La cerámica y porcelana (陶磁器, tōjiki , también yakimono (焼きもの) , o tōgei (陶芸) ) es una de las artesanías y formas de arte japonesas más antiguas , que se remonta al período Neolítico . [1] Los hornos han producido loza , alfarería , gres , alfarería vidriada , gres vidriado, porcelana y cerámica azul y blanca . Japón tiene una historia excepcionalmente larga y exitosa en la producción de cerámica. Los artículos de barro se fabricaban ya en el período Jōmon (10.500-300 a. C.), lo que dio a Japón una de las tradiciones cerámicas más antiguas del mundo. Japón se distingue además por la inusual estima que tiene la cerámica dentro de su tradición artística, debido a la perdurable popularidad de la ceremonia del té .
La historia de la cerámica japonesa registra los nombres de numerosos ceramistas distinguidos, y algunos eran artistas-alfareros, por ejemplo Hon'ami Kōetsu , Ogata Kenzan y Aoki Mokubei. [2] Los hornos anagama japoneses también han florecido a lo largo de los siglos, y su influencia pesa junto con la de los alfareros. Otro componente importante del arte japonés es la continua popularidad del gres sin esmaltar a alta temperatura incluso después de que la porcelana se hiciera popular. [2] Desde el siglo IV d.C., la cerámica japonesa a menudo ha sido influenciada por las sensibilidades artísticas de las civilizaciones vecinas del este de Asia, como la cerámica de estilo chino y coreano . Los ceramistas y alfareros japoneses se inspiraron en sus homólogos artísticos del este de Asia transformando y traduciendo los prototipos chinos y coreanos en una creación exclusivamente japonesa, con la forma resultante teniendo un carácter claramente japonés. Desde mediados del siglo XVII, cuando Japón comenzó a industrializarse, [3] los artículos estándar de alta calidad producidos en las fábricas se convirtieron en exportaciones populares a Europa. En el siglo XX, una moderna industria cerámica casera comenzó a arraigarse y surgir, con empresas notables como Noritake y Toto Ltd. que surgieron en todo el panorama cerámico japonés.
La cerámica japonesa se distingue por dos tradiciones estéticas polarizadas. Por un lado, existe una tradición de alfarería muy simple y toscamente terminada, principalmente en loza y utilizando una paleta apagada de colores tierra. Esto se relaciona con el budismo zen y muchos de los más grandes maestros fueron sacerdotes, especialmente en los primeros períodos. Muchas piezas también están relacionadas con la ceremonia del té japonesa y encarnan los principios estéticos del wabi-sabi . La mayoría de los artículos de raku , donde la decoración final es en parte aleatoria, sigue esta tradición. [4] La otra tradición es la de artículos de fábrica muy acabados y de colores brillantes, principalmente en porcelana, con una decoración compleja y equilibrada, que desarrolla los estilos de porcelana china de una manera distinta. [5] Una tercera tradición, de gres esmaltado y simple pero perfectamente formado , también se relaciona más estrechamente con las tradiciones china y coreana. En el siglo XVI, varios estilos de artículos rústicos utilitarios tradicionales que entonces se producían fueron admirados por su simplicidad, y sus formas a menudo se han mantenido en producción hasta el día de hoy para un mercado de coleccionistas. [6]
En el Neolítico ( c. XI milenio a. C.) se fabricó la primera loza blanda.
Durante el período Jōmon temprano , en el VI milenio a. C., aparecieron las típicas cerámicas hechas en espiral , decoradas con patrones de cuerdas grabados a mano. La cerámica Jōmon desarrolló un estilo extravagante en su apogeo y se simplificó en el último período Jōmon. La cerámica se formó enrollando cuerdas de arcilla y cociéndolas a fuego abierto.
Aproximadamente entre los siglos IV y III a. C. , apareció la cerámica Yayoi , que era otro estilo de loza caracterizada por un patrón simple o ningún patrón. Las cerámicas Jōmon, Yayoi y más tarde Haji compartieron el proceso de cocción pero tenían diferentes estilos de diseño.
