El arte participativo es un enfoque de la creación artística que implica la participación del público en el proceso creativo, permitiéndoles convertirse en coautores, editores y observadores de la obra. Este tipo de arte está incompleto sin la interacción física de los espectadores. Pretende desafiar la forma dominante de hacer arte en Occidente, en la que una pequeña clase de artistas profesionales crea el arte mientras el público asume el papel de observador pasivo o consumidor, es decir, compra el trabajo de los profesionales en el mercado. Entre las obras elogiadas por los defensores que popularizaron el arte participativo se incluyen Augusto Boal en su Teatro del oprimido , así como Allan Kaprow en los happennings .
Uno de los primeros usos del término aparece en la reseña del fotógrafo Richard Ross para la revista del Instituto de Arte Contemporáneo de Los Ángeles de la exposición "Downtown Los Angeles Artists", organizada por el Foro de Artes Contemporáneas de Santa Bárbara en 1980. Al describir las obras in situ de Jon Peterson , Maura Sheehan y Judith Simonian colocadas anónimamente en Santa Bárbara, Ross escribió: "Estos artistas tienen la responsabilidad hacia la comunidad. Su arte es participativo". [1]
El arte participativo exige que el artista no esté presente o que, de algún modo, sea capaz de retroceder lo suficiente para igualarse a los participantes. Ésta es la única forma de ofrecer a los participantes la capacidad de crear; sin este detalle, los participantes siempre responderán dentro del ámbito de autoridad del artista; se verán subyugados de esta manera y la obra no será participativa. Este detalle es de importancia central para afirmar la participación como una forma en sí misma y diferencia eficazmente la participación del arte interactivo, comunitario y socialmente comprometido. [2] Cualquiera de estas técnicas puede incluir la presencia del artista, ya que no afectará al resultado de la obra de la misma manera.
Existen diversos grados de participación, desde la manipulación nominal de un objeto, como las esculturas portátiles de Lygia Clark, hasta la entrega del cuerpo del artista a los caprichos del público en la performance Rhythm 0 de Marina Abramović de 1974. La teórica de los nuevos medios Beryl Graham ha comparado los diversos grados de participación en las artes con los ocho peldaños del poder descritos en la "Escalera de la participación ciudadana" de Sherry Arnstein , que van desde la manipulación hasta la consultoría simbólica y el control ciudadano total. [3]
En el número de otoño/invierno de la revista Oregon Humanities , el escritor Eric Gold describe "una tradición artística llamada ' práctica social ', que se refiere a obras de arte en las que el artista, el público y sus interacciones entre sí son el medio. Mientras que un pintor utiliza pigmentos y lienzos, y un escultor madera o metal, el artista de práctica social a menudo crea un escenario en el que se invita al público a participar. Aunque los resultados pueden documentarse con fotografías, videos u otros medios, la obra de arte es en realidad las interacciones que surgen del compromiso del público con el artista y la situación".
El arte participativo o interactivo crea una colaboración dinámica entre el artista, el público y su entorno. El arte participativo no es sólo algo que uno puede observar en silencio, sino algo en lo que participa. Lo toca, lo huele, escribe en él, le habla, baila con él, juega con él, aprende de él. Lo co-crea.
