El jazz orquestal o jazz sinfónico es una forma de jazz que se desarrolló en la ciudad de Nueva York en la década de 1920. Los primeros innovadores del género, como Fletcher Henderson y Duke Ellington , incluyen algunos de los músicos, compositores y arreglistas más respetados de toda la historia del jazz. [1] La fusión de las características rítmicas e instrumentales del jazz con la escala y estructura de una orquesta, hizo que el jazz orquestal se distinguiera de los géneros musicales que precedieron a su surgimiento. Su desarrollo contribuyó tanto a la popularización del jazz como a la legitimación crítica del jazz como forma de arte.
El jazz orquestal se desarrolló a partir del jazz temprano de Nueva Orleans . Los músicos afroamericanos que fueron pioneros en el género antes de 1920 y que emigraron de Nueva Orleans a Chicago y Nueva York a principios de la década de 1920 llevaron el jazz al norte; Con el tiempo, el barrio afroamericano de Harlem se convirtió en el centro cultural del género. [2]
En Nueva York, las industrias del entretenimiento y las artes prosperaron y el jazz encontró un hogar adecuado, convirtiéndose en una parte importante del panorama cultural. Pero antes de la gran popularidad de las big bands, que se desarrolló junto con la creciente moda del baile , el jazz se consideraba generalmente una variedad de música bastante tosca. No fue muy escuchado por su valor artístico, como escribe el crítico musical Richard Hadlock:
Sin embargo, durante la década de 1920 surgió un movimiento, deudor en parte de la influencia musical de Paul Whiteman . Este movimiento condujo a una variedad de jazz más estilizada y formal que se convertiría en jazz orquestal, imaginado por primera vez por Whiteman como jazz sinfónico .
Esta estilización del jazz tenía elementos de la composición clásica europea , aunados al sonido rítmico e instrumental del jazz de Nueva Orleans. El jazz orquestal era musicalmente distinto de su predecesor sureño por una variedad de razones: no sólo las bandas eran más grandes, creando una cierta riqueza de sonido, sino que también la música era estructuralmente más sofisticada. Mientras que el jazz de Nueva Orleans se caracterizó por la improvisación colectiva y la reinterpretación espontánea de melodías estándar, las orquestas de jazz tocaron arreglos principales que fueron compuestos y arreglados antes de la interpretación en la que fueron ejecutados. El estilo ajetreado y estridente del jazz temprano no tenía el mismo tipo de atractivo popular que la relativa moderación del jazz orquestal. En particular, la implementación de un ritmo mesurado representó gran parte de su atractivo popular. El ritmo de dos tiempos que recuerda al jazz de Nueva Orleans fue reemplazado durante la transición a la era del swing por las innovaciones en el bajo de Jimmy Blanton y Walter Page , a quienes se les atribuye el mérito de desarrollar la línea de Walking Bass. Esto convertiría los cuatro tiempos en el compás en un estándar del jazz; además, este ritmo propiciaba el tipo de público que bailaba deseado. [2]
El auge de la instrumentación de big band tuvo tanto que ver con las tendencias artísticas como con la viabilidad comercial. Importantes avances tecnológicos transformaron la industria musical durante la década de 1920, permitiendo un aumento en el consumo masivo de música. Los fonógrafos y los discos se convirtieron en artículos domésticos estándar; Un indicador de la amplia popularización de la música grabada es el hecho de que sólo en 1927 se vendieron casi 100 millones de discos. [4] La música preestablecida tenía un atractivo comercial particular, ya que el público estaba familiarizado con las canciones que veía en vivo a partir de las grabaciones que compraba. Además, la exposición a la innovación musical (y el jazz, en todas sus variedades, era ciertamente innovador) nunca antes había llegado a la misma amplitud de audiencia estadounidense. Dada la disponibilidad comercial de la música (que, además de los discos, se vio favorecida por la proliferación de la radiodifusión), se creó una plataforma que representó la popularización del jazz. Pero el consumo masivo de jazz permitió simultáneamente al público una influencia inversa en su desarrollo, y las demandas de los consumidores dictaron que el jazz orquestal adoptara una estructura similar a la de la música popular tradicionalmente accesible.
El "Rey del Jazz" a principios de los años veinte era Paul Whiteman , un músico de formación clásica de Denver . Antes de su etapa como director de banda de baile de salón en el Palais Royal , en Nueva York, Whiteman tocó el violín tanto en la Orquesta Sinfónica de Denver como en la Orquesta Sinfónica de San Francisco . Su formación clásica influyó sustancialmente en la forma en que abordó la "Música Moderna"; La más famosa es la actuación de Whiteman en el Aeolian Hall en 1924 que mostró la transformación que él ayudó a impulsar. Al concluir este notable espectáculo con la famosa composición de George Gershwin (y quizás el mejor ejemplo de jazz sinfónico) Rhapsody in Blue , la actuación de Whiteman se cita a menudo como el evento que significa la llegada del jazz de una música folklórica a una forma de arte. [5] El talento para el espectáculo y la innovación que exhibió Whiteman le valieron el apodo de "Rey del Jazz", aunque hay mucha controversia asociada a este título. Como hombre blanco, la capitalización de Whiteman en un género musical que es indiscutiblemente de origen afroamericano ha llevado a muchos críticos a cuestionar la autenticidad de sus actividades artísticas, e incluso a considerarlas explotadoras. A pesar de esto, muchos de los contemporáneos de Whiteman, blancos y negros, lo elogiaron y, como muestra de su influencia, quisieron emular sus éxitos.