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En los siglos III y IV d. C. aparecieron el horno anagama , un horno de túnel techado en la ladera de una colina, y el torno de alfarero , traído a la isla de Kyushu desde la península de Corea. [7]
El horno anagama podía producir gres, cerámica Sue , cocida a altas temperaturas de más de 1200 a 1300 °C (2190 a 2370 °F), a veces adornada con accidentes producidos al introducir material vegetal en el horno durante la fase de cocción con oxígeno reducido. Su fabricación se inició en el siglo V y continuó en zonas periféricas hasta el siglo XIV. Aunque se han identificado varias variaciones regionales, Sue era notablemente homogénea en todo Japón. Sin embargo, la función de la cerámica Sue cambió con el tiempo: durante el período Kofun ( 300-710 d.C.) fue principalmente cerámica funeraria; durante el período Nara (710–94) y el período Heian (794–1185), se convirtió en una vajilla de élite; y finalmente se utilizó como vajilla utilitaria y para vasos rituales de altares budistas.
La cerámica Haji contemporánea y los objetos funerarios haniwa eran loza como Yayoi.
Aunque una técnica de vidriado con plomo de tres colores se introdujo en Japón desde la dinastía Tang de China en el siglo VIII, los hornos oficiales sólo producían vidriado de plomo verde simple para los templos en el período Heian , alrededor de 800-1200.
La cerámica Kamui apareció en esta época, así como la cerámica Atsumi y la cerámica Tokoname .
Hasta el siglo XVII, el gres sin esmaltar era popular para las duras necesidades diarias de una sociedad mayoritariamente agraria; tinajas funerarias, tinajas de almacenamiento y una variedad de vasijas de cocina tipifican la mayor parte de la producción. Algunos de los hornos mejoraron su tecnología y se denominan "Seis hornos antiguos": Shigaraki ( artículos Shigaraki ), Tamba, Bizen, Tokoname, Echizen y Seto. [8] [9]
Entre ellos, el horno de Seto en la provincia de Owari (actual prefectura de Aichi ) tenía una técnica de vidriado. Según la leyenda, Katō Shirozaemon Kagemasa (también conocido como Tōshirō) estudió técnicas cerámicas en China y trajo cerámica vidriada a alta temperatura a Seto en 1223. El horno de Seto imitaba principalmente la cerámica china como sustituto del producto chino. Desarrolló varios esmaltes: marrón ceniza, negro hierro, blanco feldespato y verde cobre. Los productos se utilizaron tan ampliamente que Seto-mono ("producto de Seto") se convirtió en el término genérico para la cerámica en Japón. El horno Seto también producía gres sin esmaltar. A finales del siglo XVI, muchos alfareros de Seto que huían de las guerras civiles se trasladaron a la provincia de Mino en la prefectura de Gifu, donde produjeron cerámica vidriada: cerámica Seto amarilla ( Ki-Seto ) , Shino, Seto negra ( Seto-Guro ) y Oribe .
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Según las crónicas de 1406, el emperador Yongle (1360-1424) de la dinastía Ming otorgó diez cuencos de cerámica Jian de la dinastía Song al shōgun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), que gobernó durante el período Muromachi . Varios monjes japoneses que viajaron a monasterios en China también trajeron piezas a casa. [10] A medida que se volvieron valorados para las ceremonias del té, se importaron más piezas de China, donde se convirtieron en bienes muy preciados. Cinco de estos buques de la dinastía Song del sur son tan valorados que fueron incluidos por el gobierno en la lista de Tesoros Nacionales de Japón (artesanías: otros) . Posteriormente, la vajilla Jian se produjo y desarrolló como tenmoku y tenía un precio elevado durante las ceremonias del té de esta época.
Desde mediados del siglo XI hasta el siglo XVI, Japón importó mucha vajilla china de celadón , porcelana blanca y vajilla azul y blanca. Japón también importó cerámica china, así como cerámica coreana y vietnamita. Estas cerámicas chinas ( tenmoku ) se consideraban artículos sofisticados que las clases altas utilizaban en la ceremonia del té. Los japoneses también encargaban cerámicas diseñadas a medida a los hornos chinos.
Las importaciones de alto precio también procedían de Luzón y se llamaban Rusun-yaki o " ware de Luzón ", así como Annan de Annam , al norte de Vietnam. [11]
Con el surgimiento del budismo a finales del siglo XVI, los principales maestros del té introdujeron un cambio de estilo y prefirieron los humildes tazones de té y artículos domésticos coreanos a la sofisticada porcelana china. El influyente maestro del té Sen no Rikyū (1522-1591) recurrió a estilos nativos japoneses de cerámica rústica simple, a menudo imperfecta, que admiraba por su "espontaneidad robusta", un "cambio decisivo" de enorme importancia para el desarrollo de la cerámica japonesa. [12] La familia Raku (llamada así por la cerámica y no al revés) suministraba tazones de té de barro vidriado de color marrón. Mino, Bizen, Shigaraki ( artículos Shigaraki ), Iga (similar al Shigaraki) y otros hornos domésticos también suministraban utensilios para el té. El artista alfarero Hon'ami Kōetsu hizo varios tazones de té que ahora se consideran obras maestras.
