Concierto para violín en si menor de Edward Elgar , op. 61, es una de sus composiciones orquestales más largas y la última de sus obras en obtener un éxito popular inmediato.
El concierto fue compuesto para el violinista Fritz Kreisler , quien lo estrenó en Londres en 1910, bajo la dirección del compositor. Los planes de la compañía discográfica His Master's Voice de grabar la obra con Kreisler y Elgar fracasaron, y el compositor hizo una grabación con el adolescente Yehudi Menuhin que ha permanecido en los catálogos desde su primer lanzamiento en 1932.
Aunque la música de Elgar pasó de moda a mediados del siglo XX y la reputación del concierto como uno de los más difíciles del repertorio para violín creció (debido a su uso constante de paradas múltiples, cruces de cuerdas rápidos y poco ortodoxos, y masiva , cambios rápidos alrededor del instrumento), sin embargo, continuó siendo programado y tocado por violinistas aclamados. A finales del siglo XX, cuando la música de Elgar volvió al repertorio general, se habían realizado más de veinte grabaciones del concierto. En 2010 se ofrecieron representaciones del concierto del centenario en todo el mundo.
Elgar había comenzado a trabajar en un concierto para violín en 1890, pero no quedó satisfecho con él y destruyó el manuscrito. [1] En 1907, el violinista Fritz Kreisler , que admiraba El sueño de Geroncio de Elgar , le pidió que escribiera un concierto para violín. [2] Dos años antes, Kreisler había dicho a un periódico inglés:
Si quieres saber a quién considero el más grande compositor vivo, te digo sin dudar Elgar... Esto no lo digo para complacer a nadie; es mi propia convicción... Lo coloco en pie de igualdad con mis ídolos, Beethoven y Brahms. Es de la misma familia aristocrática. Su invención, su orquestación, su armonía, su grandeza, es maravillosa. Y todo es música pura y no afectada. Ojalá Elgar escribiera algo para violín. [3]
La Royal Philharmonic Society de Londres encargó formalmente el concierto en 1909. Elgar, a pesar de ser violinista, pidió asesoramiento técnico a WH "Billy" Reed , líder de la Orquesta Sinfónica de Londres , mientras escribía el concierto. Reed lo ayudó con los arcos , los pasajes y las digitaciones , tocando pasajes una y otra vez hasta que Elgar quedó satisfecho con ellos. [4] [n 1] Kreisler también hizo sugerencias, algunas para hacer la parte solista más brillante y otras para hacerla más jugable. [n 2] Antes del estreno, Reed, con Elgar tocando la parte orquestal en el piano, interpretó la obra en una fiesta privada. [n 3]
El estreno tuvo lugar en un concierto de la Royal Philharmonic Society el 10 de noviembre de 1910, con Kreisler y la Orquesta Sinfónica de Londres dirigida por el compositor. Reed recordó que "el Concierto resultó ser un completo triunfo, el concierto una ocasión brillante e inolvidable". [8] Tan grande fue el impacto del concierto que el rival de Kreisler, Eugène Ysaÿe, pasó mucho tiempo con Elgar repasando la obra. Hubo una gran decepción cuando dificultades contractuales impidieron a Ysaÿe jugar en Londres. [8]
El concierto fue el último gran éxito popular de Elgar. De sus obras posteriores de gran escala, ni la Segunda Sinfonía ni Falstaff ni el Concierto para violonchelo alcanzaron la popularidad inmediata de la Primera Sinfonía o este concierto. Elgar seguía teniendo especial cariño por el trabajo. Su amigo Charles Sanford Terry recordó: "Nunca escuché a Elgar hablar de la nota personal en su música excepto en lo que respecta al concierto, y al respecto le escuché decir más de una vez: 'Me encanta'". [9] Elgar le dijo a Ivor Atkins que le gustaría que el tema nobilmente del andante estuviera inscrito en su tumba. [9]
Incluso en la década de 1950, cuando la música de Elgar no estaba de moda, el concierto aparecía con frecuencia en los programas de conciertos. [10] A finales del siglo XX, cuando la música de Elgar volvió a estar en el repertorio general, había más de 20 grabaciones de gramófono del concierto. En 2010, año del centenario de la obra, el violinista Nikolaj Znaider inició una serie de actuaciones en lugares como Viena, Londres y Nueva York, con la Filarmónica de Viena , la Orquesta Sinfónica de Londres, la Filarmónica de Nueva York y los directores Valery Gergiev y Sir Colin Davis. . [11] También en 2010, Philippe Graffin ofreció una actuación en el Festival de los Tres Coros utilizando el manuscrito original de Elgar, [12] y Znaider, Thomas Zehetmair y Tasmin Little publicaron nuevas grabaciones .