Existen numerosos ejemplos de artistas que realizan proyectos interactivos, socialmente comprometidos o basados en la comunidad. El problema que estos plantean surge cuando se los utiliza indistintamente con el término "arte participativo". El arte participativo es una forma en sí mismo, mientras que otros tipos de arte que interactúan con el público (práctica social, arte socialmente comprometido, arte comunitario, etc.) son sus subtipos. Si bien puede parecer paradójico, el hecho de que una obra de arte interactúe con el público no la convierte en participativa. Se ha producido cierta confusión nominal sobre el arte participativo, lo que ha obstaculizado su apreciación como una forma distinta. Es muy probable que esto haya ocurrido simultáneamente con el desarrollo del término estética relacional por parte de Bourriaud a fines de la década de 1990. Algunas otras técnicas de creación artística, como el "arte comunitario" , el " arte interactivo " o el " arte socialmente comprometido " han sido etiquetadas (erróneamente) como arte participativo, simplemente porque las sutilezas de la distinción no siempre se comprenden claramente o no se les presta atención. Muchas formas de cultura popular y medios más allá del arte visual se han vuelto cada vez más participativos con el auge de Internet y las redes sociales., que permiten a los usuarios "participar" a distancia. Nos llevan a creer que esto es "participativo", pero como sabemos, interactuar con las plataformas de redes sociales (participar) es en realidad contribuir con trabajo gratuito. Este tipo de "participación" no tiene nada que ver con el arte, pero sí refleja el problema central con la denominación en esta área de la creación artística. La participación puede usarse como un término general para los diversos tipos de interrelación que las obras de arte han creado con el público. Por ejemplo, 100 personas trabajando directamente con un artista para hacer arte en un museo es completamente diferente de un proyecto de artista ubicado en un centro comunitario local en una zona empobrecida de una ciudad. Ambos incluyen necesariamente la participación del público, pero es importante que no se confundan con el arte participativo simplemente porque, por un lado, los resultados de cada uno son completamente diferentes y están destinados a serlo (donde el primero está enredado y permanece en el enrarecido mundo del arte, mientras que el segundo solo tiene un verdadero valor público en su entorno original) mientras que, por otro lado, la participación no es participación. Como vemos en este ejemplo, los subtipos del arte participativo son reconocibles por sus nombres, pero no son todos iguales. Se puede ver una mayor complejidad en el hecho de que el arte participativo puede ser en sí mismo una forma. Se distingue de sus subtipos por la ausencia del autor. Este es el factor principal e importante para definir lo que es verdaderamente arte participativo porque cuando el autor no está presente o no es conocido, el participante adquiere verdadera capacidad de acción y participa plenamente. En cualquiera de las subformas (arte socialmente comprometido, arte comunitario, etc.) los participantes son, en el mejor de los casos, colaboradores y, en el peor, medios humanos. En cualquier caso, todos los "participantes" quedan subyugados por la presencia física del artista, negándoles autonomía.
Janet Cardiff ha creado varios recorridos de audio que los usuarios experimentan caminando rutas específicas del lugar y escuchando paisajes sonoros compuestos por el artista.
Figment es una muestra anual de arte participativo en la ciudad de Nueva York.
Antony Gormley ha involucrado al público en la creación de varias obras, entre las que destaca One & Other , que invitó a cientos de participantes a ocupar el pedestal vacío de Trafalgar Square y actuar o contribuir de algún modo a la obra.
Carsten Höller ha creado instalaciones interactivas como Test Site (2006), que invita a los participantes a jugar en toboganes gigantes instalados en la Tate Modern .
Allan Kaprow fue pionero en el campo del arte participativo con sus eventos Happening organizados en la ciudad de Nueva York en la década de 1960, que utilizaban instalaciones físicas y estímulos para facilitar experiencias estéticas a los participantes.
Aprendiendo a amarte más (2002–2009) fue una obra de arte en Internet de Miranda July y Harrell Fletcher que invitaba a los participantes a enviar respuestas a indicaciones escritas y mostraba un archivo de las obras de arte conceptual resultantes .
Adrian Piper dirigió una serie de eventos titulados Funk Lessons (1982-1984) que combinaban fiestas de baile participativas con conversaciones y conferencias sobre la cultura afroamericana.
El arte popular y tribal puede considerarse un predecesor o modelo del "arte participativo" contemporáneo, en el sentido de que muchos o todos los miembros de la sociedad participan en la creación del "arte". Sin embargo, en este punto surge la cuestión ideológica del uso , porque el arte creado en las instituciones artísticas es, por defecto, ya parte del mundo del arte y, por lo tanto, su uso percibido es completamente diferente de cualquier práctica ritualista o tradicional expresada por los grupos populares o tribales. Como escribió el etnomusicólogo Bruno Nettl, el grupo tribal "no tiene especialización ni profesionalización; su división del trabajo depende casi exclusivamente del sexo y, ocasionalmente, de la edad, y sólo en raras ocasiones ciertos individuos son competentes en alguna técnica en un grado distintivo... todos los miembros del grupo conocen las mismas canciones y hay poca especialización en la composición, la interpretación o la fabricación de instrumentos". [4]