Durante la invasión de Corea por parte de Toyotomi Hideyoshi en 1592 , las fuerzas japonesas trajeron a los alfareros coreanos como esclavos a Japón. Según la tradición, uno de los secuestrados, Yi Sam-pyeong , descubrió una fuente de arcilla de porcelana cerca de Arita y pudo producir la primera arcilla japonesa. porcelana. Estos alfareros también trajeron tecnología de horno mejorada en el noborigama u horno ascendente, que subía por una ladera y permitía alcanzar temperaturas de 1400 °C (2550 °F). [13] Pronto se iniciaron los hornos Satsuma, Hagi, Karatsu, Takatori, Agano y Arita.
En la década de 1640, las rebeliones en China y las guerras entre la dinastía Ming y los manchúes dañaron muchos hornos, y en 1656-1684 el nuevo gobierno de la dinastía Qing detuvo el comercio cerrando sus puertos. Los refugiados alfareros chinos pudieron introducir refinadas técnicas de porcelana y esmaltes en los hornos de Arita. A partir de 1658, la Compañía Holandesa de las Indias Orientales buscó en Japón porcelana azul y blanca para venderla en Europa (ver porcelana de Imari ). En ese momento, los hornos de Arita, como el horno de Kakiemon , aún no podían suministrar suficiente porcelana de calidad a la Compañía Holandesa de las Indias Orientales, pero rápidamente ampliaron su capacidad. De 1659 a 1740, los hornos de Arita pudieron exportar enormes cantidades de porcelana a Europa y Asia. Poco a poco, los hornos chinos se recuperaron y desarrollaron sus propios estilos de productos esmaltados de colores intensos que los europeos encontraban tan atractivos, incluida la famille rose , la famille verte y el resto de ese grupo. Aproximadamente a partir de 1720, los hornos chinos y europeos también comenzaron a imitar el estilo esmaltado Imari en el extremo inferior del mercado, y alrededor de 1740 el primer período de exportación de porcelana japonesa prácticamente había cesado. [14] Los hornos de Arita también suministraban utensilios domésticos como los llamados artículos esmaltados Ko-Kutani. [15]
También se exportaba porcelana a China, gran parte de la cual era revendida por comerciantes chinos a otras "Compañías de las Indias Orientales" europeas a las que no se les permitía comerciar en el propio Japón. Se ha sugerido que la elección de tales artículos estuvo dictada principalmente por el gusto chino, que prefería los productos Kakiemon a los "Imari", lo que explica una disparidad notoria en las primeras colecciones europeas que se puede reconstruir entre las holandesas y las de otros países, como Inglaterra, Francia y Alemania. [16] Debido a que Imari era el puerto de embarque, algunas porcelanas, tanto para exportación como para uso doméstico, se llamaban Ko-Imari (antigua Imari) . La costumbre europea ha sido generalmente llamar a los artículos azules y blancos "Arita" y a los azules, rojos y dorados "Imari", aunque en realidad ambos se fabricaban a menudo en los mismos hornos en Arita. En 1759, el pigmento de esmalte rojo oscuro conocido como bengara estuvo disponible industrialmente, lo que llevó a un renacimiento rojizo del estilo Ko-Imari naranja de 1720 .
En 1675, la familia local Nabeshima que gobernaba Arita estableció un horno personal para fabricar porcelana esmaltada de alta calidad para las clases altas de Japón, que se llama cerámica Nabeshima . Utiliza principalmente decoración en estilos tradicionales japoneses, a menudo a partir de textiles, en lugar de los estilos derivados de China de la mayoría de los artículos de Arita. [17] La cerámica Hirado era otro tipo de porcelana inicialmente reservada para ser presentada como obsequio político entre la élite, concentrándose en pinturas muy finas en azul sobre un cuerpo blanco inusualmente fino, para lo cual se contrataba a pintores de pergaminos. Estos dos tipos representaban la porcelana más fina producida después del estancamiento del comercio de exportación en la década de 1740. A diferencia de la cerámica de Nabeshima, Hirado pasó a ser un importante exportador en el siglo XIX.