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Dos de los contemporáneos de Whiteman que hicieron, posiblemente, las contribuciones más significativas al desarrollo del jazz orquestal fueron el dúo colaborativo de Fletcher Henderson y Don Redman . Aunque Henderson, un pianista, nunca ganó la celebridad de muchos otros directores de banda de la época, sus colaboraciones con Redman tuvieron una enorme influencia en el desarrollo del jazz orquestal y, en particular, en su transición de los arreglos sinfónicos de Whiteman a la eventual supremacía de la big band .
Los arreglos de Redman de piezas de jazz de Nueva Orleans y Chicago reimaginaron el potencial musical del jazz, marcando el cambio de la improvisación colectiva y las melodías de jazz polifónicas a las composiciones homofónicas , mucho más consumibles, características del jazz orquestal. Otras técnicas estructurales, como la llamada y respuesta, eran evidentes en los arreglos de Whiteman anteriores a los de Redman; sin embargo, el uso que hace Redman de la llamada y respuesta como estructura subyacente de sus composiciones de jazz se considera uno de sus logros más importantes. [6] Su uso de acordes arpegiados, punto seccional y contrapunto, cambios en la armadura y el ritmo, y su superposición de armonías complejas demuestran la comprensión matizada de Redman de la composición musical. [7]
Redman también tenía un sentido único de la estructura de la banda, cuyo legado aún persiste. Redman dividiría la banda en cuatro secciones interactivas: instrumentos de viento ( saxofones y clarinetes ), trompetas , trombones y secciones rítmicas. Esta se convertiría en la estructura fundamental de las big bands, que normalmente constan de cuatro trompetas, cuatro trombones, cinco saxofones y una sección rítmica (piano, bajo, guitarra y batería). [2]
Las variaciones en la instrumentación también permitieron flexibilidad en el desempeño. Una tendencia importante que coincidió con el aumento de la disponibilidad de música fue la moda del baile de los años veinte y treinta; Las bandas más exitosas de la época fueron aquellas que se adaptaron al deseo de bailar de su público. [8] La banda de Henderson, por ejemplo, comenzó a tocar en el Roseland Ballroom a principios de los años veinte; su repertorio incluía no sólo piezas de "hot jazz", sino también valses en deferencia a los deseos de los clientes del Roseland. [4] La consideración que Henderson tenía de su público apunta a la importancia del entretenimiento en la interpretación de la variedad de jazz que se estaba apoderando de la ciudad de Nueva York (por cierto, sin embargo, no se consideraba que Henderson poseyera el mismo calibre de talento teatral que otros intérpretes, como Duke Ellington, y algunos atribuyen su falta de talento para el espectáculo como la razón principal de las luchas comerciales que sufrió). [7] La variedad en el repertorio de una banda significó la incorporación de estándares pop y jazz en la mayoría de las actuaciones, lo que también permitió la fusión orgánica de los dos géneros por parte de quienes interpretaron ambos.
Pero mientras Whiteman continuó escribiendo e interpretando una gran cantidad de música popular (y lo hizo casi exclusivamente después de sufrir las presiones económicas de la caída del mercado de valores de 1929 ), otras grandes bandas, como la de Henderson, hicieron la transición a la era del swing.
A través de esta transición, Henderson y Redman adoptaron un enfoque de la innovación musical bastante distinto del de Whiteman, un enfoque firmemente arraigado en la tradición del jazz. Específicamente, el dúo utilizó la espontaneidad y el virtuosismo de la improvisación tan integrales del jazz como género musical único. Si bien el propio publicista de Whiteman declaró que los días del solista de jazz habían terminado, los arreglos de Redman mantuvieron un equilibrio entre pasajes arreglados e improvisación, y mostraron los mejores talentos musicales de la época. La banda de Henderson contó con una variedad de talentos virtuosos, incluidos, en varios momentos, algunos de los mejores solistas de jazz de todos los tiempos. Entre ellos se encontraban Louis Armstrong , Coleman Hawkins , Roy Eldridge , Benny Carter , Lester Young y Chu Berry , por nombrar sólo algunos de los impresionantes compañeros de banda que reclutó Henderson. Después de que Henderson y Redman terminaran su formidable colaboración en 1927, Henderson finalmente comenzó, en 1931, a componer. Se familiarizó con los elementos de composición transcribiendo viejos discos de jazz y componiéndolos para una orquesta completa. [7]
A medida que el jazz y la música popular evolucionaron en conjunto, los géneros pasaron de esferas separadas y se vincularon más estrechamente con la popularización de la música swing . Las grandes bandas marcaron el comienzo de la era del swing que comenzó a principios de los años treinta, lo que significó la culminación del jazz comercial fuertemente orquestado. Esta variedad de jazz era mucho más digerible comercialmente que nunca, ya que estaba destinada a hacer bailar a sus oyentes.
