. telón de fondo, y solo puede ocurrir entre escenas.
Además del texto hablado por los actores, un guión incluye "direcciones escénicas" (distintas del uso del término en bloqueo , que implica organizar a los actores en el escenario). Las acotaciones escénicas comunes incluyen las entradas y salidas de los actores, por ejemplo, "[ Salen Caliban, Stephano y Trinculo .]" ( Salen es el plural latino de salida, que significa "[ellos] se van"). Direcciones escénicas adicionales pueden dictar cómo se deben pronunciar las líneas, como "[Aside]" o "[Sings]", o especificar sonidos que se producirán fuera del escenario, como "[Thunder]".
Materiales de aprendizaje relacionados con Collaborative_play_writing en Wikiversity