Durante el siglo XVII, en Kioto, entonces capital imperial de Japón, los hornos sólo producían cerámica vidriada con plomo que se parecía a la cerámica del sur de China. Entre ellos, el alfarero Nonomura Ninsei inventó un esmalte opaco sobre vidriado y, con el patrocinio del templo, pudo refinar muchos diseños de estilo japonés. Su discípulo Ogata Kenzan inventó un estilo artesanal idiosincrásico y llevó el Kyōyaki (cerámica de Kioto) a nuevas alturas. Sus obras sirvieron de modelo para el Kyōyaki posterior . Aunque Okuda Eisen introdujo los cuerpos de porcelana en Kyōyaki , la cerámica vidriada todavía florecía. Aoki Mokubei, Ninami Dōhachi (ambos discípulos de Okuda Eisen) y Eiraku Hozen ampliaron el repertorio del Kyōyaki .
Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX, se descubrió arcilla de porcelana blanca en otras áreas de Japón y se comercializó a nivel nacional, y a los alfareros se les permitió moverse más libremente. Los señores y comerciantes locales establecieron muchos hornos nuevos (por ejemplo, el horno Kameyama y el horno Tobe ) para obtener ganancias económicas, y los hornos antiguos, como el de Seto, volvieron a funcionar como hornos de porcelana. Estos numerosos hornos se llaman "Hornos Nuevos" y popularizaron la porcelana al estilo de los hornos de Arita entre la gente común.
Durante la apertura internacional del período Meiji, las artes y artesanías japonesas tuvieron una nueva audiencia y un nuevo conjunto de influencias. Los mecenas tradicionales, como la clase daimyō , se separaron y muchos de los artesanos perdieron su fuente de ingresos. El gobierno se interesó activamente en el mercado de exportación de arte, promoviendo las artes japonesas en una sucesión de ferias mundiales , comenzando con la Exposición Universal de Viena de 1873 . [18] [19] La Casa Imperial también se interesó activamente en las artes y la artesanía, nombrando artistas de la Casa Imperial y encargando obras ("artículos de presentación") como obsequios para dignatarios extranjeros. [20] La mayoría de las obras promocionadas internacionalmente fueron en artes decorativas, incluida la cerámica.
La cerámica Satsuma era un nombre dado originalmente a la cerámica de la provincia de Satsuma , elaboradamente decorada con esmaltes vidriados y dorados . Estos productos fueron muy elogiados en Occidente. Considerado en Occidente como distintivamente japonés, este estilo en realidad debía mucho a los pigmentos importados y a las influencias occidentales, y se creó pensando en la exportación. [21] Los talleres de muchas ciudades se apresuraron a producir este estilo para satisfacer la demanda de Europa y América, a menudo produciendo de forma rápida y económica. Por lo tanto, el término "artículo Satsuma" pasó a asociarse no con un lugar de origen sino con artículos de menor calidad creados exclusivamente para la exportación. [22] A pesar de esto, hubo artistas como Yabu Meizan y Makuzu Kōzan que mantuvieron los más altos estándares artísticos y al mismo tiempo exportaron con éxito. Estos artistas ganaron múltiples premios en exposiciones internacionales. [23] Meizan utilizó placas de cobre para crear diseños detallados y transferirlos repetidamente a la cerámica, a veces decorando un solo objeto con mil motivos. [24]
La industria de la porcelana japonesa estaba bien establecida al comienzo del período Meiji, pero los productos producidos en masa no eran conocidos por su elegancia. [25] Durante esta época, las innovaciones técnicas y artísticas convirtieron la porcelana en una de las formas de arte decorativo japonés de mayor éxito internacional. [25] Mucho de esto se debe a Makuzu Kōzan , conocido por la cerámica Satsuma, quien a partir de la década de 1880 introdujo una nueva sofisticación técnica en la decoración de la porcelana, al tiempo que se comprometió a preservar los valores artísticos tradicionales. [26] Durante la década de 1890 desarrolló un estilo de decoración que combinaba múltiples colores bajo vidriado en cada elemento. [27] La sofisticación técnica de sus vidriados aumentó durante esta década a medida que continuaba experimentando. [28] En la década de 1900 a 1910 hubo un cambio sustancial en la forma y decoración de sus obras, reflejando influencias occidentales. [26] Su trabajo influyó fuertemente en las percepciones occidentales del diseño japonés. [29]
La cerámica japonesa influyó fuertemente en el alfarero de estudio británico Bernard Leach (1887-1979), considerado el "padre de la cerámica de estudio británica". [30] Vivió en Japón de 1909 a 1920 durante el período Taishō y se convirtió en el principal intérprete occidental de la cerámica japonesa y, a su vez, influyó en varios artistas en el extranjero. [31]
Durante el período Shōwa temprano , se desarrolló el movimiento de arte popular mingei (民芸) , a partir de finales de los años 1920 y 1930. Su padre fundador fue Yanagi Sōetsu (1889-1961). Rescató vasijas humildes utilizadas por los plebeyos en los períodos Edo y Meiji que estaban desapareciendo en un Japón en rápida urbanización. Shōji Hamada (1894-1978) fue un alfarero que fue una figura importante del movimiento mingei , que estableció la ciudad de Mashiko como un centro de renombre para la cerámica Mashiko . Otro alfarero influyente en este movimiento fue Kawai Kanjirō (1890-1966) y Tatsuzō Shimaoka (1919-2007). Estos artistas estudiaron técnicas tradicionales de vidriado para preservar los productos nativos en peligro de desaparecer.