El concierto está dedicado a Kreisler, pero la partitura también lleva la inscripción en español "Aquí está encerrada el alma de...", una cita de la novela. Gil Blas de Alain-René Lesage . Los cinco puntos son uno de los enigmas de Elgar y se han propuesto varios nombres para que coincidan con la inscripción. Se ha creído ampliamente que alude a Alice Stuart-Wortley, hija del pintor John Everett Millais . [13] Ella era la querida amiga de Elgar a quien él apodó "Windflower", y su amor por ella y su inspiración para él son bien conocidos. [14] No hay pruebas definitivas que la vinculen con la inscripción del concierto, aunque Elgar denominó varios de los temas "Windflower", y en sus cartas a ella se refirió a él como "nuestro concierto". [15]
Otra posible inspiración para el concierto fue el primer amor de Elgar, Helen Weaver, con quien estuvo brevemente comprometido en la década de 1880. [16] Dora Powell ("Dorabella" de las Variaciones Enigma ) sugirió un tercer candidato posible, la amiga estadounidense de Elgar, Julia "Pippa" Worthington: Powell recordó una ocasión en la casa de los Elgar, Plâs Gwyn, cuando estaba mirando una copia de la partitura del concierto:
Llegué al lado de la cita en español... los cinco puntos me llamaron la atención y de inmediato me vino a la mente un nombre. La Señora [ es decir, Alice Elgar ] vino y se paró a mi lado, vio lo que estaba mirando y tradujo la frase en español: "Aquí está consagrada el alma de..." Luego pasó a completar el nombre: el de un amiga personal... Sra. Julia H. Worthington, una amiga estadounidense muy encantadora y amable. Sus amigos íntimos la conocían por otro nombre, también de cinco letras, [17] y no puedo decir con certeza si el compositor tenía en mente este nombre o su primer nombre de pila. Esto tampoco importa; el vacío ahora está lleno. [18] [n 4]
El biógrafo de Elgar, Jerrold Northrop Moore , sugiere que la inscripción no se refiere a una sola persona, sino que en cada movimiento del concierto están consagrados una inspiración viva y un fantasma: Alice Stuart-Wortley y Helen Weaver en el primer movimiento; la esposa de Elgar y su madre en el segundo; y al final, Billy Reed y August Jaeger ("Nimrod" de Enigma Variations ). [19]
El concierto para violín de Elgar está compuesto para violín solo, dos flautas , dos oboes , dos clarinetes en la, dos fagotes , contrafagot (ad lib), cuatro trompas en fa, dos trompetas en la, tres trombones , tuba (ad lib), 3 timbales. y cuerdas .
Elgar dijo sobre el Concierto para violín: "¡Es bueno! ¡Terriblemente emotivo! Demasiado emotivo, pero me encanta". [14] Como la gran mayoría de los conciertos para violín anteriores, el de Elgar tiene tres movimientos. El biógrafo de Elgar, Michael Kennedy, sugiere que estructuralmente el concierto sigue el modelo de los de Brahms y quizás de Bruch . [1] Es a una escala muy grande para un concierto, y normalmente tarda entre 45 y 55 minutos en ejecutarse (consulte "Grabaciones" a continuación para conocer los tiempos indicativos).