Sin embargo, esta popularización del jazz no fue un fenómeno que pudiera diluirlo o perjudicarlo. De hecho, la big band de los años veinte y treinta proporcionó las salidas necesarias para la realización del legado tanto de Whiteman como de Henderson. Probablemente esto se resumió mejor en la carrera del compositor de jazz más prolífico, Duke Ellington . Ampliamente conocido por su prodigioso sentido musical, la carrera como compositor de Ellington comenzó a la edad de 14 años. Continuaría componiendo una tremenda variedad de música, aparecería en miles de grabaciones y actuaría durante casi cinco décadas.
Las sutilezas de la composición de Ellington crean un arte musical que es al mismo tiempo reflexivo y complicado, además de escuchable y agradable. Las contribuciones de Ellington al jazz son innumerables y, sin embargo, como lo indica la fama que ganó a mediados de los años veinte, el género está en deuda con él por haber elevado el jazz orquestal a su pináculo. Ningún otro artista era tan capaz como Ellington de utilizar elementos del jazz, aunque Henderson y Redman lo habían intentado, de forma tan fluida, con una gran orquesta. Muchas de las composiciones de Ellington fueron escritas para miembros específicos de su banda, destacando sus talentos individuales y confiando en sus aportes para cultivar su sonido. Su orquesta contaría con músicos como Johnny Hodges , Ben Webster , Jimmy Blanton, Juan Tizol , Cootie Williams , Harry Carney , [2] y también sería testigo de una colaboración de casi treinta años con el compositor, arreglista y pianista Billy Strayhorn . [9] La carrera de Ellington, en última instancia, se cita comúnmente como la culminación de la era dorada del jazz, la llamada era del jazz y la era del swing .
La Count Basie Orchestra surgió en Kansas City, Missouri, tras la muerte de Bennie Moten y la difusión de su banda. Count Basie llegaría a Kansas City en 1927, actuando inicialmente con Walter Page y Moten. La orquesta de Basie contaría con muchos miembros destacados, incluidos Lester Young , Joe Keyes , Oran 'Hot Lips' Page , Buster Smith , Earle Warren y, más tarde, Illinois Jacquet , Paul Gonsalves y Lucky Thompson .
La orquesta también era conocida por su sección rítmica que incluía a Basie al piano, Jo Jones a la batería, Walter Page al bajo y Freddie Green a la guitarra. La sección rítmica continuaría definiendo el sonido de las big bands modernas, siendo Jones uno de los primeros bateristas en cambiar el papel del cronometraje del bombo al platillo charles , [10] Page, un destacado innovador del estilo andante. línea de bajo y Green desarrolló el estilo de tocar la guitarra "Freddie Green" en el que los acordes se tocan cuatro por compás, a menudo mientras se silencian ligeramente. [2] [11]
La Orquesta de Basie también era conocida por trabajar con arreglistas como Neal Hefti , Quincy Jones y Sammy Nestico . [2] [12]
Los cambios más marcados de los estilos de jazz de Nueva Orleans y Chicago al jazz orquestal incluyeron el paso de la polifonía a la homofonía, la expansión general de la instrumentación y un mayor énfasis en las composiciones preestablecidas en lugar de la improvisación colectiva. Antes de 1930, las big bands estaban compuestas por trompetas, trombones, saxofones o clarinetes, y una sección rítmica formada por tuba, banjo, piano y batería. Las primeras grandes bandas normalmente tocaban canciones populares de 32 compases o blues de 12 compases, que se organizaban en torno al ritmo tradicional del jazz de dos tiempos; Sin embargo, a medida que evolucionó el género de las big band, el ritmo swing de cuatro tiempos se convirtió en su cambio más sustancial. Esto fue en parte función del cambio en la instrumentación de la sección rítmica y la incorporación del contrabajo, así como de la sustitución del banjo por la guitarra. Finalmente, los arreglos musicales que organizaban la interpretación de un conjunto se basaban en un "enfoque riff" que hacía uso de arreglos principales. Los arreglos principales emplean la llamada y respuesta típica de la música afroamericana; cada sección orquestal armoniza un determinado riff, respondiendo a las frases de las otras secciones. [6] Las piezas de jazz orquestal, por lo tanto, progresaron lógicamente a través de esta tensión, construida y liberada por la comunicación armónica de la interpretación en capas. [2]