Uno de los momentos más críticos fue durante la Guerra del Pacífico , cuando todos los recursos se destinaron a los esfuerzos bélicos, la producción y el desarrollo se vieron gravemente obstaculizados y los mercados sufrieron.
Varias instituciones quedaron bajo los auspicios de la División de Protección de Bienes Culturales.
Los hornos de Tamba , con vistas a Kobe , continuaron produciendo los artículos cotidianos utilizados en el período Tokugawa , añadiendo al mismo tiempo formas modernas. La mayoría de los artículos del pueblo fueron elaborados de forma anónima por alfareros locales con fines utilitarios. Los estilos locales, ya fueran nativos o importados, tendieron a continuar sin alteraciones hasta el presente. En Kyūshū, los hornos instalados por alfareros coreanos en el siglo XVI, como en Koishiwara, Fukuoka y su rama en la cerámica Onta , perpetuaron las mercancías campesinas coreanas del siglo XVI. En Okinawa , la producción de artículos de aldea continuó bajo la dirección de varios maestros destacados, y Kinjo Jiro fue honrado como ningen kokuho (人間国宝, iluminado. 'tesoros culturales vivientes', oficialmente Preservador de Importantes Propiedades Culturales Intangibles) .
Los alfareros modernos trabajan en Shiga , Iga , Karatsu , Hagi y Bizen . Yamamoto Masao (Toushuu) de Bizen y Miwa Kyusetsu de Hagi fueron designados ningen kokuho . Hasta 1989, sólo media docena de alfareros habían sido honrados así, ya sea como representantes de famosos productos de horno o como creadores de técnicas superlativas de vidriado o decoración; Se designaron dos grupos para preservar las mercancías de distinguidos hornos antiguos.
En la antigua capital de Kioto , la familia Raku continuó produciendo los toscos tazones de té que tanto habían deleitado a Hideyoshi. En Mino , los alfareros continuaron reconstruyendo las fórmulas clásicas de los productos de té tipo Seto de Mino del período Momoyama , como el esmalte verde cobrizo de la cerámica Oribe y el preciado esmalte lechoso de la cerámica Shino. Los artistas alfareros experimentaron en las universidades de artes de Kioto y Tokio para recrear la porcelana tradicional y sus decoraciones bajo la dirección de maestros de cerámica como Fujimoto Yoshimichi, un ningen kokuho . Los antiguos hornos de porcelana alrededor de Arita en Kyūshū todavía eran mantenidos por el linaje de Sakaida Kakiemon XIV e Imaizumi Imaemon XIII, fabricantes de porcelana hereditarios del clan Nabeshima ; ambos eran jefes de grupos designados mukei bunkazai (無形文化財, ver porcelana Kakiemon e Imari ) .