El primer movimiento, en forma de sonata tradicional , comienza con una larga exposición orquestal de los temas. Se presentan seis temas relacionados, que abarcan varias tonalidades, [15] después de lo cual se repite el primer tema, primero por la orquesta y luego por el violín solista. Kennedy describe este pasaje como "una de las entradas más efectivas e inquietantes del instrumento solista que se puede encontrar en cualquier concierto". [13] La línea solista repite y elabora los cinco temas, en particular el segundo tema que ha aparecido brevemente en la sección orquestal inicial y se transforma en la parte solista en el tema "Windflower", [n 5] "de una belleza poética excepcional. incluso para Elgar". [1] El movimiento sigue el patrón clásico de desarrollo y recapitulación, en el que "la interacción entre el violinista y la orquesta tiene una escala heroica", y termina con un florecimiento orquestal. [21]
El segundo movimiento, en clave de si bemol, tiene un preludio orquestal más corto y es mayoritariamente tranquilo y cantuoso, pero llega a un clímax apasionado. Kennedy lo llama "una muestra de elocuencia noble y sostenida". [21]
El último movimiento comienza con un pasaje de violín tranquilo pero extenuante, acompañado por la orquesta, con muchas paradas dobles y arpegios rápidos ; Se recuerdan temas del primer y segundo movimiento y luego, como el movimiento parece dirigirse a un final convencional, hay una cadencia acompañada inesperada y poco convencional en la que la orquesta apoya el solo con un efecto de pizzicato tremolando . Esta cadencia, aunque exigente de interpretar, no es la habitual obra maestra de virtuoso: es el clímax emocional y estructural de toda la obra. [21] Temas anteriores de la obra, incluido el tema "Windflower", se reformulan y finalmente el concierto termina con un característico resplandor de sonido orquestal. [1]
La primera grabación del concierto fue una versión truncada realizada por Gramophone Company bajo el sello HMV en diciembre de 1916, utilizando el proceso acústico, cuyas limitaciones técnicas requirieron una reorganización drástica de la partitura. Había dos discos de 12 pulgadas: D79-80. La solista era Marie Hall y la orquesta anónima estaba dirigida por el compositor. [22] La grabación eléctrica, introducida en la década de 1920, proporcionó un rango dinámico y un realismo muy mejorados, y las dos principales compañías discográficas inglesas, Columbia y HMV, hicieron grabaciones del concierto que permanecen en el catálogo.
A pesar de la existencia de una magnífica grabación de su Concierto para violín de Albert Sammons, cuya autoridad e interpretación de esta gran obra inglesa para violín nunca serán superadas, tenía la gran ambición de que el propio Sir Edward dirigiera la obra. Como intérprete joven, dócil y sin prejuicios, que respondería mejor a sus instrucciones, seleccioné a Yehudi Menuhin como el solista más prometedor.
Fred Gaisberg [23]
La primera grabación completa fue realizada en 1929 para Columbia por Albert Sammons con la New Queen's Hall Orchestra dirigida por Sir Henry Wood . HMV esperaba grabar el trabajo con Kreisler, pero resultó esquivo (creyendo que Elgar era un mal director) [24] y el productor de HMV, Fred Gaisberg , recurrió al joven Yehudi Menuhin . La grabación se realizó en el Abbey Road Studio 1 de EMI en junio de 1932 y desde entonces ha permanecido impresa en 78, LP y CD. Estas dos grabaciones tipifican los dos enfoques contrastantes de la obra que han existido desde entonces: Sammons y Wood, en una actuación enérgica, tardan poco más de 43 minutos en tocar la obra; Menuhin y Elgar, en una lectura más abiertamente expresiva, tardan casi 50 minutos. Otras grabaciones de la era monoaural incluyen las de Jascha Heifetz (1949) y Alfredo Campoli (1954). Ambas actuaciones siguen la tradición de Sammons/Wood y duran, respectivamente, aproximadamente 42 y 45 minutos.
Muchas grabaciones estéreo modernas favorecen el enfoque más lento de Menuhin y Elgar. El propio Menuhin en su remake estéreo de 1965 fue un poco más rápido (poco menos de 48 minutos) que en 1932, pero Pinchas Zukerman en sus dos versiones de estudio tardó un poco más de 50 minutos en su primera grabación y un poco menos de 49 en su segunda. . Ambas grabaciones de Nigel Kennedy se reproducen durante casi 54 minutos. El de Itzhak Perlman es ligeramente más rápido, con poco más de 47 minutos; y el de Dong-Suk Kang dura menos de 45 minutos. La versión más lenta grabada es con Ida Haendel y Sir Adrian Boult dirigiendo la Orquesta Filarmónica de Londres , con una duración de más de 55 minutos. Una grabación publicada en 2006 utilizó un texto basado en la partitura manuscrita de Elgar en lugar de la versión publicada. [6] Al revisar el CD en junio de 2006, el crítico de Gramophone Edward Greenfield observó: "... las diferencias son muy pequeñas... Tengo que confesar que si no me lo hubieran dicho, podría haber apreciado sólo dos de ellas". [n 6]
El artículo de BBC Radio 3 "Building a Library" ha presentado reseñas comparativas de todas las versiones disponibles del concierto en dos ocasiones. The Penguin Guide to Recorded Classical Music , 2008, tiene tres páginas de reseñas de grabaciones de la obra. Las versiones recomendadas tanto por la BBC como por The Penguin Guide son las de Menuhin (1932) y Sammons (1929). [26] [27]
Notas
Referencias