La artista británica Lucie Rie (1902-1995) estuvo influenciada por la cerámica japonesa y por Bernard Leach, y también fue apreciada en Japón con varias exposiciones. El artista británico Edmund de Waal (n. 1964) estudió a Leach y pasó varios años en Japón estudiando el estilo mingei . [31] El hermano Thomas Bezanson de Canadá fue influenciado por esto. [32]
Por el contrario, a finales de la década de 1980, muchos maestros alfareros ya no trabajaban en hornos importantes o antiguos, sino que fabricaban productos clásicos en varias partes de Japón. En Tokio, un ejemplo notable es Tsuji Seimei, quien trajo su arcilla de Shiga pero la fabricó en el área de Tokio. Varios artistas se dedicaron a reconstruir estilos chinos de decoración o vidriados, especialmente el celadón azul verdoso y el qingbai verde agua . Uno de los glaseados chinos más queridos en Japón es el tenmoku de color marrón chocolate que cubría los tazones de té campesinos traídos del sur de la China Song (en los siglos XII y XIII) por los monjes zen . Para sus usuarios japoneses, estos productos de color marrón chocolate encarnaban la estética zen del wabi (simplicidad rústica). En los Estados Unidos, un ejemplo notable del uso de esmaltes tenmoku se puede encontrar en las innovadoras vasijas cristalinas lanzadas por el artista japonés Hideaki Miyamura .
La arcilla se elige en gran medida en función de los materiales locales disponibles. En Japón abundan los tipos más básicos de arcilla. Debido a los depósitos naturales de caolín , en Kyushu se encuentran muchas arcillas de porcelana. Los hornos se construían tradicionalmente en los lugares donde había depósitos de arcilla, y la mayoría de los alfareros todavía utilizan arcillas locales, habiendo desarrollado una variedad de esmaltes y técnicas de decoración especialmente adecuadas para esa arcilla. Las arcillas cerámicas que se encuentran en el archipiélago japonés van desde loza fusible hasta caolines refractarios. Desde el período Jōmon hasta el período Yayoi, los alfareros japoneses se basaron en arcillas aluviales y esquistos con alto contenido de hierro plástico. Los materiales orgánicos aparecen en gran parte de las obras del período Jōmon temprano, pero a partir de entonces predomina la arena o la piedra triturada.
Se produjeron más refinamientos bajo la influencia china en los siglos VIII y IX d. C., cuando los creadores de las cerámicas tricolores de Nara y las cerámicas vidriadas con ceniza de Heian buscaron arcillas blancas refractarias y mejoraron su finura mediante la levigación. En Kioto, donde la demanda lo hace práctico y rentable, la arcilla se tritura, se tritura (se convierte en barbotina) y se filtra comercialmente.
Primero se parte la arcilla en pequeños trozos, se vierte sobre ella una pequeña cantidad de agua y luego se bate con un kine , un mazo de madera, hasta obtener la plasticidad y uniformidad de textura deseada. Luego, la arcilla se somete a un proceso de aramomi o "cuña áspera", un movimiento de amasado, después del cual la arcilla se almacena durante dos o tres días, o a veces hasta una semana. Antes de que la arcilla esté lista para ser arrojada, debe pasar por el proceso nejimomi ("tornillo-cuña") , que produce una masa en forma de bala de la que se han eliminado todas las burbujas de aire, y en el que la estructura granular está dispuesta de manera que irradia hacia afuera desde el centro de la masa.
Las primeras piezas se hacían presionando la arcilla para darle forma. Este método continuó empleándose después de la invención de la rueda, como en la producción de artículos Rengetsu . Los métodos enrollados se desarrollaron en el período Jōmon. Posteriormente se desarrolló la producción mediante amasado y corte de losas, por ejemplo para las figuras de arcilla haniwa .
El primer uso del torno de alfarero en Japón se puede ver en la cerámica de Sue . Mientras que las producciones de Sue combinaban técnicas de torno y bobinado, la loza vidriada con plomo fabricada bajo la influencia china entre los siglos VIII y X incluye formas realizadas íntegramente en el torno de alfarero.
El torno de alfarero original de Oriente era una almohadilla circular de estera tejida que el alfarero hacía girar a mano y con un torno, y era conocido en Japón como rokuro . Pero con la llegada del te-rokuro o volante, la mecánica del lanzamiento hizo posible un arte más sutil. La cabeza de la rueda era una pieza de madera circular, grande y gruesa con agujeros poco profundos en la superficie superior alrededor de la periferia del disco. El alfarero mantenía la rueda en movimiento insertando un mango de madera en uno de los agujeros y haciendo girar el cabezal de la rueda sobre su eje hasta alcanzar la velocidad deseada.
El volante siempre se gira en el sentido de las agujas del reloj y el peso del gran cabezal del volante lo induce, después de arrancar, a girar rápidamente durante un largo período de tiempo. Las piezas realizadas en el volante tienen un alto grado de precisión y simetría porque no hay movimiento del cuerpo del alfarero al lanzarlas, como ocurre con el volante. En los primeros días de la fabricación de porcelana en Japón, las áreas de Kioto, Seto y Nagoya utilizaban sólo el volante; en otros lugares, en la zona de Kutani y en Arita, se empleó la rueda de patada. La rueda de estilo japonés o ke-rokuro probablemente se inventó en China a principios de la dinastía Ming. Su diseño es similar en muchos aspectos al del volante, o puede tener una punta de madera colocada en la parte superior y un tubo de hierro, como las ruedas posteriores. La rueda de patada siempre se gira en sentido contrario a las agujas del reloj, y el movimiento inevitable del cuerpo del alfarero cuando patea la rueda mientras la arroja da a muchas vasijas japonesas una falta casual de simetría que atrae a los gustos occidentales contemporáneos.
Después de la Restauración Meiji en 1868, un estudiante del Dr. Wagener fue a Alemania para aprender a construir un horno de tiro descendente y observó muchas ruedas accionadas por correas sobre poleas de un solo eje. A su regreso instaló un sistema similar en el área de Seto, utilizando a un hombre para girar el volante que impulsaba el eje y el sistema de poleas. A partir de este comienzo se desarrolló la rueda de dos hombres.
Hoy en día, la mayoría de los alfareros de Kioto utilizan tornos eléctricos, aunque hay muchos estudios que todavía tienen un volante y un volante. Sin embargo, ahora es difícil encontrar artesanos que puedan fabricarlos o repararlos. [ cita necesaria ]
En Koishibara, Onda y Tamba, los cuencos y jarras grandes primero se construyen toscamente en espiral sobre la rueda y luego se les da forma lanzándolos, en lo que se conoce como la "técnica de enrollamiento y lanzamiento". Los pasos preliminares son los mismos que para la construcción de bobinas, después de lo cual la forma rugosa se lubrica con barbotina y se le da forma entre las manos del alfarero mientras gira la rueda. El proceso se remonta a 360 años atrás, a una técnica coreana traída a Japón tras la invasión de Corea por Hideyoshi.
Generalmente hechas de bambú o madera de rápido crecimiento, estas herramientas para dar forma a la cerámica tienen una sensación natural que es muy atractiva. Si bien la mayoría son versiones japonesas de herramientas familiares en Occidente, algunas son invenciones japonesas únicas.
A lo largo de su historia han existido cientos de productos y estilos diferentes. Los más históricos y conocidos han recibido el reconocimiento del gobierno. Para obtener más información, consulte la lista de sitios de cerámica japonesa .
Varios museos en Japón están dedicados exclusivamente a la cerámica. Entre los más conocidos se encuentran el Museo de Cerámica de la Prefectura de Aichi , cerca de Nagoya , el Parque de Porcelana de Arita , el Museo de Cerámica Oriental de Fukuoka , el Museo de Cerámica de Kyushu , el Jardín Noritake , el Museo de Cerámica Oriental de Osaka , la Cerámica Bizen de la Prefectura de Okayama. Museo y el Museo de Arte Ōtsuka . Museos públicos como el Museo Nacional de Kyushu , el Museo Nacional de Kioto , el Museo Nacional de Nara , el Museo Nacional de Tokio y el Museo de Arte de la Prefectura de Ishikawa cuentan con importantes colecciones de cerámica. Varios museos privados también tienen objetos importantes como el Museo de Arte MOA , el Museo Conmemorativo Mitsui , el Museo de Arte Seikadō Bunko , el Museo de Arte Fujita y el Museo de Arte Conmemorativo Kubosō, Izumi . Varios artículos de cerámica importantes también se poseen y se conservan en varios templos de Japón, como Ryūkō-in, Kohō-an y Shōkoku-ji , sin embargo, los artículos no se exhiben públicamente.
La mayoría de los museos de cerámica de todo el mundo tienen colecciones de cerámica japonesa, muchas de ellas muy extensas. Las obras de cerámica japonesa moderna suelen ser muy buscadas y caras. Además de los estilos tradicionales, el arte y la cerámica de estudio en estilos de arte contemporáneo se fabrican para el mercado internacional.
